viernes, 26 de diciembre de 2008

CRÍTICA: Dí que sí (por Oscar Alemany)

He aquí la crítica que mi amigo Oscar ha hecho de la última de Jim Carrey. Gracias Oscar!!

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Por Oscar Alemany

ARGUMENTO

Carl Allen es un hombre que se apunta a un programa de autoayuda que se basa en el principio de decir que “sí” a cualquier cosa… a lo que sea. Al principio, liberando el poder del “sí”, la vida de Carl se transforma de forma inesperada y emocionante, pero pronto descubre que abrir su vida a un sinfín de posibilidades también conlleva sus desventajas.


LO MEJOR DE LA PELÍCULA


-Es divertida, pese a quien le pese. De acuerdo que es la vuelta a la andazas de Jim Carrey. Pero es lo que la mayoría de su público espera de él.

-Las diferentes actividades que inicia Jim Carrey en su nueva vida. Bastante cómicas todas ellas.

-El jefe de la oficina, con un estupendo genial Rhys Darby.Le da vidilla al asunto.

-La crítica, nada encubierta, al excesivo recelo en la seguridad del país, por parte del gobierno yanqui.

-Buen mensaje el que transmite el film. Una moraleja a tener en cuenta para nuestras vidas.


LO PEOR DE LA PELÍCULA

-La previsible que resulta todo. Poco lugar a la sorpresa.

-Que no haya un personaje para hacer un poco de sombra a Jim Carrey.

-Huelga decir que es poco recomendable, para todos aquellos que odien la parte cómica de Jim Carrey.


ESCENAS DESTACABLES

-La escena del vagabundo.

-La escena de la abuela cachonda.

-Las fiestas en casa del jefe.

-El interrogatorio en el aeropuerto.

-La novia iraní.


CONCLUSIÓN

“Di que si” es una buena opción para una tarde navidades, es lo que no se sabe muy bien si ir de compras, llevar a los niños al circo, o ir a casa de la suegra, a que nos empache con una sus interminables meriendas.

Una de esos films, que se dejan ver de manera bastante agradables, para pasar un rato distraido, sin más pretensiones.

Vuelta a la comedia típica de los noventa, nada que ver con la nueva comedia americana, tan aclamada por una parte, y tan sobrevalorada por otra.


Nota.6:/10

jueves, 25 de diciembre de 2008

CRÍTICA: El Intercambio

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Propio de Eastwood: cine bien rodado, con estilo propio, pero frío. Si con “Los puentes de Madison” y “Million Dollar Baby” emocionó con su inconfundible arte de inducción, donde los silencios que son mínimos intensifican las emociones a flor de piel, en esta nueva cinta, todo hay que decirlo, decepciona.

El problema es que la cima sólo se alcanza una vez y son muchos los que piensan que “Sin Perdón” ya coronó la carrera del maestro, y el resto de películas no hicieron más que ponerle perlas a las puntas de la corona. Entonces, ¿el problema es que no quedan más puntas en la corona? No, nadie ha hablado todavía del tamaño de la corona. Lo que parece fallar aquí es un irremediable error de casting. El solvente trabajo de Jolie se queda en eso, no va más allá, no emociona, no transmite, aprueba.

Hillary Swank y Meryl Streep consiguieron que me olvidara de sus nombres mientras las veía actuar. Angelina Jolie (Christine Collins en el film), como su director, más preocupada en entonar y demostrar, en tener un mínimo de momentos estelares y primeros planos, olvida la dificultad de su personaje, la rabia que se supone deben desprender las miradas de una madre a la que han quitado parte de su ser. Confunde así la ira con las gritos y la frustración con llevarse las manos a la boca cuando llora, todos los gestos demasiados calculados.

Pero esto no desmerece la labor de Clint, el ritmo es impecable, así como la ambientación y la música, firmada por él mismo. Por otro lado también merecen ser destacados los secundarios, sobre todo los niños de la película, que, cargando sobre ellos las partes más duras del metraje, son los que parece mejor han asumido su papel. En este sentido, la violencia explícita de algunos pasajes y la reflexión acerca del sistema judicial norteamericano de la época, forman parte del riesgo que el director parece haber asimilado tan bien. Hay un atisbo de terror, en el que pudieran darse la mano Hopper (encarnando el horror derivado en violencia tal cual fuera “La Matanza de Texas”) y Mulligan (acercándonos a esos procesos judiciales magistralmente diseñados, con tempo magnífico, de modo ciertamente aterrador, en los que la heroína sale victoriosa frente al mismo diablo, como hiciera en “Matar a un ruiseñor”), que demuestra la valentía de esta cinta tensa y oscura.

Este mismo año, Clint Eastwood, ha presentado otra película menor, como muchos críticos vienen calificando ya; la esperada “Gran Torino”, aún no estrenada en España, en la que el cineasta vuelve a pincelar la pantalla con personajes de origen asiático, y en la que él mismo forma parte del reparto. Vaya, estoy empezando a pensar en Clint Eastwood como en un Woody Allen pero a la inversa: sus películas pierden enteros cuando no está él en el reparto para defenderlo.


LO MEJOR

- Todo el apartado técnico, desde la fotografía a la música, pasando por el maquillaje y el vestuario.
- El retrato del mundo femenino en una época clasista dominada por los hombres.
- (Spoiler) Los primeros veinte minutos, donde se retrata la relación madre-hijo.
- (Spoiler) El tenso encuentro entre la madre y el acusado de haber matado a su hijo, en la cárcel, el único momento realmente convincente de la protagonista.


LO PEOR

- Como ya he dicho, Angelina Jolie no está a la altura, pero tampoco se queda corta. El nudo de la historia (spoiler), cuando Jolie es encerrada en un psiquiátrico para no desmantelar el mal hacer de la policía, siendo la parte que más debería convencer no lo hace.
- La unidimensionalidad de algunos personajes realmente interesantes.
- La duración resulta desmesurada, amén de que la última parte del film se hace bastante larga.
- John Malkovich apenas aparece en tres ocasiones, lo cual, nos sabe a poco.
Nota: 7,5 / 10

viernes, 3 de octubre de 2008

Más sobre VCBarcelona

La carrera de esta película es imparable... claro que si no recauda lo que se espera en España ¿en qué otro país lo hará?. Muchos de mis amigos han opinado, con dispares resultados, sobre esta cinta, y así, en democracia se obtiene el fruto que a veces en el congreso no se consigue, hablo de un auténtico feedback, es decir, "lo que yo no veo, me lo haces ver tú". A continuación pongo lo que me escribió mi buen amigo y compañero de cinefilias Richard sobre Vicky Cristina Barcelona:

Sobre la película de Allen, decirte que a mí me gustó. ¡No lo esperaba!; porque desde que me enteré que Allen se había entregado a la Pene y al Bardem, me convencí de que este iba a ser otro “año en blanco” en lo que a Allen se refiere. Sin embargo, cuando la película terminó, exclamé que aquella fue la noche de la reconciliación con Penélope. Me reí muchísimo con sus escenas latinas con Bardem, “¡¡te lo dije!!!, ¡¡te lo dije!! ¡¡que te lo metas en tu cabecita!!!”, están realmente geniales, y creo que es mérito suyo y no tanto de Allen, puesto que en lo que se refiere a interpretaciones espontáneas latinas, no creo que este anciano neoyorquino tenga mucho que explicarles. Creo que hay mucha química entre los dos y que sus escenas son muy graciosas.

