THE ETERNAL BLOG - Crítica cinematográfica de Rogelio Pujol

OTRO CINE EN TELEVISIÓN: Buda explotó por vergüenza

2010-07-20T01:20:00.000-07:00

Hay ciertas miradas comprensiblemente ruinosas acerca de la vívida luz de la infancia, aquellas que osan manipular sus destellos, y hay también otras miradas que se limitan a observar como estos caen simplemente sin alterarlos. Así, como esta última, es la hermosa visión de la joven directora iraní Hana Makhmalbaf a la hora de rodar, con tan sólo 18 años, “Buda explotó por vergüenza”.

Hasta ahora no había podido comprobar como la nueva ley del cine metía sus directrices en la boca del lobo de la televisión, y ayer, en la 2 de televisión española, tuve la oportunidad de verlo. Estaba a punto de tirar de alguna película de la minifilmoteca de mi salón, cuando, dando gusto al último bocado de la cena, anunciaron “Buda explotó por vergüenza” en la televisión. No me lo podía creer, iba a ver una marcianada, de esas que pasan por puntillas hasta por la cartelera de Madrid, por televisión, sin pagar nada (vamos a ser ingenuos), tumbadito en mi sofá y lo mejor, sin cortes publicitarios; eso sí, me pasé los 80 minutos que dura la película rezando porque nadie llamara ya que no podría tirar del botón de “pause”.

Y lo que vi fue una película de terror, sí, sí, no pasé tanto miedo desde que vi a solas (o fue con mi hermano?) “The Ring” de Hideo Nakata, a solas en mi casa; y en esto, la escena en la que (spoiler) unos niños, poseídos en algunos momentos por bárbaros norteamericanos y en otros por terroristas talibanes, amenazan a la inocente y dulce niña protagonista, con lapidarla es una de las más salvajemente tensas que he visto nunca (acaba spoiler). No la pude acabar, tuve que levantarme a beber agua; eso sí, por algún motivo morboso no bajé el volumen del televisor, pues quería enterarme del destino de la heroína.

“Buda…” cuenta la aventura de Baktay (increíble Nikbakht Noruz) para poder comprar un cuaderno que la permita ir a la escuela, alentada por su vecino, que ya está aprendiendo a leer. Baktay vive con su madre en unas cuevas, bajo el símbolo caído de Buda que los mandados talibanes destruyeron en su día, y no tiene edad suficiente, tampoco los medios, como para empezar a ir a la escuela. Makhmalbaf se sirve de este recorrido para componer un retrato antibelicista repleto de metáforas, desde la mirada de unos niños demasiado marcados por la guerra en Afganistán, que en cualquier otro lugar hubiera sido una tonta anécdota y aquí se convierte en una verdadera odisea.

Atentos al final de “Buda…”, que contiene una de las frases más impactantes del cine en años, que debería tomarse, desde ya, como toda una declaración de derechos, y que surge cuando (spoiler) el vecino de Baktay le grita, ante el simulacro de ataque de los mismos niños gamberros que instan lapidarla, “Baktay, muérete, si no nunca podrás ser libre” (acaba spoiler).

OLVIDANDO EL AMOR: CICLO "LA MIRADA JAPONESA"

2010-07-15T03:41:00.000-07:00

Muy interesante la propuesta de Fundación Japón (http://fundacionjapon.com/) que, enmarcada dentro del ciclo “La Mirada Japonesa” proyectó ayer por la tarde una preciosa película del olvidado Hiroshi Shimizu (en la foto): “Olvidando el amor” (Koimo wasurete, 1937), siendo el de ayer su segunda proyección en España, casi como un reestreno, pero en plan familiar. El encuentro tuvo lugar en el Pequeño Cine Estudio, apostando siempre por el riesgo en su programación, y al que acudieron no pocos interesados en saber un poco más sobre esta vieja gloria del cine japonés, que fue maestro (y muchos ya lo han olvidado) del mismísimo Ozu.

Antes de la proyección habló el profesor Lorenzo Torres de la Universidad Juan Carlos I (él mismo se encargó de seleccionar las dos películas que han formado parte de este ciclo en julio) y dio una gran cantidad de información y detalles sobre “Olvidando el amor” y su director: insistió en la verdadera revolución a contracorriente de su cine con esos planos cortos que instauraron pautas modernistas en el cine japonés cuando todo era austeridad compositiva; señaló además las más de 166 películas que forman parte de la filmografiá de Shimizu, la mayoría de ellas mudas, la sencillez de sus historias, siempre cercanas y representativas de vidas cotidianas (no hay más que ver los eclécticos carteles de sus películas más conocidas, como Nobuko (1940) o Children in the Wind (1937); así como la aparición en la película de Mitsuko Mito, la misma que emocionara con su papel de mujer del alfarero en la obra maestra de Mizoguchi, Cuentos de la luna pálida de agosto (Ugetsu Monogatari, 1953).

“Olvidando el amor” cuenta la historia de Yuki, una mujer que, para poder dar una vida digna, estudios y manutención a su hijo Haru, se prostituye en un hotel de la costa. La historia es simple pero con algunos secretos encontrados durante la trama (para aquellos que la hayan visto, quizá (spoiler) el guardián contratado por la madame del hotel sea el padre de Haru por como actúa cuando está con ella y más que nada por que en tres ocasiones en la película insiste en decir que el dinero que le a Yuki no es para ella sino para la educación de Haru (acaba spoiler)). Destaca también la inmensa fotografía, de Isamu auki, que llena los espacios de neblina romántica, y que, además, encuadra inteligentemente con los decorados que construyen la ciudad costera en la que malviven los protagonistas. Auki ya colaboró con Shimizu en Arigatô-san (1936) y Wakadanna haru ranman (1935).

CINE Y TEATRO: "Ensayando Querelle" en teatro Karpas

2010-07-10T01:30:00.000-07:00

Anoche asistimos a la primera función de la atrevida obra "Ensayando Querelle" en el magnífico teatro Karpas, en Madrid, en la calle Santa Isabel,19. Ya he hablado alguna que otra vez por aquí de esta compañía, que realizó ya hace un año la trilogía lorquiana de tragedia. Y siempre que puedo vuelvo a visitar el teatro, porque me gusta su cercanía, y ayer me acerqué, no sólo para poder ver escenificada la tórrida historia de Querelle sino para ver como se las gastaban los actores que hasta ahora sólo había visto interpretar a Lorca.

Claro, con algunos lapsus , seguramente por ser el día del estreno, pero aún así me sorprendió la versatilidad y la veracidad con la que sabían discernir entre realidad y ficción. "Ensayando Querelle" no en sí la obra homoerótica del dramaturgo y poeta francés Jean Genet (inmortalizada en la pantalla por R. W. Fassbinder) sino el ensayo de esta obra por parte de una compañía de teatro. Asistimos por tanto a este ensayo capitaneado por una antigua gloria de la platea y sus antiguos y nuevos compinches, las discusiones personales e impersonales que afrontan en cada ensayo, sus inseguridades y finalmente el insospechado desenlace.

En "Ensayando Querelle" se repasan las escenas más calientes de la obra de Genet, y seguramente haga falta conocer la obra para llegar a comprender un poco del guión por el que apuesta el Karpas; pero también es verdad que la trama propia que cuenta la historia del marinero Querelle no es la línea principal de "Ensayando Querelle" sino una mera excusa para poner en tela de juicio la valía actoral de los personajes y sacar a la luz los trapos más sucios de sus personalidades.

Hablemos de Querelle. "Querelle de Brest" (1947) es quizá la obra más conocida por los sibaritas de Genet, que por otro lado, fue muy poco pródigo en el cine (hay que hacerse con una copia de "Un chant d'amour" pero ya, una delicia de corto escandaloso y estúpido, pero de una belleza plástica sublime). Más tarde, el director alemán Fassbinder, creador de otras fantasías gay en la pantalla como "La ley del más fuerte" (1974) adaptó al cine libremente la obra de Genet y convirtió a Querelle en un icono homosexual, dotándolo de cierta sensibilidad femenina al macho más macho, a la figura del marinero corpulento capaz de dejarse ganar en una partida de dados para disfrutar de otros placeres, y a la par servir, dicho sea frívolamente, para que en un futuro Jean Paul Gaultier robara la estética de la película de Fassbinder para retenerla como marca de la casa (esos anuncios del perfume con forma de marinero, de un vidrio especial diseñado por él mismo).

Y acabo ya. "Ensayando Querelle" va a estar hasta este domingo, en cuatro únicas funciones (http://www.karpasteatro.com/), y con entrada a través de http://www.atrapalo.com/ con la que puedes ahorrate algunos euros, me parece que es una buena idea para acercarse al universo de Genet y disfrutar del teatro Karpas y de sus actores, en especial, Fernando Presas y Charo Bergón.

ORGULLO Y PREJUICIO

2010-07-06T05:06:00.000-07:00

Nunca me ha gustado la palabra “orgullo”, porque como expresión lleva implícito un irremediable sentido negativo, y como estado nunca me ha permitido (y nunca lo hará) formar parte del conglomerado social sino todo lo contrario, es decir, a subrayar con más fuerza los diferentes estratos que nos separan ideológicamente.

Este fin de semana pasado, entre purpurina, música disco-cachonda, carnaza y musculocas, se celebró el final del orgullo gay (y coletillas), que ahora ya se reconoce como simplemente “orgullo”. Y parece ser que otro año más, gracias a las pocas virtudes que demuestra (demostramos) la pandilla para lograr la normalización y homogeneización, volvemos a estar más lejos que nunca de la igualdad que demandamos. Me entristece ver como por culpa de una visión exagerada de la forma, y del trato nefasto del continente, damos pie a que cadenas como la (no tengo adjetivos, lo siento) Intereconomía pueda cebarse con el contenido, presentando un año más un anuncio que reza en su tramo final “364 días de orgullo de la gente normal y corriente”. Justamente la justicia ha metido mano y la multa no ha tardado en llamar a su puerta.

No deberíamos usar la libertad actual para olvidar lo que realmente importa. Bien es verdad que ahora todo es si cabe más fácil que hace treinta o cuarenta años, también más visible y aceptado, pero aún quedan cabos sueltos y estos cabos son tan finos que no podemos atarlos tan a la ligera. Festejemos, sin cesura, claro, pero con control, y ataquemos el prejuicio ya no por la vía del orgullo sino por la vía de los derechos.

Anoche descubrí, y voy a hablar de cine que es lo que toca, la interesantísima “Johan”, de Phillippe Vallois, de 1976, considerada la primera película de temática homosexual francesa; con escenas en su momento (e incluso ahora) escandalosas, que fueron censuradas y eliminadas de la versión íntegra. “Johan”, que muestra el comienzo de la visibilidad gay en el París de los 70, a modo de diario más o menos autobiográfico, alterna sabiamente la vertiente “normal” de la reivindicación (la madre de Phillippe se dirije a la cámara de modo muy familiar, cercano al espectador, para hablar con total libertad con su hijo sobre su opción sexual), y la vertiente transgresora (secuencias de fisting y masturbación; por otro lado, prácticas no exclusivas del sexo gay). Y aquí fue cuando realmente caí en la cuenta, y a modo de moraleja final que, en el camino hacia la igualdad, la transgresión ha quedado obsoleta, por ejemplo, gritar ante una cámara de televisión barbaridades (aún con razón) sobre la iglesia ya no es una revelación sino que es contraproducente. Quizá ha llegado el momento de una revolución más controlada, de modo que, nuestro propio sensacionalismo no impida romper por completo las cataratas de las que aún adolece la sociedad.

