CRÍTICA: Señales del futuro (por Oscar Alemany)

De parte de mi amigo Oscar, el cine nos vuelve a traer una de catástrofes. Hacía tiempo que los guionistas no castigaban un poquito a la Tierra inventándose su posible final y el héroe dispuesto a salvarla, en este caso, Nicolas Cage, una de sus supuestas bazas (a quien le guste claro, y, como yo, huya de todo prejuicio). Ahí va:


ARGUMENTO

Un profesor de astronomía viudo(Nicolas Cage) abre una cápsula del tiempo que ha estado enterrada durante años en el colegio de su hijo.
En ella encuentra predicciones escalofriantes, algunas de las cuales ya han sucedido mientras que otras aún no. Poco a poco, empieza a darse cuenta de que ése descubrimiento no es casual y que él y su familia juegan un papel fundamental en los importantes acontecimientos que están a punto de producirse....


LO MEJOR DE LA PELÍCULA

-Desde un principio engancha.La intriga se apodera poco a poco del espectador, hasta cubrirlo con el manto de la curiosidad.
-Tras la dirección se esconde un nombre, Alex Proyas, que siempre aporta algo nuevo en sus films de ciencia-ficción. Sinónimo de ver algo diferente.
-Unos muy buenos efectos especiales, que dotan un gran realismo en escenas realmente difíciles.
-Un buen Nicolas Cage, remontando el vuelo de sus últimos films.
-Una banda sonora que en todo momento acompaña a las imágenes y que no toma mayor protagonismo del que le toca.


LO PEOR DE LA PELÍCULA

-Estoy de acuerdo en que el final no es lo mejor. Demasiado fácil la resolución.
-Que los muy buenos efectos especiales no se prodiguen más.
-El no existir otro personaje lo suficientemente fuerte, aparte del de Nicolas Cage, hace que este caiga en la saturación.
-Como en casi todos los films de ahora, las historias secundarias que desembocan en la principal, adolecen de originalidad.


ESCENAS DESTACABLES

-La pizarra, y las claves de la numeración.
-La caída del avión. Impactante.
-El bosque de al lado de la casa.


CONCLUSIÓN

La verdad es que no iba demasiado convencido al cine a ver “Señales de futuro”, pero es que no había gran cosa que me apeteciera de la cartelera . Un sábado por la noche no es el día más idóneo para una película de las que te hagan sudar las neuronas,y a pesar que los últimos films de Nicolas Cage no hacía mucho por que pagará mi entrada, al final me decidí, y gracias que al menos no los di por perdidos.

Para disfrutar de “Señales de futuro” hay que ir con la mente abierta y saber que se trata de un film de ciencia ficción catastrofista, donde casi todo vale.

El film que trata uno de los mayores anhelos de la humanidad, predecir el futuro, transcurre de un modo bastante ligero y ameno para el espectador, a quien el director va dando las dosis necesarias de suspensepara adentrarlo en el film.

ALGUNOS TÉRMINOS CINEMATOGRÁFICOS

¿Qué tipos de plano existen? ¿Qué significa “raccord”?... hay muchas palabras que se usan constantemente en el cine que siempre hemos escuchado y que nunca hemos acabado de comprender del todo. Aquí dejo unas cuantas deficiones:

ACCIÓN ALTERNA: Forma de montaje que presenta dos secuencias que se alternan de manera simultánea a medida que progresa la acción, haciéndola evolucionar.

ACCIÓN CONTINUADA: Manera de hacer progresar la narración fílmica sin interrupciones ni saltos detrás.

ACCIÓN PARALELA: Presenta de manera alterna lo que está sucediendo en dos o más escenas diferentes dentro de la misma acción, y que o bien se complementan o bien la una puntúa a la otra.

ATREZZO: Conjunto de instrumentos, herramientas y todo tipo de objetos que se usan en decoración.

BACKGROUND: Fondo de un escenario o de un decorado.

BARRIDO: Paso de un plano a otro por medio de una imagen intermedia casi difusa, que resulta de un movimiento rapidísimo y seco de la cámara, de tipo panorámico.

ESCORZO: Efecto que se produce cuando un objeto o una figura humana es tomada en un gran primer plano y, por tanto, queda desfigurada a causa del encuadre.

ESPACIO: Es el determinado por el campo que toma el encuadre de la cámara.

PLANO: Conjunto de imágenes que constituyen una misma toma; es, pues, la unidad de toma. Hay de diferentes tipos según el ángulo de la cámara.

PLANO AMERICANO: Es el que muestra la figura humana desde las rodillas hacia arriba.

PLANO GENERAL: Es el que muestra las figuras y los objetos de una manera total, incluyendo la escena donde se hallan.

PLANO INCLINADO: Se obtiene cuando la posición de la cámara no es vertical.

PLANO MASTER: Secuencia que se rueda en un solo plano para presentar la continuidad de una acción y que será enriquecida con insertos.

PLANO MEDIO: Es el que muestra la figura humana, cortada por la cintura o bien a la altura del pecho.