En cuanto a Scarlett, decir que cada día está más estupenda (a ver qué tal le sienta el matrimonio), y que Allen es el que mejor la fotografía de todos los directores. Exhibe curvas, sombritas en el rostro, labios de infarto y actitud de vividora: Un regalo para el deseo, una inspiración fotográfica única, y un obsequio divino que ya tenemos en el bolsillo para cuando le dé por hacer películas para el Oscar y no la veamos nunca más así. Sumamos escenitas a las que ya guardábamos tras ver “Match Point”. El guión me parece muy en la línea de lo que vienen siendo las últimas películas de Allen: Construidas como una sucesión de escenas sencillas, no hay sorpresas en el argumento ni giros deslumbrantes, ni devenires azarosos. Simplemente, Allen desmenuza los distintos y posibles recodos que unen los tramos de tubitos y con ellos, uniéndolos, da forma a una instalación de fontanería que deambula de aquí a allá disfrutando con sus personajes y con sus pequeñas nimiedades.

Se acabó el Allen analítico que, con bisturí, abría los corazones, o el alma, de los personajes (“Interiores”, “Otra mujer”, “Hannah y sus hermanas”); se acabó el Allen de la comedia loca (“Sueños de un seductor”), etc. Ahora es un Allen de pequeñas historias fáciles de predecir en donde no tenemos claro qué es lo importante, pero sí que es una historia que nos gusta ver. La dirección se vuelve poco a poco más transparente en la carrera de Allen, o será que es que yo la aparto para encontrar una y otra vez a Scarlett.


Interesante, ¿verdad?.
Gracias Richard!

martes, 30 de septiembre de 2008

CRÍTICA: Vicky Cristina Barcelona

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Siempre es un gustazo escribir sobre la última película de Woody Allen. Pero también es verdad que unas veces se hace con más ganas que otras, y en este momento mi recuerdo de la película es agridulce (menos mal que el Tapestry de King me está inspirando mientras escribo), así que espero no ser muy duro.

Vicky Cristina Barcelona (o lo que viene a ser, como dos guiris, una rubia y otra morena, no, no me salgan con lo de Sonia y Selena, pretenden infiltrarse en el ambiente bohemio de la sempiterna Barcelona y tener la experiencia de sus vidas) es un film irregular, con pocas grandes interpretaciones y demasiado turístico como para tomárselo en serio. Vicky (sorprendente Rebecca Hall) es una chica sensible y asentada en la vida, va a casarse y no tiene la necesidad de nuevas experiencias ni de coquetear con la sexualidad, todo lo contrario de la artista Cristina (insulsa Scarlett Johansson), que viaja hasta la ciudad condal huyendo de la mediocridad en la que el sueño americano la ha sumido. Conocerán a partir de unos familiares (Patricia Clarkson) a Juan Antonio (Javier Bardem, solvente) y su ex María Elena (explosiva Penélope Cruz) y a partir de ahí empezará el círculo vicioso que hará que Vicky se replantee sus conservadores valores morales y Cristina frene su alocada visión de la España festera.

Allen no evita caer en tópicos, por ejemplo, ¿qué necesidad hay de darle a los dos protagonistas principales españoles unos nombres compuestos (Juan Antonio y Maria Elena)? Esa imposible latinización estereotipada camina a la par con la composición de los personajes, que bailan sin sentido alguno haciendo que sus movimientos no vengan precedidos de una cierta coherencia. Tan sólo los personajes de Vicky y María Elena se salvan, pues están representados por unas actrices magníficas, quizá porque han aprendido que para lidiar con un personaje de Woody hay que ser extremo (Hall se lo toma demasiado en serio en su papel de adúltera y Cruz bromea con su asumido papel de femme latina fatale), y por eso ambas deslumbran. Para los que esperen ver un duelo interpretativo entre las dos divas del cine actual, Johansson y Cruz, que se vayan olvidando, pues Penélope se come a Scarlett y hace uno de los mejores papeles de su carrera. Lo que nos hace pensar... ¿es ya hora de que Allen vaya cambiando de diva? o bien, ¿es mejor que no busque más chicas "woody" con quienes hacer más de una película?. Los errores de casting se pagan, y no hay actriz que sea capaz de entonar cualquier personaje posible (amén de Streep).

A pesar de este manierismo que me despiertan los personajes, Barcelona sale preciosa, inflada de luz, vista desde lo alto, desde el inmensamente bello Montjuic hasta un corto paseo por el multicultural Barri Gotic; pero Barna se me antoja sin alma, Woody sigue amando a su neoyorkina ciudad más que nada en el mundo. Si en "Manhattan" la ciudad llegaba a ser un personaje más, aquí Barcelona se queda lejos, muy lejos del provecho que se le podría haber sacado. También aparecen Oviedo y otros lugares asturianos, reliquias que comparten corazón en Woody. Hasta allí viajan los personajes (en avioneta, ¿?), como excusa para mostrar parte del turismo rural que ofrecen estas tierras.

Las últimas incursiones en el cine de Allen vienen siendo decepcionantes, (no hablo de Match Point, que me parece la película más interesante de este director después de Manhattan y Annie Hall) y "Vicky Cristina...", salvo un par de apuntes, entra dentro del saco de "Scoop" y "Todo lo demás". ¿Qué apuntes son? La visión sobre el matrimonio, sus votos y sus debilidades es magnífica, no deja atrás su particular humor a la hora de tratar estos temas tan abruptos para otros cineastas; y, por otro lado, las interpretaciones de Hall y Cruz (de la segunda más que nada, pues sacar una interpretación tan solvente de ésta ya es bastante meritorio) logran salvar el cásting del tedio.

LO MEJOR

- Temiendo repetirme, Penélope Cruz. Pintando sobre un lienzo en el suelo, la cámara contrapicado, manchada de pintura, y con la falda arremangada crea una sensualidad y una descarga sexual pocas veces vista en la filmografía de Allen.
- El matrimonio visto como una cadena de promesas rotas.
- Todos los planos en los que sale Barcelona.
- El texto de la voz en off, y que no se abusa de ella.
- Queremos saber más de María Elena.
- Javier Bardem y Penélope Cruz hablando entre ellos y Scarlett no enterándose de nada (Lost in translation?)

LO PEOR

- Javier Bardem empieza muy alto y acaba, quizá por culpa del guión y la dirección, haciendo de mera marioneta. Sus diálogos pasan de estar cargados de doble sentido a ser cargantes.
- Que Allen se empeñe en hacer de Barcelona una ciudad de artistas bohemios. Puede que lo sea, pero también es muchas más cosas.
- El personaje de Scarlett Johansson, a ratos sensual, a ratos soso, y siempre aburrido.
- Como antes, la película nos deja queriendo saber más de María Elena (arma de doble filo).
- La música de guitarra, repetitiva. Preciosa durante los primeros minutos, pesada cuando no la abandona en todo el metraje.