CRÍTICA: 80 egunean

2010-05-28T01:42:00.001-07:00

No es fácil lanzarse a realizar una película como la que firman Jose Mari Goenaga y Jon Garaño, porque se adentra en el poco transitado mundo de la homosexualidad rozando la tercera edad, y porque además está rodada íntegramente en euskera, cortando de cuajo así su ya limitada carrera comercial.

La semana pasada echamos mano de la cartelera para ver qué había de interesante, y me sorprendió ver un título desconocido, quiero decir, del que no había oído hablar demasiado estos últimos días; quizá una pequeña referencia en la revista Fotogramas. Y no sé, como me encantan estas pequeñas sorpresas, como cuando uno se compra un disco tan sólo por su portada o por el título de las canciones, leí un poco sobre ella, no mucho. Resultó que hablaba sobre lesbianismo en la tercera edad. Ya de por sí, esto me resulta interesantísimo; el poder darle otra vuelta de tuerca al asunto y encontrarme con una historia fuera de todo convencionalismo (nada de descubrimiento de la homosexualidad en la preadolescencia) se me antojó una buena oportunidad para poder adelantarme al futuro.

Además, "80 egunean", tenía otro punto a favor: iba a ser la primera película que iba a ver en Euskera, después de que "VOS", de Cesc Gay, o el "Babel" español (aunque tan sólo sea por la mezcla de lenguas), me dejara con la miel en la boca. Y he de reconocer que al salir del cine fue quizá la primera vez que eché de menos, un poquito, el doblaje... Lo siento, no me gusta el Euskera; sí que me atrae como lengua primitiva e independiente del resto, pero en cine no me parace nada poético, me resulta demasiado distante; seguramente, si viese alguna más en Euskera me acabaría gustando, todo es acostumbrarse.

Vayamos al asunto: "80 egunean", no huye de los convencionalismos (Maite, lesbiana atea y activa arremete contra el pasado para recuperar el amor de Axun, mujer de sesenta y tantos, tradicional, beata y (felizmente?) casada con un hombre que antes era más guapo), pero en ocasiones, en algunas escenas antológicas, va más allá, pues nos cuela miles de matices que a pocos seguramente vayan a llegar. Ahí está por ejemplo, la magnífica secuencia del primer contacto (después de 50 años) en la islica de Donostia, el contacto con la persona que, a Axun, la hace sentir ella misma; también la sutileza con la que se nos deja adivinar la opción lésbica de la hija de Axun (un sóla frase al final de la película basta para que el espectador homosexual pueda identificarse con su mismo pasado).

A esta formidable película, que va emocionando contenidamente conforme ve pasar sus minutos y que tiene su punto fuerte en la frescura y naturalidad de las interpretaciones de las dos protagonistas (un aplauso ya para Itziar Aizpuru, que consiguió ponerme los pelos de punta), hay que ponerle algunas pegas, una de ellas es que la cinta adolece de cierta pasión en su punto álgido, en la intimidad de la casa de Maite, aunque tampoco es que se deba pedir más anticomercialidad a una cinta que por ella misma ya lo es.

Para acabar, esta mañana me he dado cuenta al consultar la cartelera de los cines Renoir de Madrid, que aún va a durar una semana más! eso sí, han reducido sus pases de cuatro a dos. De todos modos, es un logro y una buena oportunidad para acercarse a ver esta increíble película, no porque sea buena, sino nunca creería poder verla en cines; y no creo que pase igual con "Ander" de Roberto Castón, otra película vasca del años pasado sobre la homosexualidad adulta que pinta interesantísima y tendré que ver por otros medios.

Nota: 7.5

CIERTO (...)

2010-05-23T04:41:00.000-07:00

VAYA! mira que me lo estaba temiendo... y es que por problemas varios no he podido escribir en el blog (tampoco es que estuviera muy inspirado entre cura y cura... ay, esto de ser humano es lo que tiene) desde marzo; por ello, mil perdones mil.

Este paréntesis ha supuesto casi mi ruptura con el cine, por acabar medio empachado, pues me he dedicado en la convalecencia a engullirlo como el pan nuestro de cada día: en cine "Lourdes", "Nadie sabe nada de gatos persas", "Two Lovers","Room in Rome" y "Que se mueran los feos", y ya en la intimidad que me da mi sofá "West Side Story" (me la debía desde hacía tiempo), "Juegos prohibidos", "El castillo en el cielo", y algún par más que de histriónicas y orgullosamente enrarecidas no merece la pena ni nombrarlas. Pues eso, que demasiado cine para matar el tiempo y demasiado bueno, pues de estas pocas no me gustaron, como Room in Rome que realmente me decepcionó un poco, confirmando que para mí, el cine de Medem empezó a caer en picado desde ese esperpento de "Caótica Ana".

"Two Lovers" y "Lourdes" las recomiendo encarecidamente; la primera continuará seguramente un par de semanas más en cartelera gracias a que la venden como el típico pastelorrio al más puro estilo Ryan o Bullock, y menos mal que es de todo menos eso, es una agradable sorpresa original y tremendamente dramática, donde es el chico el que llora y sufre y el que es capaz de llevarse el gato, y al público masculino curiosamente, al agua; la segunda merece más de una ovación, o quizá un rosario, por saber borrar casi "milagrosamente" la delgada línea que separa la creencia católica exacerbada y la ecléctica visión atea que compartimos los que encontramos en estos despropósitos comerciales la más fascista de las sumisiones. Quizá por eso "Lourdes" no duró más de unas semanas en pantallas semi-comerciales (Renoir Plaza España) y luego una más en pantallas semi-encubiertas (los arriesgadísimos cines Luchana).

JÓ MAMÁ, ES QUE EN CUANTO TE DEJAN SOLA TE PONES A HACER PSICODELIA!

2010-03-24T01:46:00.000-07:00

"UN, DOS, TRES,... AL ESCONDITE INGLÉS"

Fans de los colores chillones, de los bailes sincopados y de los pantalones de campana; fans de los mostachos abultados y la música pop inglesa de los 70 (no, nunca del posterior britpop), aquí esta vuestra película. El primer experimento cinematográfico en largo y el film más irreverente de Zulueta, “Un, dos, tres… al escondite inglés” no oculta su condición petarda fuera de toda onda. Esta cinta, en la que el guión brilla por su ausencia (y, como pocas veces, para bien), supuso, después de la descarada victoria de Massiel en el festival de Eurovisión (estando inminente su enésima edición), toda una elegía divertidísima contra los gustos más tradicionales de la época, a base de importar la psicodélica y alocada corriente contracultural inglesa, que aquí en España se dejaba notar en grupos como los “Pop Tops”. Cuántas tardes de niño me habré dejado engatusar por aquel “Oh, mammy, nanana, oh, mammy mammy blue, oh, mammy blue”.

Ayer, un buen hacer, el mejor en tiempos, de la Academia de Cine, en Zurbano, permitió empezar un ciclo sobre la obra y arte de Iván Zulueta, en el que se proyectarán casi todos sus artificios, acabando el jueves 25 con la proyección de la master piece “Arrebato” seguido de un coloquio en el que estarán Eusebio Poncela y ¡el propio Will More! Y yo me lo voy a perder (tengo otro plan, no menos fantástico, a esa hora). Espero que alguien lo grabe y lo pueda ver, no me quiero perder a este fantástico personaje hablando de la película que le dio cuna y tumba.

La sala estaba casi llena (Zulueta nunca atraerá por completo a las masas,… quizás ahí resida su encanto cultureta), y en la primera fila a la derecha del pasillo paralelo a la pantalla se reservaban butacas para aquellas señorías de la Academia. No vi ninguna que me resultara realmente conocida, pero sí casi todas levemente reconocibles.

Primeramente se proyectó el corto “Ágata” en el que los títulos de crédito reconocía la firma de la EOC en la realización de Zulueta, que por aquel entonces cursaba el segundo año. En “Ágata” se dejaron ver algunas de las constantes que se verían muchos años más tarde en “Árrebato”, cuéntese la tremenda historia de siempre en que el arte invade el espacio físico (y psicológico) del artista. Después vino la joya de la tarde, “Un, dos, tres…”, que se pasó en un plis, entre música setentera (cuanto hubieran disfrutado mis padres viendo esta película), pasando el rato viendo como el video killed the radio star de esos años, con globos de gas intoxicante, algún que otro gag surrealista (la mejor Tina Sáinz con momentos hilarantes) y con José María Iñigo, jovencísimo, como líder espiritual de la música de la época postfranquista más liberal.

Esta tarde más de Zulueta en Zurbano número 3. Más cortos a partir de las cinco de la tarde, y luego a las ocho el documental “Ivan Z”. Para más información:
1. http://blogs.cope.es/palomitas/2010/03/22/la-academia-espanola-resucita-el-cine-del-donostiarra-ivan-zulueta/
2. http://www.madridmemata.es/2010/03/ivan-zulueta-en-la-academia/

Un último apunte: no se pierdan hasta el 23 de abril, en el mismo sitio, la colección de carteles que Zulueta creó, por ejemplo, para películas como “Entre tinieblas” de Almodóvar, entre otros.

OTRAS MIRADAS, exposición de Carlos Saura

2010-03-17T05:53:00.000-07:00

Recuerdo que de pequeño, no sé si con 7 u 8 años, la figura de Rafaela Aparicio en “Mamá cumple 100 años” de Carlos Saura, me dio mucho miedo, realmente me horrorizaba sentada en un gran butacón con asiento y respaldo de terciopelo, oculta en una enorme y oscura casa de campo. Claro, siendo recuerdos de niño me quedara en el aspecto visual de esta película, que tengo muchas ganas de volver a ver.

Esta película fue la primera que me vino a la mente cuando hace unos días decidimos ir a visitar una exposición del propio Carlos Saura en la plaza de Colón. Caí en la cuenta que no he visto nada de este director en mi vida, tan sólo el recuerdo del párrafo anterior; y paseándome por la exposición (en su mayoría, de fotografía) me entraron unas ganas tremendas de hacerme con algo de su filmografía, no sé, como “Tango”, “Bodas de Sangre” (con Marisol), “La noche oscura”, etc. La temática cine “de música” que no musical capta gran parte de la exposición de Saura, que no en vano en los últimos veinte años (su filmografía empezó en 1959 con “Los Golfos”) ha filmado obras como “Fados” (2007), “Iberia” (2005), “Tango” (1998), “Flamenco” (1995) y “Sevillanas” (1991), todas ellas dedicadas a variantes de la cultura musical alrededor del mundo.

La exposición, que se puede ver hasta el 21 de marzo en el Teatro Fernán Gómez (http://www.teatrofernangomez.com/), muestra la polifacética obra de Carlos Saura, como pintor, fotógrafo, cineasta, ¡y hasta constructor de máquinas fotográficas!. No hay que perderse las llamadas “fotosaurios”, que, al estilo de Ouka Leele, mezclan la pintura con la fotografía, y tampoco la sección final donde se puede disfrutar el sitio de recreo de Saura, el espacio personal desde donde compone y abre su imaginario al público.