PLANO SECUENCIA: Secuencia que se rueda en un solo plano, en una única toma, sin ningún tipo de montaje, directamente y sin interrupción, y por eso conserva las unidades espacial y temporal.

PLANO SUBJETIVO: Muestra lo mismo que ven los ojos de un personaje. A veces el plano tiene el mismo movimiento que el intérprete.

PROFUNDIDAD DE CAMPO: Espacio entre el primer término y el último que se enfocan en un mismo encuadre.

RACCORD: Enlace o continuidad de un plano a otro sin que se produzca ningún salto. Hay por movimiento, color, luz, contenido, sonido..., e incluso por combinación de algunos de estos aspectos.

TRAVELLING: Movimiento mecánico de translación de la cámara en el espacio cuando ésta se desplaza encima de un móvil o bien sobre el hombro del operador.
las líneas oblicuas abiertas hacia arriba en forma de V producen exaltación.
las oblicuas en forma de V invertida producen depresión.
las líneas circulares entrecruzadas con verticales y horizontales pueden suavizar un conjunto.

Y unas páginas interesantes para saber más sobre términos cinematográficos. En el blog de cine Ciníssimo ya está en marcha la "cinipedia" por ejemplo. Atentos también a la “wikipedia” dedicada al cine, en wikicine del séptimo arte:

http://www.cinissimo.com/cinipedia-terminos-de-cine/

http://home.snafu.de/ohei/ofd/moviedict_s.html

http://wikicine.elseptimoarte.net/Portada

http://motion.kodak.com/motion/uploadedFiles/plugins_acrobat_es_motion_newsletters_filmEss_22_GLOSSARY.pdf

CRÍTICA: La sal de este mar

El conflicto árabe-israelí ha sido no pocas veces tratado en el cine desde que comenzara allá por la primera guerra mundial, le seguirían el horror del Holocausto en la segunda, la partición de Palestina (creación de Israel), la guerra de 1948 (miles de árabes se desplazaron a los Territorios Palestinos (Gaza y Cisjordania) y resto de países vecinos), y un largo etcétera hasta llegar a nuestros días, en los que está de actualidad el conflicto en la franja de Gaza.

Es en la guerra de 1948 donde se sitúa la memoria histórica de “La sal de este mar”, ópera prima de Annemarie Jacir, que ayer vimos en un pase de preestreno en los Roxy-B de Madrid. Sin contar demasiado, no me gusta desvelar nada, Soraya, nacida en Estados Unidos, regresa al país de sus raíces para reclamar lo que su abuelo le ha dejado como herencia. Allí se verá envuelta por los fantasmas del pasado y el triste episodio que vivieron en 1948 cuando tuvieron que dejar Israel (territorio judío) y exiliarse a los Territorios Palestinos.

Repleta de acusaciones políticas y humanas (dos secuencias clave, lo mejor de la película, lo atestiguan), “La sal de este mar” subraya demasiado las ideas que tiene en mente, dejando un sabor empalagoso sobre un tema demasiado manido pero siempre interesante, al menos, esperaba encontrármelo desde otro punto de vista, algo un poco más visceral y no tan didáctico. Se agradecen los pasajes explícitos (sin pudor) sobre política internacional pero saturan en cierto modo cuando los podemos tener todos los días en la sobremesa. Además, el guión funciona a trompicones, olvidándose de personajes y acusando un tempo narrativo de extrema lentitud, no ayuda mucho tampoco a salvar una película que podría haber dado más de sí.

He de reconocer que sabía bien poco sobre este conflicto y he corrido a documentarme, a saber un poco más de lo que está pasando en estas tierras, de su pasado y su ferviente futuro. Quizá por no saber demasiado del tema no logré llegar al mensaje, que seguro que lo tiene aunque muy escondido, de esta película. Tenía la sensación, como los protagonistas, de andar perdido ante tanta idea y posicionamiento político, pero lo que sí que me quedó claro es la sensación de desarraigo del pueblo palestino, del malestar que provoca el sentir que te han dejado sin pasado, robado las pertenencias y privado de esa libertad que ahora mismo se tiene (y siempre entre comillas) fuera de todo territorio que se encuentre en guerra. Y en eso, las bonitas imágenes del mediterráneo visto desde Jaffa siendo devorado por las miradas de los protagonistas, tienen mucho que decir.

LO MEJOR:
- La música. Quizá lo único virgen en estos territorios marcados por tanto movimiento humano.
- La presencia de Suheir Hammad (Soraya en la película), que en la vida real, además de su faceta artística (poeta y novelista), es una ferviente activista política. Como curiosidad, su página web: http://www.suheirhammad.com/.
- Que una película tan políticamente explícita haya conseguido salir al mercado de este modo tan contundente y más aún, parece un milagro que haya podido ser rodada en esos territorios en conflicto.