NOTA: 7

jueves, 18 de septiembre de 2008

LOS CINES VERDI PRACTICAN EL FRANCÉS

CRÍTICA: “Dejad de quererme” y “Hace mucho que te quiero”.

Llevo unas semanas que me dejo pasar por estos genuinos cines madrileños en VOS (me encanta) para ver qué me puede aportar la cartelera. Estuve a nada de dejarme seducir por aquella copia que les llegó de “Cuadecuc-vampir”, del sorprendente Portabella, pero me acerqué tarde y la aniquilaron a la semana de su exhibición. Una pena. Pero una pena en parte, pues mis ojos se dirigieron, sedientos de cine que me los explotara, al resto de pósters de la entrada quizá para ir en otra ocasión. Así fue como descubrí estas dos pequeñas joyas del cine francés actual, que si bien son por supuesto películas no dependientes sí que se pueden comentar a la par, pues no son pocas las similitudes que exhiben la una para con la otra.

crítica dejad de quererme cines verdi cine francés jean becker dupontel confesiones con mi jardinero drama cáncerEmpecemos con la que se lleva la plata: “Dejad de quererme”. La idea de partida me atraía. Ver a un hombre de mediana edad destruyendo su vida se me antojaba interesante. Siempre he pensado que basta con un par de palabras mal sonantes a cada uno de tus seres más queridos, y, voilà, lo has perdido todo. Pero para el protagonista parece que ser que hace falta más que eso; tiene que explicar sus motivos una vez haya pasado el temporal.

(Spoiler) Antoine, que lo tiene todo en esta vida, muestra su cara desconocida de borde irreverente a todos sus amigos, incluso tontea con una supuesta infidelidad para acabar de convencer a su mujer de que es el idiota más integral que existe a miles de kilómetros a la redonda de París. Después de más o menos una hora de tensas situaciones inexplicables que giran alrededor de una misma pregunta (¿por qué se estará comportando de ese modo?) se desvela el misterio en la media hora final. Los más atinados podrían haber caído mucho antes, pero son tales las artimañas de Jean Becker (“Conversaciones con mi jardinero”, “La fortuna de vivir”), que no da tregua a buscar tan sólo en un motivo, pues los matices que abarca durante todo el metraje hacen pensar en una decena de causas, justificadas o no pero sí al menos suficientes, por las cuales Antoine se está comportando de tal modo. Aquí estriba el mayor acierto del film. Becker huye de todo convencionalismo gratuito que censure el libre pensamiento y nos abre las puertas al libre albedrío. Unos pensarán “pobre Antoine, hizo bien en no hacer sufrir a su familia contándoles la verdad sino hasta después de la tormenta” y otros acusarán, volvieron la cabeza a la butaca de al lado, “pues vaya personaje. Cariño, tú nunca me ocultarías algo así, ¿verdad?”.

crítica hace mucho que te quiero cines verdi cine francés kristin scott thomas elsa zylberstein phillipe claudel drama cárcelY ahora el oro. “Hace mucho que te quiero”, mejor planteada y más sobria que la anterior, habla de una mujer (suprema Scott Thomas en sus silencios) con un turbio pasado (no un turbio futuro como el de Antoine). En este caso la pregunta que recorre la cinta es “¿Qué cosa tan terrible hizo esta señora?”. Inicialmente no sabía nada de lo que me iba a encontrar, pero sí sentía algo especial ante el terrible póster de la película, con el rostro de Thomas inundado de tristeza. Una pregunta para la distribuidora o quien quiera encargado del diseño: ¿por qué esas marcas de póster en el propio póster?.

(Otra vez, spoiler) Advierte cierto regocijo en el peso abultado del pasado y su tono demasiado lento en ocasiones, si bien le podrían sobrar bien unos veinte minutos, no desmerecen la sensible puesta en escena y las potentes interpretaciones de las dos actrices principales, dos hermanas, que callan y otorgan la partida al pasado. Si ya hemos comentado que Thomas ofrece secuencias magistrales, Elsa Zylberstein tampoco se queda atrás, emerge con nota como genio en la sombra. Aquí también hay final sorpresa, pero menos acusado que en el anterior, quizá porque el director, notable Philippe Claudel en su ópera prima, no quiere marear mucho la perdiz y focaliza el estallido dramático en los últimos diez minutos, caldeando previamente el ambiente para que el espectador ya sospeche a la media hora lo que puede estar pasando, preparando al corazón para llevarlo hasta la extenuación. Sin ñoñerías ni estupideces de telenovela, algo tan horrible como el asesinato de un hijo que está sufriendo a manos de su propia madre (o, para otros, el que una madre tenga que matar a su hijo para que no sufra) asoma lenta e impunemente a nuestros ojos, como un acto terrible realidad del estado de alteración de ánimos que supone la difícil tarea de seguir existiendo. Al fin y al cabo, como dice la protagonista en el plano final mientras unos poderosos y revitalizantes rayos de luz asoman por la ventana, ella sigue viviendo (su hijo no), así que a vivir se ha dicho.

Existen en ambas películas un aroma de doble moral muy al gusto del cine naturalista actual. Se agradece que se haga este tipo de cine, que no llega a la crudeza de cintas como “La Soledad” de Jaime Rosales que, fuera de sus múltiples valores formales y de contenido, arremete contra el sentido único y final que tiene el cine como vía de escape de las pulsiones a las que la cruda realidad nos lleva cada día, pero sí al menos nos hace recapacitar y mantenernos alerta de lo que nos pueda pasar. Estas dos historias no están tan lejos de nuestro alcance como pueda parecer pues todos nacemos con un destino marcado y lo que precisamente nos hace vivir, nos mantiene despiertos, es no saberlo.


De ambas películas:

LO MEJOR

- Los actores, todos y cada uno de ellos.
- La moralidad sin coartadas, al descubierto. Que no nos impongan ningún criterio es algo más que elogiable.
- La intensidad de la última media hora.
- En la primera: la escena de la cena, y abajo en la bodega. Estuve a punto de aplaudir ante el guantazo que se lleva la aburrida de turno.
- En la segunda: el reencuentro con la madre en el geriátrico. Emocionante. Un sentimiento único y especial.

LO PEOR

- Cierta dilatación en el metraje.
- Algún pasaje noño para el olvido, vamos, pecata minuta.
- El peso moral de Claudel exige más comprensión por parte del espectador, y por tanto, arriesga más.


NOTA:

DEJAD DE QUERERME – 8,5

HACE MUCHO QUE TE QUIERO – 9

domingo, 24 de agosto de 2008

CRÍTICA: WALL·E

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Sí, el robot ese tan mono que ahora mismo sale promocionando su propia película y de paso, todo sea por el tirón comercial, los recién clausurados juegos olímpicos, se ha llevado de calle a todos los críticos. Y no es para menos. La primera película de Andrew Stanton sin el cobijo de las alargadas sombras de otros partners de la Pixar como el aclamado Lasseter (el que nos propuso una tierna historia de juguetes) ha sido definida como cine del futuro sobre el futuro. No faltan razones obvias para ello: la película carga de imaginería visual de inagotable inventiva cada minuto de metraje, en cada píxel arrebatado de pinceladas de pasión visionario del camino que ha empezado a encauzar la animación del futuro, para hablarnos de un horizonte que si bien aún se imagina lejano para la humanidad nos alerta de su posible veracidad si no empezamos a hacernos cargo de nuestros propios escombros.