CRÍTICA: Un hombre soltero

2010-03-08T00:58:00.000-08:00

Afectada por una supuesta hipersensibilidad, “Un hombre soltero” se vendía en casi todas las referencias y críticas cinematográficas como un ejercicio intelectualoide, de fotogramas bonitos y repleto de fetiches, no en vano, su director, Tom Ford, venía del mundo superficial del estilismo de pasarelas, de costura fina y delicada. El caso es que la cinta me entró más por los oídos que por los ojos. Sí que es cierto que el estilo que marca el protagonista parece echo a su medida, todo un logro de casting, y que la fotografía de Eduard Grau (otro punto fuerte de la película, a manos de un amigo de una amiga de una amiga más o menos cercana: el mundo es un pañuelo kilométrico) regala a la retina preciosos fogonazos de luminosidad; pero a mí, no sé por qué, fue la música, a base de instrumentos de cuerda del polaco Abel Korzeniowski, la que me ahogó los témpanos, puede que por su enorme parecido al inolvidable vals de “In the mood for love” de Wong Kar Wai, o también, ahora que caigo, a algunas notas de Satie (mi compi de cine me lo delató nada más salir).

En “Un hombre soltero” (el título en inglés, “A single man”, da sin lugar a dudas mucho más juego que la simplona traducción al español) se adapta al cine la novela homónima de Christopher Iserwood, de la que Edmund White afirmó en su día que “Un hombre soltero” era "una de las primeras y mejores novelas del moderno movimiento de liberación gay". La historia transcurre en Los Ángeles, antes de su revelación libertina, a principios de los años 60, donde el profesor universitario George Falconer (Colin Firth) intenta superar la muerte de su pareja (muchos críticos usan las palabras “compañero sentimental”) tras 16 años juntos y se plantea la idea del suicidio, sintiéndose incapaz de superar el pasado.

En poco más de hora y media, Tom Ford, se las apaña para contar el día definitivo en que Falconer decide dejar de sentir dolor, la carga del pasado y de los recuerdos. Durante ese día, impartirá una última clase magistral a sus alumnos acerca de las “minorías invisibles”, magnífica alegoría de las clases marginadas en una sociedad aún tribal, coqueteará por última vez con un chapero español que el propio Tom Ford define como la “rosa perfecta” en todos sus comentarios a la prensa (raro, raro, raro), cenará con su amiga del alma, aquella que le iniciase en el sexo, cincuentona, separada además del amor de sus hijos y dada los excesos del maquillaje y el alcohol; y por último, sentirá el retorno de la juventud al pasar la medianoche con un alumno vital, esa brisa que sólo se siente cuando todo va acabar (spoiler) y que le redime de los pecados, salvándole en un última instancia del error de no querer seguir sintiendo, dejando que la muerte venga sola, y como siempre, cuando ella quiera (fin spoiler).

En esta casi trillada historia de amor, que incluye el tópico, pero no menos real, de “chico gay que tiene amiga heterosexual (como siempre, genial Julianne Moore) que lo ama en secreto”, hay que alabar la increíble concepción de la muerte de que hace gala, y como poco a poco la historia, salvo en contadas ocasiones, se desentiende del halo efectista del problema homosexual en el contexto histórico, desengranando la odisea universal de la superación de la muerte. Y seguramente, sin la increíble labor de Colin Firth (Dios, si yo fuera actor, este sería mi papel soñado, como princesa desvalida, rota de dolor, en un drama shakesperiano), y todos su premios, parte del boca a boca esta película no hubiera pasado con tanto gloria por las salas, pues en definitiva se trata de un reducto de pasiones, otra “minoría invisible” que, gracias a Ford, no lo está siendo tanto.

LOS CINES DE LA VERGÜENZA

2010-02-22T00:50:00.000-08:00

La reapertura de los Cines Luna(aquella del post anterior), empezó con muy mal pie, ¡y con mucho frío!. Ya todo el mundo sabe que el viernes pasado nos tomaron el pelo a, seguramente, más de cien personas que hicimos cola desde las nueve de la noche (el supuesto pase era las 22.30) para el reestreno de “Demons” de L. Bava. Y, sí, fue toda una desvergüenza por parte de los organizadores (no voy a volver a dar nombres, no para darles la publicidad que no se merecen).

Si lo que querían era realizar un pase privado para los amigos intelectualoides en primer lugar debieron haber avisado a la gente que hacia espera en una interminable ristra humana que giraba toda la manzana y decirles que al cine sólo se iba a acceder con invitación. Y en segundo lugar no debieron haber colgado carteles por todo el barrio de Malasaña anunciando el evento como un evento gratuito hasta completar el aforo (la gente, como yo, entendimos que teníamos, claro está, posibilidad de disfrutar así del evento).

¿Qué pasó? Que la Mass Media se hizo eco de la “gala” y allí todo estaba lleno de focos y cámaras de Telemadrid. A muchos nos tocó cenar (una pizza que se enfrió en cuestión de segundos y una Coca-Cola semicongelada) haciendo tiempo a que abrieran las puertas. Llegada la hora clave, oímos unos ruidos, golpes y silbidos, ya que no alcanzábamos a ver qué ocurría ante las puertas del cine. Cuando ya nos acercamos, pudimos ver como unos cuantos enfurecidos lanzaban botellas contra las puertas (qué horror pues en estos casos el fin no justifica los medios) y decidimos irnos a casita a recuperar el calor que habíamos perdido y a intentar calma la rabía que teníamos dentro, asimilar que se habían reído de nosotros y que habían jugado con nuestro tiempo.

Muchos ahora planean cierto boicot contra estos cines y su ciclo “Cineshock”, a mí sinceramente me da igual, si en su día pasan alguna película que me interese, acudiré. Eso sí, antes me cercioraré de que puedo entrar a verla, no pienso que me tomen una vez más por idiota. Eso sí, respeto a aquellos que tienen más claras sus ideas y puedan resistir no acudir las siguientes propuestas de los Luna… a mí es que el Cine me la tiene jurada, y nunca me lo perdonaría.

LUNA NUEVA PARA LOS CINES LUNA

2010-02-17T02:19:00.000-08:00

Menuda noticia me acaban de dar los de “Madrid me mata”! y es que van a “reabrir” los cines Luna, aquellos que hasta hace unos días estaban totalmente abandonados, en la calle del mismo nombre (allí donde vivía la protagonista de “20 centímetros”; por cierto, ¿qué será de Mónica Cervera? Con lo que me gustaba esta actriz…).

Y digo “reabrir” entre comillas pues no será para hacer de él un uso totalmente comercial. En principio, y ajustándose a lo que se lleva barajando desde hace tiempo (intentando persuadir al dueño para que diera otra vez vida a su empresa, y finalmente y de modo gratuito cediéndose estos cines), servirá para proyecciones quizás de ciclos programas y pases de películas antiguas. El encargado todo esto (una locura para muchos en plena crisis) es Andrés Aberasturi, hijo del famoso homónimo periodista, través de su empresa “Pelonio”.

De este modo, este viernes 19 a las 22:30 se proyectará la frikie “Demons” de Lamberto Bava… tengo algunos recuerdos de esta película, que en su día con unos 15 años me hizo reir (luego continué una sesión más con “Demons 2”, totalmente desconectada de la primera parte y sitada esta vez en un rascacielos que queda asediado por una manada de zombies de diseño). “Demons” abrirá así el ciclo denominado “Cineshock”, de terror de serie B, y en ella, qué casualidad, unos zombies atacan un cine que acaba de reabrir sus puertas… ¿contratarán a alguien para que nos den algunos sustillos durante la película?, lo que me voy a reir.

DEFINITELY JANIS?

2010-02-08T01:19:00.000-08:00

Anoche, en la madrileña Sala Clamores, un viejo sueño llegó lo más lejos que podría haber llegado, esto es escuchar a la propia Janis Joplin en concierto… pero tuve que conformarme (y muy conforme) con la también increíble voz de Bao Torres, líder de “Janis y los Joplins" (http://www.myspace.com/janisylosjoplins), banda tributo a la hippie más conocida en la historia musical (amén de quizá Joan Baez), aquella que escandalizara al mundo con sus quehaceres tan masculinos, con su fuerza bruta y afónica de cantar en el escenario. Fue una auténtica gozada escuchar en vivo esas tremendas canciones de amor desgarrado, de rock pusilánime, que tenía ya trilladas en el reproductor: la triste versión de “Summertime”, “Try (just a little bit harder)”, “Cry Baby”, etc… me faltó eso sí un último atrevimiento (aunque subirse a un escenario e intentar alcanzar la armonía vocal de Joplin ya lo es): esos diez gloriosos minutos de “Ball and Chain” con los que Janis se ganó el difícil aplauso de “Big Mamma” en los inicios de su carrera.

El caso es que, mientras escuchaba una de las últimas canciones del repertorio que esta banda había preparado, “Piece of my Heart”, recordé que en cine ya lleva tiempo hablándose acerca un posible biopic sobre la cantante; un biopic integral se entiende, pues Bette Midler ya tomó prestada la vida de Janis para componer la base del guión de la recomendable “The Rose”. Desde finales de los noventa se ha venido considerando la gracieta irresistible de un biopic de Janis Joplin, cuya mayor candidata a dar vida a esta increíble personalidad fue en un principio la rellenita Renée Zellwegger (uff, he tenido que copiar el nombre, peor que el de Terminator). Después vinieron la cantante Melissa Etheridge, que cantó “Piece of my Heart” en la gala de los premios Grammy 2005, conocida más por sus petardeos con K.D. Lang que por su interesante carrera musical; y por último Zooey Deschanel, la encantadora “Summer” en “500 días juntos” de Marc Webb.

Todo esto, hasta que el pasado 20 de enero, ¡por fin! Fernando Meirelles, director de la aclamada “Ciudad de Dios”, dijera sí al proyecto y empezara a negociar con productores de aquí y allá. Pero, ¿y quién será la atrevida actriz que definitivamente de vida a Janis? Aún no se ha pronunciado nada al respecto,… aunque prefiero ver a alguna de las tres de antes (Renée, Melissa o Zooey) que a alguna niñita aparentemente buena del pop adolescente actual (y me temo que muchas de estas se tirarán de los pelos por conseguir este papel).

Otros escarceos de este personaje en el cine fueron:
- “Janis y John” (2003) de Samuel Benchetrit, donde Marie Trigtinant (tristemente fallecida en ese año) y Christopher Lambert tomaban las personalidades de Joplin y Lennon para realizar una sonada estafa.
- La ya mencionada “The Rose” (1979), con Bette Midler al mando, dando el do de pecho, con una banda sonora a recordar.
- Los documentales “Janis Joplin slept here” (que buscaba dar respuesta a la muerte del mito), y “Buried Alive In The Black”, tributo de vocalistas femeninas de música metal.

CRÍTICA: La mujer sin piano

2010-02-01T01:16:00.000-08:00

La mujer sin piano es una mujer apática, llena de una vida que se le ha ido por la manos (y que le invade el oído a pitidos de vez en cuando), que desea llenar el vacío que sus polluelos han dejado, y que ansía regresar a la esencia de su juventud, a esos sueños que antes estaban ansiosos de quedarse sordos con la música, y, como dijo uno de los espectadores de la sala 4 de los cines Verdi, el pasado viernes 29 de enero al mismo Javier Rebollo, “que se pasea como una fusa en el pentagrama”.

“La mujer sin piano” es el último atrevimiento de ese director inteligente e insospechado, y que mima más a sus películas que a su público, que es Javier Rebollo, después de la marciana “Lo que sé de Lola”. Sí, Javier Rebollo, que se llevó el polémico premio a mejor director en la pasada edición del festival de San Sebastián. Ahora, huyendo de musas que puedan hacer sombra a su nombre, deja atrás a Lola Dueñas y atrapa por la peluca a Carmen Machi. Cómo sorprende ver a esta increíble fuerza interpretativa casi muda, después de los berridos infernales que soltaba en el cacharro televisivo nacional de “Aída”. En una composición minimalista, austera, Machi devora su papel como engulle el amor de ese polaco perdido en la vida que su personaje, Rosa, descubre una noche de elocuencia en la sala de espera de la estación sur, de Méndez Álvaro.