LO PEOR:
- Dura demasiado, se hace bastante lenta.
- No aporta demasiado a los que desconocemos el conflicto (no estoy diciendo que por ello se desmerezca).
- El guión, simplista y caprichoso. Personajes interesantes que se quedan en nada y situaciones inverosímiles como (spoiler) esa especie de Lago Azul a lo oriental (acaba spoiler).

NOTA: 5,5 / 10

CINE Y TEATRO: Trilogía Lorquiana en el teatro Karpas

El teatro Karpas de Madrid, en la misma calle que la filmoteca (calle Santa Isabel), bajando un par de calles más hacia Atocha, llevan ya más de dos años interpretando (y dirigido por Manuel Garcedo Sama) las mejores obras de Federico García Lorca, el genial artista español, homosexual y granaíno. Unos actores espectaculares (en especial Belén Orihuela) y entregados regalan todos los fines de semana y algún jueves que otro todo su cuerpo y labia a los espectadores que acuden a verlos. Anoche disfrutamos muchísimo de “Bodas de Sangre” (en la foto, los actores del cartel), obra de 1931 que supuestamente se basa en acontecimiento real acaecido en Níjar (Almería) en 1928, se estrenó dos años más tarde en el teatro Beatriz de Madrid y que presenta como siempre en Lorca las constantes de la navaja, el cuchillo, las tragedias de la vida y de la muerte, los rencores familiares y los países secos en consonancia con el alma.

Hace un año más o menos fuimos un grupo de amigos a verlos representar “La casa de Bernarda Alba” y la obra nos fascinó. El teatro Karpas es un teatro pequeño, para nada cómodo (los asientos crujen a más no poder y dos horas, si no es por una buena obra, pueden pesar demasiado) pero de modo increíble sus butacas están literalmente a dos centímetros del escenario lo que da una cercanía entusiasta a lo que uno está viendo, sintiendo cada verso entonado resonar en tus oídos. La escenografía austera no llega a importar del todo pues la dirección de actores es tan sólida que uno olvida a veces el lugar físico en que se desarrolla la acción y sólo quedan las palabras.

Vimos anoche que van a continuar esta serie de obras de Lorca, y me pareció leer que de “Mariana Pineda” estaban tan sólo a dos funciones más. Y me apenó saber que ya no iba a poder ver “Yerma”, que tuvo una reposición en el teatro Karpas hasta este pasado mes de marzo. “Yerma” tiene una historia fascinante sobre el sentimiento materno y retrata el enfermizo y seco universo de las familias del sur de España (aunque por ejemplo en “Bodas de Sangre” se presente como una familia cualquiera del país, sabemos, por su modo de vestir, su deje y sus costumbres que se refiere a una familia andaluza) ensimismadas en su antigua retórica costumbrista y el entramado del honor familiar.

Vengo a contar esto pues el único acercamiento a “Yerma” que he tenido no ha sido ni por medio del teatro ni la literatura sino por el cine. Pilar Távora dirigió la versión cinematográfica de ésta en 1999, con Aitana Sánchez-Gijón y Juan Diego (lo mejor de la película con diferencia). La película, algo plástica, lineal, se queda floja en sus largos 100 minutos, sólo brillan los actores y un final poderoso, conciso como el corte de una navaja, como todos los finales shakesperianos de las obras de Lorca. Y es por eso que tengo tantas ganas de verla representada. Con “Yerma”, habiendo visto “La casa de Bernarda Alba” y “Bodas de Sangre” cerraría lo que se conoce como la “trilogía lorquiana” de tragedia rural poética.

Otras referencias cinematográficas:










Bodas de Sangre (1938) de Edmundo Guibourg
Bodas de Sangre (1981) de Carlos Saura
La Casa de Bernarda Alba (1987) de Mario Camus

http://www.karpasteatro.com/
Entradas en el mismo local o por:
http://www.atrapalo.com/
http://www.entradas.com/

CINE Y LITERATURA: "Where the Wild Things are" de Maurice Sendak

Acabo de enterarme de una noticia que me ha ilusionado. Y es que por lo visto Spike Jonze (el mismo de "Cómo ser John Malkovich" y "Adaptation"), va a trasladar esta historia infantil al cine.

Recuerdo cuando de pequeño, en la sala infantil de la biblioteca leí con 6 o 7 años este libro por primera vez. Fui el rey por una tarde, el rey absoluto de una isla tenebrosa, me puse un disfraz aterrador para que nadie más pudiera gobernar más que yo, en mi paraíso particular, allí donde viven los monstruos...

Me regalaron el libro estos reyes pasados (gracias!) y las ilustraciones me siguen pareciendo alucinantes. Recuerdo que lo encontré en una librería de antigüedades, en su primera edición!!, en Edinburgo, y estuve a punto de comprarlo si no fuera porque pedían nada menos que 200 libras. Estoy deseando ver la películas, según dicen, en diciembre de este año... de momento para aquellos que también tienen esa ilusión (eh, Alfonso) aquí dejo el tráiler:

Más información:

http://en.wikipedia.org/wiki/Where_The_Wild_Things_Are