Wall·E (la abreviatura de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class), un pequeño robot diseñado, se supone que como muchos otros, para limpiar el planeta de basura (corre el año 2700), mantiene una vida acorde a su algorítmica programación por objetivos, es decir, atestada de rutina, hasta la llegada de EVE, una forma revolucionaria de robot con una misión muy especial, que roba su corazón de hoja de lata. Comenzará así una maravillosa y arriesgada aventura por conseguir que los humanos puedan regresar a la Tierra después de haber encontrado algún rastro de vida natural, aquel que se perdiera entre la porquería de nuestra descuidad pulcritud.

Apenas sin palabras, este largo de animación inunda la pantalla de sentimientos. El diseño de los robots está tan cuidado que un simple cambio de gesto en alguna de sus facciones desencadena un atisbo de humanidad y logra que el espectador se olvide por momentos de su calidad de máquinas y se deje llevar por la emoción. Los primeros cuarenta minutos de la cinta son una obra maestra absoluta, dónde los sonidos, los silencios, la increíble realidad de los dibujos (depurada técnica de animación) nos sumergen en un mundo onírico e hiperrealista. En este tiempo el espectador ve como vive Wall·E, entiende la mecánica de su trabajo y para qué ha sido diseñado, estudia sus movimientos y reacciones ante los escombros que va encontrando y se hace partícipe de la nostalgia que Wall·E siente, y para la cual por tanto ha sido programado, hacia el pasado de la humanidad (esos videos vintage dan fe de ello).

El resto de la película, aún siendo también encomiable no llega a la altura de estos primeros minutos antológicos. Quizá llegue aquí la pega: la Pixar aún sigue descuidando el diseño de los humanos en sus películas. Recordemos por ejemplo “Toy Story” o “Buscando a Nemo”, donde los protagonistas, un juguete y un pez, parecían más humanos que los propios homónimos. Y aquí viene para un servidor el mayor error de todos: el personaje que interpreta Fred Willard aparece en carne y hueso, y eso rompe con toda estética, se lleva la magia de cuajo. Pero claro, antes todo lo demás, esto queda en una minucia sin importancia. ¿Qué importa una mosca en una sopa si los fideos son de oro? Mientras los fideos se puedan comer…

Estamos ante una película que marca un antes y un después en la historia de la ciencia ficción en el cine, como ya hiciera en su momento “2001: Una odisea en el espacio” y, créanme, no es casualidad que esto se haya llevado a cabo desde el campo de la animación.


LO MEJOR
- Esos minutos gloriosos en los que Wall·E observa y persigue a EVE preso de su curiosidad, al ritmo de “La Vie en Rose” de Piaf.
- Todos, da igual la edad que se tenga, van a disfrutar
- La técnica de animación. ¿Quién dijo que la animación digital nunca llegaría a la magia de los primeros trabajos manuales de Disney?
- Su arriesgada radicalidad al limitar el número de palabras en el guión funciona perfectamente.
- El mensaje que desprende, precioso para las próximas generaciones.


LO PEOR
- Quizá el director y el actor Fred Willard se debían algún tipo de favor, de otro modo no se podría explicar esta “aparición estelar”, por mucho que Willard haya pasado a ser el primer personaje de carne y hueso en aparecer en una película de Pixar y sin desmerecer su actuación.
- El diseño de los humanos, demasiado infantil.


NOTA: 9.5 / 10

viernes, 15 de agosto de 2008

CRITICA: El rumor de la arena

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Mucho se ha hablado ya sobre el problema del pueblo saharaui que, desde hace unos 25 años, viene sufriendo una situación de injusticia y abandono. Esta antigua zona del Sahara Occidental perteneció a España desde finales del siglo XIX hasta el año 1976. En 1975 el gobierno español iba a realizar un referendum para que el pueblo saharaui decidiera su futuro libremente. Marruecos y Mauritania ansiaban la anexión del pueblo, así que aprovecharon la débil situación del gobierno español (ya saben, el fin del franquismo estaba cerca) para impedir que el pueblo saharaui cumpliera con su derecho a la autodeterminación.

Del sentimiento de inestabilidad y vacío que dejó el gobierno español en los primeros años así como de la incertidumbre de cara al futuro de unas gentes que aún se siguen sintiendo de ninguna parte (menos de sus campos de refugiados dónde conviven ahora) nos habla este necesario documental, ópera prima de Jesús Prieto y Daniel Iriarte, que se lanzaron al desierto para poder recordarnos este triste capítulo de la historia española.

El documental localiza su núcleo en Tindouf, campo de refugiados de Awserd, donde Fatma lleva 30 años sin ver a su hermano. Fueron ambos separados tras la invasión marroquí en parte del Sahara Occidental, y ahora, gracias a la mediación de las Naciones Unidas, se van a volver a reencontrar después de todo ese tiempo, al menos durante unos días. De primera mano, los parientes y el resto de familia del campo explican a la cámara sus rencores, sus miedos interiores, la rabia acumulada, mostrando a la par su día a día en ese rincón olvidado del desierto.

Acusando determinados problemas de sonido y algún que otro altibajo narrativo, la cinta nos sumerge en la historia de estos hijos de las nubes, como es conocido el pueblo saharaui, intercalando la historia de Fatma y su hermano con otras del pasado, documentando cada imagen, buscando una justificación a la situación. Una de esas visiones del pasado merece mención especial por el tratamiento que el documental le confiere. Me estoy refiriendo a los minutos que se dedican a hablar de los activistas de derechos humanos en el Sahara que sufren la persecución de las autoridades marroquíes. Henchido de hiperrealismo, con una crudeza admirable y un tipo de estructura próxima al lenguaje periodístico, la cámara se acerca a estos activistas, los filma, graba sus declaraciones para más tarde mostrarnos esas mismas caras, ya familiares después de media hora, en titulares de periódicos, quizá para demostrarnos que es cierto todo aquello sobre lo que se está hablando. La realidad traspasa la pantalla.

LO MEJOR
- Lo bien aprovechado que está el presupuesto (menos de 4000 euros).
- Aquellos momentos que huyen del sentimentalismo.
- Si bien es verdad que el tema viene siendo un habitual, quizá por que dura ya demasiado tiempo, este documento permite saber un poco más de la situación y, es más, hace que la llama siga viva, que nadie olvide una situación cuya actualidad se ha visto desfigurada con el tiempo.
- Más de una veintena de imágenes preciosas: Fatma preparando el té, por ejemplo.
- La participación de personalidades españolas tales como del ex ministro Josep Piqué, demostrando que España tiene aún algo que decir, aunque sea bajo la máscara de la demagogia y la vergüenza política.

LO PEOR
- El sonido de la cinta parece la parte técnica más descuidada.
- Le sobran un par de minutos, sobre todo al principio, donde la cinta parece más una clase magistral de historia que un documental.