A mí, siendo sincero, me pareció demasiado lenta. No alcancé a detectar, como muchos en la sala apuntaron en el posterior coloquio después del estreno, que detrás del ruido de tacones, subyacente en cada corte y cambio de escena, hubiera la intención de asimilar cierta composición de Bach. Ahora sí, esta semblanza me parece muy poética, preciosa. Una lástima que, siendo yo tan inculto, me la perdiera.

Una cosa sí que saqué en claro: que tengo ganas de ver la filmografía en corto de este director, que ya para mí, forma parte de esa lista de directores naturistas, a contracorriente y totalmente necesarios en la chispa cultural española (que últimamente huele un poco a requemada), que encabeza Jaime Rosales.

LO MEJOR:
- Carmen Machi en una escena íntima y personal, ¡aquí tenemos a la Huppert española!
- El cortante final abierto… lo que para mí se completaba con un “te quiero” para otros fue todo lo contrario: la más inyecta tristeza.
- Los arrebatos musicales que asaltan un par de veces la pantalla. Muchos lo tomarán como estratagema de Rebollo para evitar que la audiencia se duerma (jajaja, risa malévola), pero para mí es como todo ruido infernal que uno escucha en su interior cuando sabe que se acerca la hora de iluminar una escena para el recuerdo.

LO PEOR:
- No hace falta contar la historia con un ritmo tan tan tan… y tan lento.
- Los saltos temporales y, sobre todo, espaciales. ¿Por qué ir de Mendez Álvaro a Lavapiés para luego bajar a Atocha? Incomprensible.
- Por mucho que Rebollo insistiera en el coloquio del viernes, Madrid no aparece nunca tan solitaria como se muestra en esta película, por muy lunes que sea el día.

CURIOSIDADES:
- El director nos aseguró que muchos de los “enigmas” y preguntas a las que la película de pie, se resuelven en un largo monólogo de Rosa (Machi), ante la cámara… y que podremos disfrutar en los extras del DVD,… cómo me gusta que jueguen con mi paciencia.

NOTA: 7/10

GEOMETRÍA FRACTAL EN EL CINE

2010-01-26T03:17:00.000-08:00

Este domingo recordé que el Jardín Botánico de Madrid acoge, hasta finales de febrero, una exposición sobre armonía fractal a partir de vistas aéreas del parque de Doñana y las Marismas, y allí fuimos. Ya había visto antes, pero sólo a través del ordenador, estas imágenes, pero quería verlas de primera mano, y de paso quería recordar todo lo que hace ya años había estudiado sobre estas formas semigeométricas.

Recuerdo descubrir entre las páginas de “La Nueva Mente del Emperador” de Roger Penrose, lo que Benoit Mandelbrot (conocido también por su figura, entre sus coetáneos, o conjunto de Torblednam, leído de derecha a izquierda su apellido) llamaba dimensión fractal. Un nuevo modo de ver las formas de los objetos cotidianos se engendraba entonces, en 1975, que dejaba atrás la dimensión euclídea del pensamiento abstracto y pasaba a explicar los trazos de la naturaleza (ejemplo en imagen de la izquierda) a través de los llamados fractales, cuya dimensión algebraica, como matemático, me fascina particularmente.

A modo divulgativo, un fractal podría definirse como un objeto no del todo geométrico cuya estructura básica se repite a diferentes escalas. De este modo, centrando la mirada en una escala determinada no se podría distinguir si lo que se está viendo responde verdaderamente a una escala mayor o a una menos de la que previamente se ha observado. Aún más claro si cabe se puede decir que estas formas poseen la propiedad de que cada pequeña porción del fractal puede ser vizualizada como una réplica a escala reducida del todo. Von Kock lo explicó muy bien a partir de la sucesiva segmentación de una línea recta (el conocido ciclo del copo de nieve): http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Koch_anime.gif

El caso es que estamos viendo fractales continuamente y casi nunca nos percatamos de su realidad. Ya antes, por ejemplo, Escher, el fantástico “arquitecto” holandés de la pintura, creaba obras que remitían a este tipo de estructuras (foto de la derecha). Y en cine, que es lo que realmente ocupa este espacio, su uso es relativamente actual.

La gran mayoría de efectos especiales que aparecen en las películas de ciencia ficción están creados por ordenador a partir de la simulación de determinadas dimensiones fractales. Si aplicamos el procedimiento de segmentación de Von Kock a una superficie plana cuadriculada podemos ser capaces de crear una montaña con todas sus valles y salientes como se ve en la imagen de la izquierda, , a la que luego se podrá aplicar capas de renderizado (texturas y colores) para crear el efecto deseado de realidad cinematográfica. Aquí empieza todo…

Ya que un video no es más que una sucesión de imágenes, los fractales van tomando cada vez más consistencia como compresores de éstas. Estos algoritmos de compresión fractal de las imágenes si bien permiten ahorrar en tamaño manteniendo la calidad de imagen, son técnicas aún algo complicadas pero a la par preferibles al manejo de costosos sets de otro tipo de creación de imágenes por ordenador. Entre las películas pioneras en el uso de estas formas están “Star Trek 2” y el corto “Andre & Wally B.” de Lucasfilms. Hoy en día los fractales están totalmente integrados en las herramientas de software para generar complejos paisajes dinámicos. Por ejemplo, recuérdese el mar de “Titanic”, y alguna que otra virguería de “Poseidón”.

OUKA LEELE, ACTRIZ: "BUENAVENTURA, EL BRUTO" de CEESEPE

2010-01-21T03:29:00.000-08:00

Entroncando con el anterior post, en el que se hablaba de Ceesepe como compañero inicial de aventuras de Ouka Leele, la controvertida artista de la Movida, repasamos ahora los coqueteos de ésta con el cine, concretamente con el cortometraje.

Dirigida por Ceesepe, Ouka Leele participó en “Buenaventura: El Bruto” (1987), un corto escrito por Carolina Izquierdo, de 14 minutos de duración, que, en boca del propio autor, iba en principio a titularse “El Bruto” y que, existiendo un corto de Buñuel con este mismo nombre, acabó añadiéndose el subtítulo “Buenaventura” para afianzar su propia personalidad. En este corto también intervino Susana Hernández que cinco años después completaría su carrera cinematográfica con “La ardilla roja”, de Julio Medem, y “Flores de otro mundo” de Iciar Bollain.

El corto, que llegó a estrenarse en cines, cuando aún se proyectaban cortometrajes antes de las películas, contó con la participación de uno de los integrantes de la radical compañía “La Fura dels Baus” como El Bruto, y de varias chicas pilladas a dedo en la calle del Barco en Madrid, para hacer de maduritas conejitas de Play-Boy.

En “Buenaventura…” Ouka Leele aparece en una de las escenas cantando, junto al trombón de su amigo el Hortelano, y se dice que mucha gente quedó tan deslumbrada con su actuación que hasta Steven Spielberg había prometido contratarla para su próxima película; seguramente una de tantas leyendas urbanas.

Y aquí, la obra:
http://www.youtube.com/view_play_list?p=35D35C41A255F6BB

Ya sin acreditar, Ouka Leele aparecería en otras tantas películas de sus coetáneos, como por ejemplo “Laberinto de Pasiones” de Pedro Almodóvar. Juguemos a ver quien es capaz de reconocer el cameo.

LA MIRADA DE OUKA LEELE

2010-01-19T01:05:00.000-08:00

La mirada de Barbara es luminosa, sin tiempo (en su presente se funden pasado y futuro) e inquieta, aunque siempre tranquila. El documental de Rafael Gordon, de 2009, y estrenado este año, “La mirada Ouka Leele” acerca un poco más la mitomanía de esta fotógrafa a sus seguidores, y también a los que no saben nada de ella, que podrán disfrutar descubriendo toda una personalidad del arte de finales del siglo pasado, y aún del actual.

Quizá su hazaña más conocida, tal vez odiada o no, recordada por su gran alarde de egocentrismo, fue aquella que la llevó a parar el tráfico de la concurrida Cibeles en 1987, para llevar a cabo su obra más famosa, “Rapelle Toi” (a la derecha), que nace del mito de la diosa Cibeles que tradujo en leones a dos esclavos que se ocultaron en su cueva para saciar su amor.

El documental de Gordon centra su metraje en el gran mural que Ouka Leele hizo para el municipio de Ceutí, en Murcia, apoyada por su alcalde, y los vecinos, y a partir de esta anécdota se sirve para recontar, sin orden aparente, algunos pasajes de su vida (infancia, enfermedad, inicios en el arte (compañera de oficio de gente como Mariscal, Ceseepe (sí, el mismo que firmó por ejemplo el poster de la película de Almodóvar “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón”) y Alberto García-Alix).

A partir de una fotografía poco cuidada, de escasa calidad (si bien es verdad que es encomiable el gran material de archivo rescatado), la cinta no se despliega en todos los matices que puede suscitar una vida tan interesante como la de Ouka Leele. Se echan en falta por ejemplo pasajes que recuerden su influyente mano en la movida madrileña, de la cual fue una de las protagonistas principales; tan sólo un atisbo aparece dos veces, a los pocos minutos de cinta, cuando Ouka Leele sale vistiendo un cerdito iluminado como sombrero, paseándose por una de sus primeras presentaciones de su arte, siendo observada de modo atónito por los asistentes, y “atacada” después por un admirador (que parecía recién llegado de visitar a Lucy en los cielos con sus diamantes), el rey de los guantes rojos, que pronuncia, claro está, unas palabras incomprensibles como toca en aquel ambiente contracultural de entonces.

Con todo, el documental encierra momentos mágicos: Ouka Leele entrevistándose a sí misma, y alguna que otra divagación sobre esos momentos de luz, que son aquellos que realmente se graban en la memoria de las personas; unos momentos realmente emocionantes. Otros, quizá menos afortunados, muestran a una Ouka Leele actriz, fuera de contexto, haciendo virguerías con una cámara que no la idolatra tanto como la pintura, y es donde seguramente se note más que ha participado en el montaje final de la cinta.

Ouka Leele, que próximamente actualizará su nueva web oficial (http://www.oukaleele.com/), acaba de ser nombrada Embajadora de la Candidatura de Segovia Capital Europea de la Cultura 2016. Su última, y espectacular obra, es el mural “Mi jardín metafísico” (a la izquierda, rematando el cuadro) cuya creación se muestra precisamente se muestra el documental de Gordon.

Para los interesados, en Madrid se proyecta actualmente en el Pequeño Cine Estudio, en la calle Magallanes, muy muy cerca de la parada de metro de Quevedo. Unos cines estupendos que arriesgan siempre por un cine poco convencional y documental (me quedé con la ganas de ver en ellos “Mónica del Raval”, de Francesc Betriu, una lástima que su tirón comercial durara apenas dos semanas).

SABEN AQUEL QUE DIU...

2010-01-15T00:14:00.000-08:00

¿Por qué España va siempre al revés que Europa? Mientras la gran mayoría de vecinos comunitarios hace suyo un cine en versión original, que potencia la esencia misma de los sentidos que se pueden captar desde una pantalla, desde el propio idioma, los diferentes acentos, a la realidad misma de lo que se nos está contando, España prefiere mantener la mente cerrada y los ojos entreabiertos. El cine reclama, y cada día más a efecto antiglobalización, que se respete la integridad de sus propuestas, y es evidente que se debe empezar por conservar el idioma de grabación original.