CONCLUSIÓN
“El rumor de la arena” es una de las sorpresas nacionales del año, un documental con no sólo cabeza, sino también con corazón, que nada tiene que envidiar a documentales tan plausibles como “Hijos de las nubes” de Niko Roa o “Un grito desde el Sahara”.

domingo, 3 de agosto de 2008

GRACIAS LEOPOLDO

Hace casi un año, mi hermano Alfonso, Leopoldo y yo fuimos a los cines Golem a ver esta estupenda película, en una noche fantástica, para el recuerdo, seguida de una cena en cierto japonés de la hortaleza de Chueca, donde pude conocer a una persona encantadora, un alma sensible y curiosa como pocas, que llenó de alegría el corazón de mi hermano, gran fan y amigo suyo; una persona que ya no está con nosotros. Leopoldo Alas, conocido escritor y poeta, falleció el pasado viernes 1 de Agosto a causa de una neumonía. Y ahora transcribo en palabras de mi hermano la crítica de la película que vimos juntos los tres aquella noche de noviembre. En memoria de Leopoldo. Estarás siempre con nosotros.


RED ROAD
Por Alfonso Pujol

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Nota de prensa. «RED ROAD» es la primera película producida en el marco de “Advance Party”, un concepto en el que tres realizadores escriben un guión cada uno basado en el mismo grupo de personajes.Las películas transcurren en Escocia, pero aparte de esto, los cineastas pueden decidir en qué punto geográfico viven los personajes, cuál es su puesto en la sociedad y de dónde proceden. Se puede desarrollar su pasado, incluso crear relaciones de parentesco entre ellos, pueden tener buenas o malas costumbres, y también es posible añadir personajes secundarios.Los personajes principales deben aparecer en las tres películas. Los mismos actores interpretarán los mismos papeles en cada una de las películas.Lone Scherfig y Anders Thomas JensenNormalmente escribo acerca de personas y lugares que conozco. El reto del proyecto “Advance Party” era usar los personajes y respetar las restricciones que me impusieron desde un principio, pero sin dejar de buscar cosas que tuvieran una resonancia para mí y que me permitiera construir una historia que fuese mía.Andrea Arnold

ARGUMENTO
Jackie (Kate Dickie) trabaja en el ayuntamiento de Glasgow observando las imágenes de las cámaras de vigilancia ubicadas por la ciudad. Cada día observa una pequeña zona del mundo a través de los monitores, protegiendo las vidas de unas cuantas personas. Un día aparece en la pantalla un hombre al que no pensaba volver a ver nunca. Un hombre al que no quería volver a ver nunca. Ya no le queda más remedio que enfrentarse a él.

LO MEJOR DE LA PELÍCULA
-La actriz protagonista, Kate Dickie- El suspense desesperante que impera durante gran parte del film.- El retrato urbano que hace la directora.

LO PEOR DE LA PELÍCULA
-Desenlace fallido.- Alguna falta de ritmo.- La escena de la pelea en el bar (innecesaria).

ESCENAS RESALTABLES
-La protagonista cara a cara con su enemigo-presa.- El re-encuentro vía cámara de vigilancia.

CONCLUSIÓN
-La oscarizada Andrea Arnold nos mete de lleno en el mundo urbano de Glasgow con una historia atípica y llena de suspense. El film va creando en el espectador un interés in crescendo durante toda su duración a base de silencios e imágenes propias del mejor de los voyeurs. El implacable mundo urbano del extrarradio sirve de fondo para una historia dura, que sin tapujos y sin ningún complejo, nos va mostrando la directora de un modo desesperante y asfixiante. La sensación de duda llena por completo al espectador durante toda la duración de la cinta haciéndole pasar un entretenido rato sin duda alguna. Quizás en algunas partes el film peca de lentitud, de una falta de ritmo que resta dramatización al conjunto. Este apunte y el hecho de que el desenlace deja bastante que desear por precipitado e inverosímil, son las dos únicas pegas que un servidor echa en cara a Andrea Arnold.Por lo demás, la película ofrece momentos muy conseguidos de una crudeza hiperrealista inusual en el cine actual, y solo por ello merece la pena su visionado.

viernes, 1 de agosto de 2008

31 FESTIVAL DE CINE DE ELCHE

La semana pasada tuvo lugar la 31 edición del festival de cine en cortometraje de Elche. Siguiendo con la buena tradición de homenajear a grandes figuras del panorama cinematográfico español, este año le tocó el turno a la grande Julieta Serrano. Estuvimos en la rueda de prensa y también en la gala final donde cada uno tuvo su merecido premio (llamados "dama") y se proyectaron los dos cortos ganadores en las principales categorías.


festival cine elche homenaje julieta serrano crónica premios Para más información y un espléndido reportaje fotográfico os aconsejo que os paséis por la siguiente dirección:

http://www.actualcine.com/weboscar/festivales/elche/elche.html

donde colgamos todas las fotos y crónicas, para la web de nuestro amigo Oscar Alemany, http://www.actualcine.com/

jueves, 24 de julio de 2008

CRÍTICA: Wonderful Town

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El mayor problema de la tailandesa “Wonderful Town” no es su lento desarrollo, que si bien puede crear muchos detractores también se agradece en ciertas ocasiones, sino su previsible incapacidad comercial, y no es que la película lo merezca; ciertamente pocos espectadores están preparados para este tipo de películas.

Estamos hablando de cine austero, calmado, sin apenas diálogos, inflado de sensaciones ocultas, es más, impregnado de glándulas sudoríparas. Sí, estas glándulas despiden aromas primitivos muy complicados de captar, y realmente hay que tener las ganas suficientes para encerrarte y dejar que te salpiquen. Si uno está predispuesto a impregnarse de ellos, esta película puede llegar a calarte hondo, pero si no… pues saldrás del cine engrosando la arquetípica lista de películas orientales incomprensibles e incomprendidas para y en el mundo occidental.

El debutante Aditya Assarat dirige y escribe este primer trabajo con gran maestría y sentido del minimalismo: un simple gesto desemboca en el más maravilloso estallido de placer. Juega muy bien sus cartas y además sale airoso a la hora de tratar la historia de un amor y la vida en Bangkok después del famoso tsunami de hace tres años. Como otros tantos temas que se ven reflejados en la pantalla grande, éste también puede llegar a herir la sensibilidad de aquellos que lo vivieron más de cerca y es por eso que “Wonderful Town” será más comprendida, y lógicamente más criticada tanto para bien como para mal, en Oriente que aquí.

Los actores, desconocidos y tal vez por eso increíblemente realistas (parece que un servidor está “leyendo” un libro de Baroja, o viendo algún pasaje de cualquier película neorrealista italiana), hacen un buen papel: no exageran, se detienen a pensar, sus actos presentan motivos adecuados y se mueven guiados por un guión algunas veces inteligente y en su mayoría caprichoso.

En fin, como toda obra de arte, la esencia está ahí y es tarea del que degusta encontrarle el sabor. Te guste o no seguro que al acabar de ver la película estarás deseando que Assarat vuelva a dirigir.

LO MEJOR DE LA PELÍCULA:

- Un guión calculado y medido, trabajado.
- La espléndida fotografía.
- La naturalidad de los actores.
- La escena de descanso en la playa, realmente hermosa en todos los aspectos.

LO PEOR DE LA PELÍCULA:

- Cierta falta de ritmo en algún momento.
- La historia de amor puede resultar fría (que no te quieran como tú quieres no quiere decir que no te quieran, ya se sabe).
- Si te gusta, se hace demasiado corta, te deja a medio camino.
- Algún pasaje que pretende ser cómico.

NOTA: 6.5

miércoles, 25 de junio de 2008

CRÍTICA: Caos Calmo

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Como dijo Mahatma Gandhi, “Ante las injusticias y adversidades de la vida... ¡calma!”.

Nanni Moretti toma la célebre frase y la anota en su libro de cabecera. Ante las adversidades a las que su personaje se tiene que enfrentar durante el desarrollo de la trama, él decide sentarse en un banco y tomarse las cosas con calma. Que tu mujer muere inexplicablemente, quizá llevada a un doloroso suicidio; tus relaciones con la empresa donde trabajas no están pasando por el mejor momento; tu cuñada te tira los trastos, y tu hija (Blu Yoshimi, gran promesa del cine italiano) parece haber echado coraza a su propia burbuja tras la muerte de su madre… pues nada, ante todo este caos, calma.


La película se desarrolla en su mayor parte en un parque enfrente del colegio de la hija de Pietro (Moretti), que acaba de perder a su mujer, si bien no la amaba sí le servía para poder desatenderse de su hija; allí, en ese parque de los lamentos, una dulce muchacha pasea todos los días a su perro, un niño con síndrome de Dawn espera siempre que pasa a que Pietro le regale el sonido de la alarma de su coche, para luego contestar al coche diciéndole hola, además un humilde tendero empieza a aprender a cocinar tras algunas afrancesadas amonestaciones de Pietro, y de vez en cuando, la cuñada de éste se deja caer, bien para recordarle su pasado romance, bien para hablar de su difunta hermana.


El talento de Moretti se despliega, como ya hizo en otras aventuras lacrimógenas como “La habitación del hijo”, pero en esta ocasión mucho más comedido, más pausado, vamos, que, pocas veces se mira el ombligo. Y es por eso que el tono distante de la película se agradece, se olvida de parafernalias varias que podrían haber ensuciado el conjunto, además de caso omiso al histriónico carácter italiano (como, a mi parecer, ocurre con la mayoría de films de esta nacionalidad).


Aunque a muchos les pese, nos quedamos con ganas de continuar viendo la vida de Pietro. No sé si eso juega a favor o en contra de la película. Por mi parte se agradece, algunos minutos más hubieran sido contraproducentes.



LO MEJOR DE LA PELÍCULA

- Nanni Moretti, sin duda. Es impresionante lo que expresa con cada silencio y cada mirada furtiva.

- Blu Yoshimi, y su inocencia.

- El ejemplar in crescendo del tono.


LO PEOR DE LA PELÍCULA

- La aparición “guest star” de Roman Polanski.

- No tiene apenas Banda Sonora Original.

- La innecesaria escena de sexo.

- Apenas se nota la dirección de A. Luigi Grimaldi, Moretti lo eclipsa, como un Welles a un Reed.

NOTA: 6.5

viernes, 20 de junio de 2008

CRÍTICA: El Incidente

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He de reconocer que no fui al cine muy alentado; había leído algunas críticas y, aunque normalmente no me dejo llevar por ellas (aún sigo pensando que el cine nos da mil miradas y cada cual toma la que quiere), sí que es cierto que el listón de M. Night ya se había quedado muy bajo para mí con “La joven del agua”. Así que “El incidente” me daba ciertas reticencias. Si a esto le sumamos que la visioné en los Conde Duque de Santa Engracia (donde las películas no se pasan en VOS, y yo que estoy ya tan acostumbrado a los Doré, Ideal y Renoir), pues peor que peor.

Personajes planos, frases innecesarias (“Nosequien se ha caído”, “Mira un coche”…), y ooooohhhh (Spoiler!) sin una final sorprendente, que es a lo que este director nos tiene acostumbrados. Eso sí, tiene tres o cuatro escenas insoportables, quiero decir, difíciles de ver, duras y atrevidas, que ponen los pelos de punta, pero no por cuatro escenas esta película justifica su existencia. Da mucha rabia cuando se parte de un buen material, la idea es original, fresca, y aterradora, lo tiene todo para construir una muy buena película de terror, y se estropea. El desarrollo se desinfla, cae en tópicos, y se llena de delirios de grandeza. Es más, M. Night se olvida del guión. Ha intentado hacer algo parecido a “La invasión de los ladrones de cuerpos” y no ha llegado a tal estado de clasicismo.

¿Y qué dejo para los protagonistas? Más bien poca cosa; Mark Walhberg aprueba pero su compañera, Zooey Deschanel, suspende, una actriz incapaz de entonar bien una frase (sí, ya sé que la ví en versión española, pero tampoco creo que en versión original aportase algo más que una cara bonita de constante parálisis).

Lo dicho, otra vez me han vuelto a engañar. No creo que vuelva a picar. Por lo dicho antes a mí no me gusta leer críticas de antemano o al menos no hago mucho caso, pero en ciertos momentos, y más ahora que la economía no está como para tirar cohetes, más vale hacer caso de la mayoría. Y es que cuando el río suena agua lleva…



LO MEJOR


- Las muertes. Impactantes. Shyamlan vuelve a usar la cámara prodigiosamente, encuadrando cada plano como si midiese el estupor en cada pulgada que muestra por pantalla.
- En concreto el último de ellos. (Spoiler!): una anciana poseída por el virus destrozando su casa a cabezazos.
- Ciertos toques de humor.



LO PEOR

- Que no hay guión como tal.
- El Happy End antes de…
- … el epílogo final en París. Se veía venir.


NOTA: 3

sábado, 7 de junio de 2008

CRITICA: Antes que el Diablo sepa que has muerto

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Lumet no vuelve a arriesgar pero sí que retoma su gusto por la doble moral, esa que ya fascinó en “Network, un mundo implacable”. En este caso, el peso no recae sobre una Dunaway sedienta de éxito y poder sino sobre una familia bien asentada de Westchester (Nueva York). No, no voy a desvelar cuál es esta doble moral de la que hablo pero sí voy a lanzar una pregunta que, si bien puede ser tramposa, tampoco desvelará nada de la trama, y ésta es: ¿hasta qué punto estarías dispuesto a perdonar?.

Repasemos la filmografía más destacada del autor:

1957 – Doce hombres sin piedad
1964 – El prestamista
1973 – Serpico
1974 – Asesinato en el Orient Express. Oscar (actriz secundaria -Ingrid Bergman-) y 6 nominaciones (guión adaptado, actor principal -Finney-, actriz secundaria, fotografía, vestuario, música drama).
1975 – Tarde de Perros. 1 Oscar: mejor guión original
1976 – Network, un mundo implacable. 4 Oscar mejor actor (Peter Finch), actriz (Faye Dunaway), actriz secundaria (Beatrice Straight), guión original

Como pueden ver sus mejores obras versan de antes de los años 80, más tarde decayó, empezando por la, según dicen, inverosímil “El mago” (la idea de juntar a Diana Ross y Michael Jackson digamos que no fue muy afortunada). Menos mal que ha vuelto y de qué manera.