En esto, la nueva ley del Govern de Catalunya, da un pasito adelante, no sin polémica para dar y regalar, al considerar que el 50% de las copias de cualquier película en Catalunya estén dobladas o subtituladas en catalán, a fin de garantizar el derecho de los ciudadanos a disfrutar del cine en las dos lenguas oficiales. Joel Joan, presidente de la Academia del Cine Catalán, dirigía antes de ayer unas palabras de bienvenida a esta, en parte pausible, iniciativa. Y digo en parte, pues, el problema es que se seguirán doblando las películas. Si el público lo requiere, correcto; y seguramente sea así. Si el doblaje en castellano parece que dista mucho de extinguirse en nuestro país, ¿por qué no iba a tener lugar un doblaje en catalán para aquellos que lo demandan?

Hay muchos que opinan en contra que doblar en catalán no es que sea barato, y además, cuando se dobla se tira de enciclopedia, obteniendo como resultado una cinta del todo onírica, donde las expresiones se catalanizan y que pierde toda la fuerza del catalán a pie de calle.

Claro está, en esto intervienen más partes... por ejemplo, ¿qué pasa con las distribuidoras? pues que se oponen completamente al asunto. FEDICINE (Federación de Distribuidores Cinematográficos) tira el primer dardo argumentando que si se deja vía libre en esta medida, muchos otros territorios reclamarán cine en su lengua. Personalmente no me parece mal, el problema es que en tiempo de supuesta crisis, a ver quien tiene agallas de realizar esa brutal inversión.

A modo de utopía cinematográfica, la oferta debería ser consecuente con la demanda. Al final, como lo que cuenta es la vieja norma de "el cliente siempre tiene la razón", avanti con la llegada del nuevo mesías políglota, aunque sólo sea capaz de asomar un pie por debajo de la puerta. Ya llegará el día en que pueda seducirnos del todo. De momento, lean todas las noticias, si les interesa infórmense de todos los argumentos a favor y en contra, pero si quieren un consejo, antes de nada intenten ver, por ejemplo, cualquier película de Cesc Gay doblada al castellano; muchos no tardarán en encontrar en esto un sacrilegio.

¡VOLVER!... PARA INTENTAR QUEDARSE

2010-01-13T01:06:00.000-08:00

Sí, sé que han pasado ya casi dos meses… lo que demuestra que, no por no estar falto de pasión cinematográfica, las obligaciones de todo este tinglado llamado sociedad siempre se acaban llevando el gato al agua. Vaya, y se ha acumulado tanto por contar que creo que lo mejor será hacer un breve resumen de todo distribuido en topics, buscando no aburrir al personal. Empezamos:

CRÍTICA...

Poco cine atrayente en las salas, y, con el frío, mejor quedarse revisitando viejas glorias en casa, disfrutando del calor familiar. Si acaso destacar “500 días juntos” de Marc Webb, por su originalidad, por darle tres bofetadas al término “comedia romántica” (aprende Bullock!) y por su música (ese “She’s like the wind” de Patrick Swayze que me conmueve las neuras adolescentes). Además, la insólita “Donde viven los monstruos” por hacerme capaz de reconocer todos los monstruos (e idiosincrasias) que aprendí de niño con el libro de Sendak, por devolverme el miedo a descubrir lo desconocido y por, como antes, la música, en este caso de Karen O and the Kids. Y por último, aunque tan sólo sea por el revuelo que sigue causando, “Avatar”, que va directa al saco de las películas - “me esperaba más” pero que no hay que dejar de ver.

PREMIOS...

Cómo andan los premios Goya de este año. Una pura desvergüenza. ¿Dónde quedan “V.O.S” de Cesc Gay, las interpretaciones de Eduard Fernández en “Tres dies amb la familia” y Natalia Mateo en “La vergüenza”? No merece la pena hablar más, bueno sí, espera… estoy deseando ver la cara de Amenábar cuando Daniel Monzón le arrebate su premio a la dirección.

NOS DEJARON...

Si bien podría merecer un post aparte, la muerte no debería ocupar más de dos líneas, pero es que se van marchando los grandes, y esto es cuestión de excepción. Este invierno nos han dejado gente (y me dejo muchos, pero resalto los que más me han tocado) como el "útil" José Manuel Marchante, el "arrebatado" Iván Zulueta y el "tranquilo" Eric Rohmer, por orden en las fotografías .

De este último, asistí anoche, con un buen amigo, al homenaje que le dedicó su querida Filmoteca, en el madrileño cine Doré, proyectando cinco cortos (uno de ellos de propia cosecha, “Una canción desesperada”) que dejaron entrever la posición política y de conformidad sexual del homenajeado, con un posterior recuerdo entre amigos, que convirtió la sala 1 en una pequeña sala de estar.

Durante esos minutos de debate, de abrigo familiar y recuerdos del celuloide, la imagen de Marchante, a quien no llegué a conocer, fue apareciendo como una sombra misteriosa en la butaca, oculta tras montones de VHS de origen sin importancia, sin resquicio alguno de pared atendiendo a un premeditado horror vacui, creándose por medio de palabras encerradas ya por siempre en el decorado de la cafetería del cine Doré.

Salimos del cine acercándonos más al mito, mientras mi mente divagaba acerca de las manías persecutorias, y en mi interior, ajeno al ruido de la calle de Atocha, se formaba un nuevo misterio, que me hablaba tras esas paredes en Ave María, y obligaba a preguntarme ¿cuánto cine cabe en una vida?.

Homenaje a José Manuel Marchante:
http://www.youtube.com/watch?v=jCjYEbvIKrA

MIS PROBLEMillas CON AMENÁBAR

2009-10-17T12:21:00.001-07:00

"Vaya, vaya, no me lo puedo creer" fue lo primero que pensé cuando un día después de salir a la venta el prometedor comic "Mis problemas con Amenábar" que Jordi Costa ha escrito en colaboración con el dibujante Darío Adanti, ya se había agotado. Reconozco que tampoco simpatizo mucho con las críticas a las que Jordi Costa viene acostumbrándome en la revista Fotogramas, pero no por eso dejo de leerlas, me parece un todo constructivo para ir educando las partes que me quedan por aprender del cine a base de saber entender todo tipo de opiniones adversas, vamos, para no aburrirme delante de mi propia cortina de humo.

El caso es que, a mi tampoco (el cine de) Amenábar me cae bien, y por fin tengo en esto un punto en común con Costa, aunque no llegue a considerarlo como el "Anticristo del cine y el 11-S del arte" como llegó a asegurar éste el pasado 6 de octubre en el café la Palma de Madrid (me perdí la presentación del libro, pero no el boom mediático entre los críticos en que degeneraron las declaraciones al día siguiente). No, no me cae bien desde "Mar Adentro". Ese año, justo dos días después de acudir al cine, y salir engañado y pisoteado (no hay nada que me guste menos que me digan como tengo que pensar: adoro el cine equitativo, que da a cada uno lo que se merece, pero no consiento un cine que se toma la justicia por su mano), escribí un artículo para la página http://www.actualcine.com/ que lleva mi amigo Oscar (aquí el artículo) en que describía mi malestar por la película (y pensar que luego ganaría el Oscar,... aquí justamente empezé a dudar de la gracia de estos singulares y oportunos premios).

Con Ágora, tampoco ha conseguido que vuelva a confiar en el talentoso Amenabar de "Tesis". No es que la película sea mala, tampoco es que sea una obra maestra. Sino que para tanta parafernalia aliada con Telecinco (ciclón de telebasura, para algunos, de usar y no tirar) y tanto dinero en las butxacas de los productores y fuera en manos de quien no corresponde, la pelicula es una tibia manifestación de un querer y no poder, de la triste realidad que surge cuando a un director de cine le da por creer ser Dios (y no por su poder) sino por intentar estar en todas partes. Además, qué delito saber sacar tan poco partido de Rachel Weisz, vamos, ninguna escena en la que se pueda lucir, ningun primer plano, ninguna frase para la posteridad, cuando su personaje lo valía.

Así que, muy bien por Jordi Costa que, aprovechando el filón de "Ágora", le ha quitado a este director parte de su popularidad en estos días. No todo iban a ser elogios. Ahora bien, me pregunto, porque sé que todo ese odio de Costa a Amenábar viene de dos encontronazos... ¿qué pasaría (realmente) en esos dos momentos gloriosos de choque intercultural?. Veo que voy a tener que comprarme el cómic (eso sí, si no supera los 7,40 euros que me gasté en la entrada de "Ágora", faltaría más).

CANCIONES DE CINE: "Calling you", Bagdad Café

2009-10-07T13:40:00.000-07:00

"Bagdad Café" (1987) fue el salto de Percy Adlon de las pantallas alemanas a las estadounidenses, y lo hizo para no quedarse, quizá demasiada imagen hisperestésica y personajes absurdos en sus peliculas. Para los amantes de las imágenes más allá de las historias (en contadas ocasiones me cuento entre estos) esta historia fantástica sobre la relación que van entablando la gerente de un bar de carretera en Palm Spring, Brenda (una genial CCH Pounder, qué nombre), y una turista alemana que acaba de pelearse con su marido en medio del desierto de Mohave, hará sus delicias.

El film, que en su año ganó el César a la mejor película extranjera y su banda sonora fue nominada al Oscar, se utilizó en diversas campañas de publicidad y el año pasado, casi 20 años después de su estreno, fue llevado al teatro. Como curiosidad, este café existe realmente, y antes del film era conocido como Sidewinder Café, en la población de Newberry Springs por la que pasa la mítica ruta 66.

Esta cinta se cuenta entre esas pocas películas en las que una canción crean la atmósfera suficiente como para ser su seña de identidad. Si quizá algo queda, a parte de la hermosa fotografía, al acabar de ver la película, es la grandiosa voz de Jevetta Steele en "Calling you". Esta canción iba, en un principio, a sonar en tan sólo una escena, y acabó por adueñarse de la película, apareciendo hasta unas 5 veces a lo largo de la película, casi todas las ocasiones con el desierto en pantalla, como si las notas emanaran del polvo del viento rojizo de Mohave. "Calling you" ha sido hasta ahora versionada por gente como Celine Dion, Lara Fabian (de voz portentosa) e incluso Ana Belén.

Listado de canciones de la banda sonora:
1. Calling You - Jevetta Steele
2. Blues Harp - William Galison

3. Zweifach - Deninger Blasmuski
4. Brenda, Brenda - Jearlyn Steele Battle, Marianne Sagebrecht, White
5. C-Major Prelude from the Well Tempered Clavier - Darron Flagg
6. Calliope - Bob Telson
7. Calling You - Bob Telson
8. Bagdad Cafe - Deninger Blasmuski

Y ahora, a disfrutar:

A desert road from vegas to nowhere,

some place better thanwhere you've been.

A coffee machine that needs some fixing in

a little cafe just around the bend.

I am calling you. Can't you hear me?

I am calling you.

A hot dry wind blows right through me.

Festival de Cine Internacional de OURENSE

2009-10-01T13:49:00.000-07:00

Está a punto de empezar el 14 festival de Cine Internacional de Ourense (10-14 de Octubre), que sirve de punto de encuentro entre Galicia, Iberoamérica y el resto del mundo, vuelva a centrarse en el cine independiente gallego (por mí, a descubrir, y deseándolo hacer), y en las relaciones con los audivisuales lusófonos vecinos.

Se van a presentar entre otros los siguientes largometrajes:

BLOOD BROTHERS (Hermanos de sangre) | Dir: Arno Dierickx | HOLANDA

AGUAS MIL | Dir: Ivo M. Ferreira | PORTUGAL

EVERYONE ELSE (Todos los demás) | Dir: Maren Ade | ALEMANIA

THREE STORIES ABOUT SLEEPLESSNESS (Tres historias de insomnio) | Dir.Tomislav Radic | CROACIA

VIOLETAS | Dir: Rafa Montesinos | ESPAÑA

HOOKED (Pesca deportiva) | Dir. Adrian Sitaru | RUMANÍA

PEDRO Y EL CAPITÁN | Dir: Pablo Iglesias | GALICIA
y cortometrajes:

AZEITONA (Aceituna) | Ana Almeida, Humberto Rocha, Joao Gazua, Luis Campos | PORTUGAL

UN JUEGO ABSURDO (Absurd Game) | Gaston Rothschild | ARGENTINA

SINSABOR | Pablo Gonzalo Pérez | ARGENTINA

I'M COMING (Estoy llegando) | Teddy Lussi-Modeste | FRANCIA

CAMPÁS (Bells) | Jairo Iglesias | GALICIA

THE LONG WAY HOME (El largo camino a casa) | Anamaria Chioveanu | RUMANÍA

MATAGALPA | Stéphane Bergmans | BÉLGICA

CORRIENTE | Rodrigo Areias | PORTUGAL

Los homenajeados de esta edición son Eduardo Blanco Amor, Eloy Lozano (fundador del festival), y Norman MacLaren... ¿os suenan? bueno, para los más eruditos, Eduardo Blanco Amor, también novelista, fue el guionista en películas tales como "La Parranda" de Gonzalo Suárez, Eloy Lozano, fallecido en abril de este año, fue el primer cineasta en hacer una película en 35mm en gallego, “Retorno a Tagen Ata” (1973), y Norman MacLaren es conocido más que nada por sus trabajos en el National Film Board of Canada (http://www.imdb.com/title/tt0054145/), y su película "Neighbours" (1951)

El festival no sólo se centrará claro está en el visionado de películas sino que también ofrecerá por ejemplo interesantísimas exposiciones: Carteles de cine cubano, los estudios cinematográficos de la UFA, "Minha terra galega" (una serie de historias creadas para la ocación por autores gallegos que versarán sobre el tratamiento de los tópicos sobre la cultura gallega), etc.

Más información: http://www.ouff.org/index.html

CRÍTICA: Gordos

2009-09-24T05:21:00.000-07:00

El batiburrillo de palabras que rezan en el cartel de “Gordos”, la segunda incursión cinematográfica de Daniel Sánchez Arévalo, parecen entroncar con el caos general que acaba por reinar en esta cinta propuesta para los Oscar que se entregarán el año que viene.

Parece ya una nueva costumbre en el cine español realizar películas “colmena”, donde las abejas trabajan juntas y a veces revueltas, para componer algún tipo de fruto con sustancia que dejen con buen sabor de boca al espectador (y todo, si no me equivoco empezó con “8 citas”, luego “7 minutos”, etc.).

Muchos de los personajes están bien dibujados, son incluso atrayentes (ahí está la pareja tragicómica formada por Raúl Arévalo y la debutante (y deslumbrante) Leticia Herrero, de la que tanto se ha criticado su acento estilo Forqué, como si quisieran acuñar el término). Pero muchos otros, y me fastidia, como el de Antonio de la Torre, parece salidos de contexto. Su papel de homosexual parece cambiar de acera según los kilos que gana o pierde y al final no sabe si le apetecen más los hombres, si las mujeres o si simplemente se gusta él mismo. Incluso es culpable de una de las escenas más sonrojantes que he visto hace mucho tiempo (spoiler) véase la escena en la que sin ningún pudor, ante el cadáver del hombre al que ha matado, el personaje de De la Torre hace de las suyas con su amiga Pilar Castro (acaba spoiler).

Y es que, la primera hora de la película es notable, con un buen ritmo y presentación de los personajes, pero luego, lo que resta, se hace muy pesado (más de uno en la sala, como yo, bostezó). Fuimos al preestreno que los cines Renoir, como siempre apostando por el cine español, propusieron en las salas de Cuatro Caminos,… y había más gente que para el preestreno de “Mapa de los sonidos de Tokio” (otro despropósito más de cara a los Oscar), no me lo esperaba. Eso sí, disfruté más de la historia, por su realidad cotidiana, de Verónica Sánchez y su marido psicoanalista incapaz de aplicar sus propias teorías en su pareja, por muy trivial que fuera, que de la fantasía “vitivinierótica” de Coixet.

Para hacer justa referencia a mi desilusión (siempre entre comillas, pues los oscar ya no son lo que eran) de cara a las tres películas seleccionadas por España, me quedaría por ver la última de Fernando Trueba (aún siquiera estrenada en nuestros cines!, y ya seleccionada) para hacer justicia al injustificable enfado de Almodóvar con la Academia, una vez más (tampoco es que sus “Los abrazos rotos” sea mejor que alguna del resto).

LO MEJOR:
- Leticia Herrero, todo un descubrimiento, por ejemplo, en la escena de la cena y en las de cama con Arévalo.
- La fuerza del comienzo, atrayente a todas luces.
- La historia que enfrenta a Verónica Sánchez con su embarazo (otro modo de afrontar el sobrepeso, interesante).

LO PEOR:
- Se desinfla a la hora, y es que luego queda casi otra hora más que soportar.
- El ridículo personaje de Antonio de la Torre, pese a su buena interpretación.
- La música, demasiado vista, al estilo “American Beauty”.
- Algunas escenas que juegan con los límites entre la risa y el llanto. Si al menos jugaran bien…

NOTA: 6/10

Antichrist goes to Tokyo

2009-09-06T03:22:00.000-07:00

En este tiempo veraniego que se acaba hemos ido a algún estreno que otro y un preestreno en los cines Renoir también. Hay poco tiempo, se han ido las no vacaciones, y esto apremia en brevedad.

El preestreno: "Mapa de los sonidos de Tokyo". Seré breve, un "Mi vida sin mí" no hay más que una, y esta vez a Coixet, que parece haber entrado en el loable aunque triste podio de los "one hit only" cinematográficos, se le ha ido de las manos las ínfulas de superioridad que parece ser ha adquirido de Almodóvar y ha robado de Kar Wai. Demasiadas imágenes afectadas por un dolor vacío, de palabras que no llevan a ningún sitio y que se ven presas de un tedioso aroma filosófico de andar por casa. Coixet, se pierde en Tokyo (chiste fácil), y no consigue entender su propio mapa: tres escenas de sexo (la última de ellas sin justificar), un narrador en voz en off que no aporta nada a la construcción de los hechos (el supuesto creador del mapa del título ¿?) y el peor Sergi López que he visto nunca (ese inglés no le va a la zaga). Eso sí, la música es lo mejor de la cinta; bien colocada en todas las escenas, y, por mucho que algunos opinen que el "One Dove" de Antony and the Johnsons es demasiado guay, si lo es, ¿qué pasa?, al menos a la película le va como anillo al dedo.

Los estrenos: uno que no lo es tanto "Still Walking", que bien merece otro post, adquiere toda la sabiduría del cine de Ozu (de quien yo no he visto más que alguna que otra película). Lo mejor (en contra de casi todos) el final. Me parece perfecto que la película se cierre bajo la obviedad, porque así es la vida, que nos ofrece trivialidades de las que no podemos escapar.

Y el otro estreno: la polémica "Antichrist". Madre del amor hermoso, a Lars Von Trier habría que encerrarlo, por tres delitos:
- Regalarnos un prólogo maravilloso, que, como corto nos habría sabido a gloria.
- Aburrirnos hacia la mitad con tanto bosque animado.
- Regalarnos (aunque le miremos el dentado) el insultante epílogo. Dedicar la película a un muerto, y que este no puede defender, es rizar el rizo del pedantería.
Aun con todo, esta película, por su increible atrevimiento, la magnífica actuación de Charlotte Glainsbourg (increible lo que esta chica es capaz de hacer ante una cámara!, qué no podrá hacer cuando no se sienta observada...?) al estilo de Huppert en "La pianista", y el transfondo psicológico (SPOILER) que es donde reside quizá el verdadero terror de la película: cuando el sexo duele, y cómo! (esa escena de masturbación femenina bajo el arbol del pecado), a través de la pérdida de un hijo que desencadena el trauma, merece estar entre lo más interesante del año que llevamos.

Notas:
Mapa de los sonidos de Tokyo - 3/10
Still Walking - 9/10
Antichrist - 8/10

MÚSICA EN EL CINE: Erik Satie (II)

2009-08-12T03:27:00.000-07:00

Es 1924, Erik Satie tiene 58 años (hacen ya más de treinta que compuso sus famosas Gymnopèdies, denominadas así porque ser el nombre de una danza sagrada que en la antigua Esparta ejecutaban niños desnudos, y las Sarabandes (por las que ahora recuerdo la magnífica última película de Ingmar Bergman, “Saraband”, como aquellas partes de la composición interpretadas a dúo) y poco más de uno le queda de vida, consumido por el alcohol, y por una locura evidente, que le llevó por ejemplo a recortar más de cuatro mil rectángulos de papel, minúsculos, escribiendo en cada uno de ellos sobre paisajes de otro mundo, miles de greguerías, frases inconexas que hablaban de otras religiones y resquicios de instrumentos aún no inventados; al menos esto fue lo que encontraron sus amigos, al entrar, una vez muerto Satie y por primera vez en treinta años, en su habitación de Arcueil.

En ausencia consciente de racord, o continuidad cinematográfica, se forma la obra “Entreacto” del vanguardista René Clair, que pide colaboración en ese año del decadente Satie para la composición de la música en la filmación. Además, esta colaboración supone que Satie aparezca al comienzo, durante unos minutos, surgiendo así la única filmación en movimiento que parece existir del compositor.

De una clara raíz dadaísta (movimiento antiarte que surge en Zúrich en 1916 iniciado contra toda convicción literaria), “Entreacto” mezcla las escenas de modo inconexo, sin ningún hilo argumental aparente, del que se encarga el dadaísta Picabia (que aparece acompañando a Satie al comienzo de la película, junto a un cañón). La filmación en principio es destinada a ser proyectado en el entreacto de los vallets suecos en el Théâtre des Champs- Elysées en Paris, y acaba contando con Man Ray y Duchamp como actores jugando al ajedrez.

“Entreacto”, de tan sólo 22 minutos, crea en sus pases una gran revolución que choca con los artistas más conservadores, afianzando Clair su carrera notoria frente a la intelectualidad revolucionaria, parisina, del momento. Realiza después varias películas bajo el mismo patrón satírico y tragicómico pero no es hasta su primer film sonoro “Bajos los techos de París” seis años más tarde, cuando alcanzará reconocimiento internacional.

MÚSICA EN EL CINE: Erik Satie

2009-08-09T01:26:00.000-07:00

Desde Montmartre me llega la suave senda de melodía que lleva a los momentos de olvido, famosos por desesperar las horas que no avanzan y los minutos que no llegan a ser segundos. Las escaleras que conducen a su casa, las paredes de su calle impregnadas de imaginaria sabiduría, que recubren con cal las notas inventadas de ingenio, las noches en vela intentando llegar a la orilla, tan sólo, todas ellas, y no por tanto, presas de su autoría, hacen imaginar la historia, lenta y dolorosa, y triste, y grave, de un hombre que nunca tuvo dedos para su piano, y que murió preso de melancolía. Un absurdo teatro, de carisma asexuado, no demasiado grande y siempre a medio camino, su vida.