Esta vez, en “Antes que el diablo sepa que has muerto” (si quieren saber el por qué del título habrán de visionar la película), hace un espléndido retrato de familia, salpicado de sangre, venganza y en cierto modo pasión, pues amor exactamente no es lo que se muestra, es la capa que se pueda ver por encima. Los personajes, ricos en su definición, abarcan todos los registros posibles que el guión les concibe: Ethan Hawke, el hermano menor mimado en su niñez e incapaz de sostener su vida, separado y con una hija que alimentar; P. S. Hoffman, un rico hombre de negocios, adicto a la heroína y casado con Marisa Tomei, lo más parecido a una mujer florero, que se exhibe ante los dos hermanos buscando cariño; Albert Finney, el padre de los dos descarriados, amargado por la vida y tocado por el daño colateral de la muerte. Todos ellos bordan sus personajes, todos actúan increíblemente bien, con el tono acertado, desde la sobriedad y sabiendo cual debe ser su posición en cada momento.

La vida se hace difícil cuando el dinero se entromete, rabia por dentro de las venas y mueve las almas a que hagan cosas inciertas, macabras, y para colmo, cosas que arremetan contra la sagrada institución de la familia. Como se dice en algún momento de la película: “El mundo es un lugar malvado. Algunos hacen dinero con ello y el resto son aniquilados”.


LO MEJOR DE LA PELÍCULA
- La secuencia inicial del robo con la que arranca la película, raíz de todos los males, de prodigioso montaje.
- Todas las apariciones de Tomei, robando los planos, incluso al mismísimo Hoffman.
- El final, digno de estudios posteriores. ¿Hasta dónde puede llegar alguien para sanar su dolor? Impresionante. Un final que no te dejará indiferente…¿recuerdan el final de la insoportable “La extraña que hay en ti”. Pues más de lo mismo, pero con estilo y con sentido.
- P. Seymour Hoffman, sin cesuras, campando a sus anchas. Seguro que Lumet le dio carta blanca.


LO PEOR DE LA PELÍCULA
- La banda sonora es bastante buena, pero se nota repetitiva y a veces cansina. A veces sentí estar escuchando la banda sonora de “Crash” (la sobrevalorada película de Haggis).
- Que los puritanos saldrán escandalizados del cine. Señores, abran los ojos, la realidad del ser humano a veces puede llegar a ser muy retorcida.

NOTA: 9

domingo, 25 de mayo de 2008

ÚLTIMAS CRÓNICAS

Hay tanto que contar… digamos que en este último mes la cosa ha ido descendiendo en cuanto a riesgo se refiere, pero no por eso se ha ido disfrutando menos. El riesgo hay que saber por donde cogerlo y no es un toro fácil de lidiar.

En primer lugar, los cines Verdi, que siempre han cuidado su programación buscando arriesgar, innovar, lanzarse al vacío, nos dejaron ver, en un primer pase de preestreno, “La Antena”, ópera prima de Esteban Sapir. El director intenta salvar esta película, con cierto sabor a cortometraje donde el subrayado acaba en desinterés y la espectacularidad abruma insoportablemente. Aún así, aciertos parciales, pero tan sólo visuales, hacen de esta película un imprescindible, aunque tan sólo sea por su irresistible atrevimiento. Hoy en día hay que tener más que un par para arriesgar en una industria que sufre de falta de originalidad y este largo no se queda atrás.

Unos días más tarde llegó otra oportunidad. Uno pudo volver a dar un voto de fe a la originalidad. Gracias a un periódico nacional, y a una simple llamada, conseguimos pases para el preestreno, en los cines Palafox, de la gamberra “La Crisis Carnívora”, de Pedro Rivero. Contamos con la presencia de Alex Angulo, pues Kike San Francisco se perdería en algún bareto de Chamberí, dejando colgado a sus admiradores, pero en fín, esto no hizo más que dar sentido al mal gusto de la película, cuyo único mérito es ser la primera película hecha íntegramente en Flash. A lo largo de todo el metraje lo de “hijo de puta” se hizo cansino, trillado y resultó hasta indignante pues el film empezó con casi una hora de retraso. Demasiado bombo comercial (camisetas, himnos generacionales y algunos subproductos más) para tan poca cosa, sin guión serio, larga y vulgar. Habrá que esperar, pues aún confío en el cine español. Sí, arriesgada pero no por eso bien llevada.

Esperé pues, y encontré. Ya en Elche, disfruté de “Casual Day”, del mundo empresarial tan fiel que nos ofrece, de la sabiduría de otro principiante que, en este caso, sí que se lo toma en serio y consigue ser uno de los pocos afortunados que hace que el cine español merezca la pena. Con el tono cínico de “El método” (El método Gronhölm), volvemos a tener el jefe asqueroso de turno, el pardillo que acaba de empezar en la empresa hiperenchufado, la niñita pija agresiva y el desquiciado trabajador consciente de su penosa vida laboral, todo muy tópico, de mínimo riesgo, no lo niego, pero en este caso, divertido, ameno y muy bien interpretado. Juan Diego vuelve a demostrar su versatilidad y su gran capacidad de síntesis para componer una de las interpretaciones del año.

Esta tarde ya tengo entrada para ver lo último de Indy, veremos que tal, no he visto ninguna de las anteriores (tan sólo vagos recuerdos de zapping y los momentos finales del templo maldito) y haciendo caso a la crítica mejor que no sea así. De momento no he leído casi nada de esta nueva entrega, por lo que de “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal”, no espero nada, al menos nada nuevo, supongo que un par de risas, excelentes efectos especiales y un guión bien trabajado, que para eso hay pasta y estamos hablando de Spielberg. ¿Ya ven como ha ido disminuyendo el riesgo?.

lunes, 12 de mayo de 2008

Enlaces interesantes de CINE!

http://www.cinesrenoir.com/ – Cada cuanto surgen nuevas promociones, sorteos, eventos para disfrutar del cine en la capital española… para dentro de dos semanas está el estreno de “Caos Calmo” (será la primera película que veo de Moretti, a ver qué tal, será tan recargada como siempre dice la crítica de este director?).

http://www.actualcine.com/ – Dónde comencé haciendo críticas y aún de vez en cuando me dejo ver jejeje. Un abrazo para Oscar. Es un sitio web genial de críticas de cine, con secciones para todos los gustos, donde puedes consultar los próximos estrenos en salas y en dvd. Pásate por la sección cinéfilo-científica de Juanma Sepulcre o por el rincón de Alfonso Pujol, también por las noticias de Nati etc…

www.filmaffinity.com/es - Una megacomunidad virtual donde compartir con tus amigos las votaciones de las películas que llevas ya vistas. Tiene un “Autotour” que te permite ir votando películas aún cuando ni recordabas su nombre. Otras secciones: Almas gemelas, listas, histórico de oscar y globos de oro, y lo más importante es que para cada película (con una inmensa base de datos siempre actualizándose) hay una completa descripción de su ficha técnica, su sinopsis y además, una vez hayas entrado con tu password y tu nick, podrás ver en cada ficha de cada película la votación que tus amigos le han dado.

madrid.lanetro.com/avantgo/index.cfm - Este es el enlace más directo para quienes busquen rápidamente la cartelera completa de los cines de Madrid, por sala, por películas, y por estrenos de la semana.

www.laenanamarron.org/ - ¿La sala más pequeña y frikie de Madrid? Pues seguro… aunque nunca haya ido espero hacerlo pronto. De momento tiene una de las agendas más interesantes para aquellos que quieran escapar del cine convencional.

http://www.alacalle.com/ – La mejor opción para consultar la cartelera alicantina. Además ofrece información de otras actividades culturales y al aire libre, todo ello en Alicante.