Su música en el cine (Orson Welles, Terrence Malick, Carlos Saura, Louis Malle…):
- Los herederos, 1998.
- Corina, Corina, 1994.
- Mi cena con André, 1981.
- Elisa, vida mía, 1976.
- Malas tierras, 1973.
- Una historia inmorta,l 1966
- El fuego fatuo, 1963

Biografía:
http://es.wikipedia.org/wiki/Erik_Satie

Un artículo interesante:
http://elcuervolopez.blogspot.com/2009/02/erik-satie-ciclo-los-compositores-desde.html

Una curiosidad: Satie, en una escena de Entreacto

XXXII Festival de Cine Independiente de Elche

2009-07-28T03:17:00.000-07:00

El pasado 25 de julio, hace tres días, en los jardines de l’Hort del Xocolater de Elche, mi home sweet home, tuvo lugar el acto inaugural de la proyección oficial de los 89 cortos seleccionados de entre los 923 presentados al XXXII festival de cine independiente de Elche, referente mundial en muestras de cortometrajes. ¡Y pensar que este año me lo voy a perder!

El año pasado pude estar los tres últimos días y disfrutar del homenaje que el festival hizo a la carrera de Julieta Serrano (Mujeres al borde un ataque de nervios, Entre tinieblas) y de la entrega del premios en la clausura del festival, rodeado de palmeras, en el parque municipal de Elche.

Este año, y ya van 32 ediciones (curiosamente el otro día mientras ojeaba una fotogramas del año 84 leí una referencia al festival, me asombró que llevase ya tanto tiempo en funcionamiento, no lo pensaba así), el homenajeado es Sancho Gracia (800 balas), que recibirá la palmera de plata en la gala de clausura.

Está patrocinado desde sus inicios por la Caja Mediterráneo. Desde 1998, la empresa que lo produce es TARSA. La página oficial del festival es:
http://wwww.obrasocial.cam.es/cas/culturas/elche/, y la programación se puede encontrar en: http://wwww.obrasocial.cam.es/cas/culturas/elche/programacion2009.asp
De momento, la programación para mañana, para aquellos se quieran acercar (no se arrepentirán) incluye la proyección de la notable “La vergüenza” que ya comenté en algún post anterior (http://eljeffbuck.blogspot.com/2009/05/critica-la-verguenza.html)

Miércoles 29 de julio
10:00 a 14:00 horas - Aula de Cultura CAM
Curso de formación: UNA NUEVA EDAD DE ORO DEL CINE ESPAÑOL

19:00 horas - Cines Odeón
Ciclo Óperas Primas

Proyección de: LA VERGÜENZA, de David Planell 107’
21:45 horas - Secciones oficiales - Hort del Xocolater 153’
- PEOPLE’S GOD, de Maja Djokic (vídeo/documental) 27’
- PIM, PAM, PUM, de Asier Urbieta y Andoni de Carlos (35mm/ficción) 03’
- ROBO EN EL TREN DE LAS RATAS (DIE SCHIEFE BAHN)
de Jim Lacy y Kathrin Albers (35mm/animación) 11’
- ATARDECER ROJO, de Álex Pachón (35mm/ficción) 18’
- SOCARRAT, de David Moreno Pérez (35mm/ficción) 10’
- EL CONTRATIEMPO, de David Cánovas (35mm/ficción) 10’
- FÊLURES, de Nicolas Pawlowski y Alexis Ducord (vídeo/animación) 10’
- DIE SCHNEIDER KRANKHEIT, de Javier Chillón (vídeo/ficción) 10’
- RELÁJESE, de Fco. Javier Rubio Rodrigo (vídeo/ficción) 15’
- STATUES, de Carlos Maciá Pérez (vídeo/ficción) 15’
- INGENUE, de Dominic Etienne Simard (vídeo/animación) 02’
- PODE SER, de Carlos Seijo (vídeo/ficción) 10’
- LUCKY DAY, de Laura Amante (vídeo/ficció) 01’
- La asistencia a todas las proyecciones es gratuita y de entrada libre hasta cubrir los aforos, excepto para la Gala de Clausura, donde será necesaria la invitación preceptiva, que podrá retirarse de la Secretaría del Festival en el Aula CAM, c/. Kursaal, 1 Elche.
- Algunas de las películas que se proyectan pueden no ser recomendadas para menores de edad. La programación puede sufrir algún cambio de última hora. Si así fuese, se informará oportunamente.

LesGaiCineMad SFM 2009, pistoletazo de salida

2009-07-25T07:16:00.000-07:00

En este post os remito lo que he recibido en mi buzón de correo sobre el próximo festival de cine lésbico, gay y transexual de Madrid y un nuevo proyecto que se traen entre manos. Buscan películas es español, y aquí se explica de qué tipo, bajo qué condiciones y en qué fechas. El año pasado el festival estuvo muy interesante (por ejemplo con "For the Bible tells me so" de Daniel G. Karslakey, y en 2007 también, cuando pude ver por ejemplo la interesante "Spinnin': 6000 millones de personas diferentes" de Eusebio Pastrana.

Del 2 al 8 de Noviembre se celebrará en Madrid el LesGaiCineMad SFM – 1er Mercado de Películas LGBT en Español www.lgbtfilmmarket.com El evento ha despertado el interés internacional y cuenta con el apoyo de instituciones, distribuidoras, compradores y festivales internacionales que esperan descubrir en el SFM las nuevas producciones de Latinoamérica y España.

Hasta el 1ro de Septiembre de 2009, LesGaiCineMad está buscando películas con las siguientes características:

- Fecha de Producción desde el año 2006

- Idioma: Hablado en Hispanoamérica (español, catalán, euskera, etc)

- Formato: Cine y Video

- Metraje: Corto y Largo

- Genero: Ficción, Documental, Video Arte, Animación.

- Cuota de Inscripción: Gratuita

- Cuota de Acreditación: Gratuita

- Subtitulado al Ingles (si no lo tiene lee las FAQs)

A partir del 2 de Septiembre y durante todo el año LesGaiCineMad seguirá recibiendo películas como parte de su convocatoria continua de contenidos LGBT hispanoamericanos pero no se compromete a incluirlos en el programa del SFM 2009 quedando pendiente para la edición de 2010 o, según acuerdo con el productor y si este lo solicita, su posible difusión en Latinoamérica previa al SFM 2010.

Contacta con nosotros

Para enviar tu película:

Yesika Mena – Coordinadora de programación

e-mail: http://es.mc286.mail.yahoo.com/mc/compose?to=programacion@lesgaicinemad.com

web: www.lesgaicinemad.com

Para todas tus demás dudas, propuestas, comentarios, etc:

Mariel Maciá – Responsable de Industria y Mercado

e-mail: http://es.mc286.mail.yahoo.com/mc/compose?to=marielmacia@lesgaicinemad.com

web: www.lesgaicinemad.com www.lgbtfilmmarket.com

V.O.S. (Versión Original Subtitulada)

2009-07-23T05:03:00.000-07:00

“V.O.S”, la última película de Cesc Gay (“Ficció”, “En la ciudad”, “Krampack”), ha conseguido que aumente el interés que tengo sobre este director y su particular forma de rodar, concretamente, su agradable sentido del ritmo y pericia temporal. Aquí, diálogos endiablados (como los mejores de Woody Allen), se mezclan con necesarios silencios (como los mejores de Kaurismaki), y componen la odisea argumental de mezclar pedacitos de realidad con aquellos que ya no lo son pues pertenecen al pasado, y no quiero desvelar la mecánica del juego. Si, por ejemplo en Memento, de Christopher Nolan (por poner un ejemplo de montaje prodigioso) la astucia argumental ponía al espectador despistado entre la espada y la pared, aquí no lo es menos.

Sí, seguramente esta propuesta de sobra arriesgada no gustará a casi nadie, y según he leído en una entrevista a Cesc Gay, a él le importa muy poco, y a mí también, yo sé lo que gano y no pierdo al ir a verla. Estoy viendo críticas bastante flojas, y otras, entre las que seguramente acabe ésta, que ponen a “V.O.S” en el lugar justo que le toca: el saco de películas muy bien construidas e interpretadas, llenas de originalidad pero al fin y al cabo, intrascendentes.

En el plantel de actores: Ágata Roca, Vicenta N'Dongo (tremendamente sexy), Paul Berrondo y Andrés Herrera, son los únicos protagonistas. Y de ellos, las chicas ganan enteros en unos diálogos tremendamente ágiles, estudiados y “rojos”. Claro, no era menos esperar que Gay ofreciera lo que viene ofreciendo en toda su trayectoria, una película libre, sin prejuicios, y, aunque sí encontremos algún topicazo que otro, estos están muy bien enmascarados o al menos no duran más de la cuenta (spoiler) como esos minutos bajo la lluvia, los enamorados van de compras, al ritmo del Jingle Bells navideño, como en esas tontainas comedias románticas, que luego el guión mismo satiriza brillantemente con un “¿Dónde te crees que estás?, ¿en una película de Meg Ryan?” (acaba spoiler).

Todos disfrutarán de la capa superficial de la historia, chicos y chicas, furor, furor, na-na-na-na-na, y todo eso, incluso puede que se descubra en ella tintes de españolada (uno de los amigos con la que la vi me lo insinuó al salir de los cines Renoir). Pero “V.O.S” va más allá, pues no es menos que un ejercicio de superación metalingüística en que teatro, cine y realidad se dan la mano, cine dentro del cine, o más bien, guión de cine dentro de personajes de teatro en un ambiente de hiperrealidad elíptica, ahí queda eso. No se pierdan los primeros cinco minutos: la clave para entender la película está ahí, asomándose en un pantallazo en negro.

Lo malo es que en “V.O.S” hay errores que no se pueden subsanar de ningún modo: una palabra bien contextualizada no tiene por qué responder a un idioma concreto, y esta película confunde la libertad de expresión con la saturación lingüística. Para eso ya tenemos “Una película hablada” del genial Oliveira; eso sí, ojo, “V.O.S” tiene un final menos espantoso que el de ésta.

LO MEJOR:
- Las dos actrices.
- El divertido juego de: “adivina quién está hablando ahora, el actor o el personaje”.
- El gustazo de poder verla en catalán, solo me fallaba el euskera para poder pillarle la gracia por completo.
- El montaje, la construcción y todo lo que tenga que ver con la manufactura del guión. Impecable.
- Que el buen boca a boca la lleve a llenar las salas, al menos de los cines más independientes y en versión original.

LO PEOR:
- ¿Por qué tienen que cambiar de idioma constantemente? ¿Qué pretendía el director con eso?
- Que algún cine se atreva a doblarla. Esto mataría todo su encanto.
- Que el peor boca a boca acabe por matar su ya augurada corta carrera comercial.

NOTA: 7.5 /10

Muere Juan Carlos Frugone, ex-director de la SEMINCI

2009-07-08T05:38:00.000-07:00

Ayer, 7 de julio de 2009, falleció Juan Carlos Frugone, conocido por haber dirigido la SEMINCI (festival de cine de Valladolid), entre 2005 y 2008, debido a una enfermedad que llevaba arrastrando ya desde hace meses (el comunicado del festival no revela más).