A disfrutar!!

sábado, 19 de abril de 2008

CRÍTICA: 8 Citas

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Un reparto coral para el considerado ya antes de estrenarse “Love Actually” español, o si quieren un aversión alternativa que venga a llamarse “Madrid, te amo”, sirve a sus noveles directores para hilvanar secuencia tras secuencias estupendas interpretaciones y, sin embargo, no basta para no dejar al espectador con la sensación de haber visto esto ya antes.

En un total de 8 (como indica el título) citas tomadas a modo de sketches repasamos las etapas del amor, desde el inicio del sentimiento (primera cita, bordada por un Fernando Tejero que por primera vez parece querer salir del mismo personaje que siempre interpreta), cuando el amor tiene un grado tal que no es suficiente como para no dejar marchar a la persona que te gusta pero si sobra para hacerte dudar de lo que sientes, hasta el final del amor, cuando se forma un ciclo, cuando retomas los recuerdos con alguien a quien has querido e intentas que ese final nunca haya existido como tal (última cita, interpretada por una insuficiente Belén Rueda).

En las butacas de un Renoir completo, la complicidad con los espectadores abonados se veía patente en cada secuencia, demostrando el sutil tratamiento del guión. Frases cogidas con pinzas para hacer brotar la risotada pero aún así efectivas, con gracia, frescas, rápidas de modo que cualquier fallo en ellas, que haberlos los hay, quedan eclipsados por la naturalidad de los actores. Es increíble ver como aquellos actores amateur se comen a sus compañeros más curtidos en cada plano, demostrando que no hacen falta años de experiencia para poder interpretar un papel en la justa medida que se requiere.

“Cuándo la respuesta es el amor, ¿cuál es la pregunta?”. Así empieza la película. Pensemos pues la respuesta (y no me digan que es el amor!). ¿Qué nos quedará cuando seamos viejos? El amor. ¿Qué puede llegar a surgir después de una noche loca aun apenas sin conocer el nombre de la presa cazada? Posiblemente el amor. ¿Qué va a poder con la rutina? El amor. Y si hacemos algún intercambio de parejas, ¿qué nos va a diferenciar de ellas? Nuestro amor. Así se van planteando las respuestas en cada cita.

En resumen, un cinta para pasar un buen rato, falto de pretensiones, inteligente en cuanto a que hay de todo un poco para satisfacer a todo tipo de espectadores pero insuficiente en su conjunto a la hora de sintetizar la idea que nos quieren vender. Por otro lado, viniendo de directores noveles podría considerarse una obra más que digna, y más aún con frescura, que algo de ella sí que se echa en falta en el cine español.

LO MEJOR DE LA PELÍCULA.
-Verónica Echegui (Vane) (que, aunque su papel no dura más de 2 minutos, y salga haciendo más o menos de La Juani, vuelve a desbordar naturalidad por los cuatro costados), Raúl Arévalo (ya convenció en “El camino de los ingleses”, y vuelve a demostrar sus armas de robaplanos), Adriana Ozores (Spoiler: atentos a su frase final).
-Los tres primeros actos.
-La capacidad para conectar con el espectador desde el primer momento.
-Algunos despuntes de atrevimiento insinuado (Spoiler: esa pequeña orgía de besos hacia la mitad de la cinta).
-Spoiler: un genialidad, cuando el plano se cierra (funde en negro) al acercarse Belén López a Tejero para acabar así la primera cita.

LO PEOR DE LA PELÍCULA.
-Está inundada de topicazos.
-Al menos tres citas de las ocho están muy por debajo del nivel que alcanza el resto.
-Belén Rueda, no dota de sensibilidad a su papel, repite la misma mueca constantemente, no enfatiza las palabras adecuadas en cada frase, actúa escasos tres minutos y sale su nombre en el cartel como una de las principales. Quizá esperaba un poco más de su talento.
-La calidad del sonido.
-La evidente falta de pretensiones puede llevar a un conjunto carente de unidad y por tanto a un descuidado “horror vacui” en el guión haciendo que el todo sea mucho menos importante que las partes que lo conforman.
NOTA: 6.5

viernes, 18 de abril de 2008

Willkommen ! Bienvenue ! Welcome ! Im Cabaret, au Cabaret, to Cabaret

I got life, mother. I got life, sister. I got freedom brother. I got good times man”… Así empieza la primera apología de mi vida, la hasta entonces, con catorce años, única revelación de mi condición de libertad. Ante la pantalla Hair se me abrió como un mundo de espectáculo en el imaginario de mi subconsciente.

Y como ésta, muchas más cintas han abrumado mi “limpísima” mente. ¿Mi primera visión adulta del cine? No sabría qué contestar (casi nunca hago caso de mis propias preguntas)… ejem, sí hombre, El Planeta de los Simios, mi despertar sobre la ciencia, fue el primer visionado de mi vida como consciencia adulta en cuerpo de niño, en imagen beta, sentado en un sofá del que recuerdo el tacto aterciopelado, en la casa del tío Daniel, un sobrino de mi abuelo Rogelio. Imagen de mi persona más idéntica a ésta es imposible que haya quedado en mí. Gafas, habla acelerada, informatizado hasta las venas, psicofan de las imágenes hasta rabiar, pretendido cultureta fuera de las masas, así, como yo, era el personaje que me introdujo en la cultura cinematográfica.

Vinieron seguidas las tardes de videoclub, todo un acontecimiento que bien merecían kilos de palomitas. Palomitero en soledad o no, cuando los viernes engullíamos pelis de terror b-ísimas, lo cierto es que me estaba criando bajo esta mirada furtiva y lejana a mi realidad juvenil que el cine me proporcionaba.

Cuando la realidad empezó a ser más interesante que la ficción aparecieron las salas de cine, también en soledad o no, lo cierto es que alumbraban muy de cuando en cuando mi camino, me daban de comer y malacostumbraban, me hacían salivar como si de Paulov fuera un perro. A los quince años se marcan en mi memoria las sesiones ilicitanas en los Ana, el Capitolio y el Odeón, hoy en día los dos primeros olvidados por las masas.

En momentos tardíos, si bien la realidad volvió a ser demasiado interesante, busqué las raíces verdaderas de mi elixir de juventud en la cultura madrileña. Culpable por tanto la filmoteca, dónde pude volver a disfrutar de las fetichistas manos de Mitchum bipolarizando las pulsiones psicopáticas hacia la inocencia perdida de los infantes de la fábula…

Dedico este blog a mi hermano, Alfonso. Mis ojos han sido los suyos pues se han alimentado de las mismas imágenes.