Furgone estuvo ligado a la SEMINCI desde 1984 y a durante ese tiempo fue también miembro del jurado en diversos festivales internacionales como los de Chicago y Edimburgo. En IMDB (Internet Movie Data Base) tan sólo se cita como guionista de “Mujeres en 1965” (1965), cortometraje de Paulina F. Jurado de y en la lista de agradecimientos de “Sé quién eres” (2000), de Patricia Ferreira, pero la verdad es que su carrera profesional alcanzó algo más, firmando durante mucho tiempo en periódicos españoles (Diario 16, El Mundo, El norte de Castilla), siendo autor de los libros "Stanley Donen ... Y no fueron tan felices" (1989), "Rafael Azcona, atrapados por la vida" (1987) y "Mario Camus, oficio de gente humilde" (1984), y como crítico literario en revistas de cine como “Fotogramas” y “Cartelera Turia”.

Desde Valladolid, el partido socialista, desde la presidencia municipal, se ha sumado a las voces que reclaman un galardón póstumo, una espiga de oro a su trayectoria e incluso una sección en el festival para el próximo año que lleve su nombre.

http://www.elmundo.es/elmundo/2009/07/07/castillayleon/1246972577.html

MUESTRA-T, cine en la semana del orgullo en Madrid

2009-07-02T02:08:00.000-07:00

Ante la inminente llegada de Madonna a nuestro país (y yo sé de algunos que están deseando que llegue para desatarse), se va a estrenar un documental producido por Madonna, según he recibido esta mañana en un comunicado de LesGaiCineMad (cuyo verdadero festival de cine tendrá lugar ya en octubre) y la fundación Triángulo. Será la primera ocasión en que LesGaiCineMad se una a la labor de Muestra-T, la cultural del orgullo.

“I am because we are”, que así se llama el documental, se presentará durante la semana del orgullo gay, es decir, esta misma semana. Ayer presentaron su discurso en la plaza Vazquez de Mella, Cayetanta Guillén-Cuero y Daniel Guzmán, y en la plaza de Chueca, Boris Izaguirre y Soraya, a modo de pistoletazo de salida en la inauguración de la semana del orgullo en Madrid otro año más.

Os transcribo lo que dice el comunidado:
“En este documento audiovisual dirigido por Nathan Rissman, la famosa cantante relata el contexto en el que viven los habitantes Malawi y su relación con el VIH. (www.iambecauseweare.com)”
Parece entonces que lo único que hay de gay en todo esto es la presencia de la divina diva Madonna y el daño colateral del virus IH. ¿Nos hablará el documental sobre la vida gay en Malawi? Sería muy interesante en caso de que la hubiera.

Este festival, que durará dos días, empieza hoy presentando este documental a la 19 horas de la tarde en el edifico de la SGAE y antes se proyectará “Les Travestis Pleurent Aussi”, cinta francesa interesantísima al menos por lo que plantea: una mirada a una pequeña calle a dos segundo de la Place de Clichy donde dos hoteles se enfrentan y donde detrás de sus fachadas malviven un grupo de transexuales marginales ecuatorianos.

También habrá hueco para un apunte lésbico, con la proyección de “Gypo”, la primera película dogma, de Reino Unido, que cuenta una misma historia desde tres puntos de vista y que habla de las tensiones de una familia obrera creadas a partir del secreto a voces que se esconde en alguno de sus miembros.

Os dejo la agenda del festival:

MUESTRA T en cine FESTIVAL LESGAICINEMAD EN MUESTRA-t

2 de Julio
Sala Manuel de Falla edificio SGAE (C/ Fernando VI, 4)
16:00 Les Travestis Pleurent Aussi (temática transexual)
17:00 Gypo (temática lésbica)
19:00 I Am Because We Are (http://www.iambecauseweare.com/)

3 de Julio
Lola Bar (C/ Reina, 25)
16:00 Les Travestis Pleurent Aussi (temática transexual)
17:00 Gypo (temática lésbica)
19:00 I Am Because We Are

CRÍTICA: Tres dies amb la família

2009-06-26T00:48:00.000-07:00

Anoche estuvimos en un pase exclusivo para el preestreno de “Tres dies amb la familia” (Tres días con la familia), la ópera prima de Mar Coll, que tuvo lugar en los cines Princesa de la Plaza de los Cubos. Allí estaban la directora, el responsable de la distribuidora Escándalo Films (muy orgulloso de presentar la película, animándonos a recomendarla tanto a nuestros mejores amigos como a nuestros peores enemigos), y casi todo el reparto, digo casi pues el elenco de esta película es grandísimo, aunque la trama se centra en cinco o seis personajes, y de ellos fueron todos a presentarnos la película. Eduard Fernández tuvo unas palabras expresando su agradecimiento, y la directora, escueta, también dio las gracias a la buena acogida del film.

No en vano, “Tres dies amb la familia” se llevó al agua parte del gato, pero parte muy importante, en el último festival de Málaga, con premios a la mejor dirección, mejor actor (Eduard Fernández) y mejor actriz (Nausicaa Bonnín). Fernández como siempre genial, con un papel a su medida, compone un personaje lleno de silencios y de secretos, pero es Nausicaa la gran revelación en pantalla. Bonnín, muy popular en Cataluña gracias a la a serie de TV3 “El cor de la ciutat”, ha dado el salto al cine con esta película, y despliega un inusual torrente de maneras interpretativas a flor de piel.

“Tres dies amb la familia” viene a demostrar que el cine español no está en tan bajas horas como se pretende, y, entroncando con la notable “La vergüenza”, hace que vuelva a tener fe en el cine español más allá de los convencionales Almodóvar, Garci, Amenábar, dejando paso a nuevos directores que saben lo que están haciendo, que no escogen la vía fácil de la publicidad panfletaria de algunas películas de viejos para jóvenes (veánse, o mejor no, “Mentiras y Gordas”, “Fuga de Cerebros”, etc…) que no hacen más que empeorar la visión que nosotros mismos tenemos para con el cine de nuestro país, y que tan sólo sirven para que unos pocos se beneficien de la taquilla mientras la porción de queso se va haciendo más pequeña para los que realmente ven en el cine un arte y no una quiniela de suerte finisecular.

Mar Coll desengrana esos lazos invisibles que se tejen en las familias convencionales, sin caer en tópicos (algunos no los puede evitar a la hora de rodar, como planos demasiado estáticos, pero totalmente equiparable a la inocencia que la edad le confiere ante la cámara), y con una composición de personajes realmente envidiable, donde ningún comportamiento ni es gratuito ni se sale de tono.

He de reconocer que fue un gustazo poder disfrutar de esta película en versión original, pues a parte de las películas de Cesc Gay o de Ventura Pons, tengo que decir, un poco avergonzado, que pocas veces he visto una película en catalán. Además, me estoy dando cuenta de lo que me gusta escucharlo, el catalán en pantalla grande queda extremadamente poético, tal y como me pasa con el francés. Al fin y al cabo, “Tres dies amb la familia” es cine español algo afrancesado en su tempo narrativo (recuérdese “Dejad de quererme” de Jean Becker), que no escapa de la frialdad idiosincrásica de los momentos más dramáticos pero sin sorpresa final, es más sin final alguno, algo que también se agradece pues al acabar la película tienes la sensación de haber asistido en plan voyeur al pedacito de vida de una familia corriente, una de tantas.

LO MEJOR
- La relación entre Eduard Fernández y Philippine Leroy-Beaulieu. Las últimas palabras de ésta son impagables.
- La última comida, ya en la casa del abuelo muerto, donde Léa (Naussica Bonnín), se derrumba, llora y es capaz de reír a la par.
- Un par de planos subjetivos (y hasta sugestivos) técnicamente perfectos, que exploran las sensaciones que el recuerdo deja en nuestro córtex cerebral.
- El ritmo, la composición de los personajes (no todos se nos explican, pero ni falta que hace, son parte de la familia, que es lo que interesa).
- Su triunfo en el festival de Málaga.

LO PEOR
- La música. En este tipo de películas la verdad es que casi no hace falta, pero es que demasiado escasa, y la poca que hay tira de la actual manía de reversionar clásicos españoles de los años 70 y 80, en este caso “Un ramito de violetas”. Para eso ya tenemos los horribles spots publicitarios, que recurren a lo mismo evidenciando la falta de originalidad de la publicidad en España.
- El personaje del hermano millonario, ejecutivo y superpudiente no funciona.
- Que la promoción de esta película está siendo escasa, casi nula, pero ya sabemos que es lo que prima. La calidad, lamentablemente, cuesta encontrarla, es dura de pelar.

NOTA: 8,5 / 10

CRÍTICA: 7 minutos

2009-06-09T16:02:00.000-07:00

Una vez más los cines Renoir (en Cuatro Caminos) dedican uno de sus preestrenos al cine español. Acabo de ver “7 minutos” de Daniela Fejerman, la última aventura de González-Sinde en la que vuelve a demostrar que donde mejor debería estar es en su casa enclaustrada escribiendo guiones (no es que todos los que escriba sean buenos, pero sí agradables y frescos) y no de cara al funcionariado, así por lo menos sacamos provecho del servicio que pueda ofrecer a la sociedad, digo yo.

“7 minutos” además, deja constancia de lo que viene demostrando ser el cine español actual: un correcto guión y una dirección mediocre llena de puntos muertos y una considerable falta de ritmo a los que sólo salvan, y ya es mucho, el magnífico trabajo de los actores. Y es que Toni Acosta, Luis Callejo, Pilar Castro y Marta Etura dan lo mejor de ellos mismos, inyectando pasión en cada frase relamida y sosa, agregando esa falta de chispa de la que adolece un guión de los de “quiero pero no puedo”.

Una serie de personas, una amiga de una, un hombre separado, una maestra de historia neurótica, un ex presidiario, y demás, se conocen una noche en esas típicas citas de 7 minutos (y aquí parece, como me decía mi amiga mientras veíamos la película, que match.com hubiera financiado la película, vaya publicidad nada subliminal) en las que esperan encontrar a la pareja de sus vidas. A saber, desencuentros, falsas esperanzas, nuevos amores, sensaciones a flor de piel, situaciones ridículas y alguna que otra escena seria mal llevada se dan lugar a lo largo de hora y media que bien me han parecido el doble. En verdad esta película se disfruta tan sólo por los actores. ¡Qué grande es el cine cuando no se espera nada a cambio y se va con la esperanza de los que saben que tienen todas las de perder!

Estos “7 minutos” de Fejerman no me han gustado tanto como las “8 citas” de Romano y Sorogoyen, pero he de reconocer que he salido con una sonrisa en la cara, y además, puedo decirlo… creo que me he enamorado de Marta Etura.

LO MEJOR
- Algunos gags realmente afortunados, aunque sean muy muy pocos.
- Todos los actores, todos, rebosan pasión por lo que hacen. En especial, el elenco de actrices.
- Que algunos críticos no comprendan el personaje de Asier Etxeandía. Vamos, hombre, que no todo hay que darlo en bandeja.
- El sueño de Callejo, a punto de meterle un gol a Acosta.

LO PEOR
- Falta originalidad y sobran pretensiones.
- La mano de Ángeles-Sinde se nota demasiado.
- Algunos personajes interesantes se pierden en el camino.
- Es visualmente lenta, la música es casi inexistente y apenas se nota la dirección. Me esperaba algo más de aquellos que hicieron la interesante “A mi madre le gustan las mujeres”.

Nota: 5,5/10

11 Festival de CINE ALEMÁN en Madrid

2009-06-06T06:09:00.000-07:00

El muro de la vergüenza caía en Berlín hace ya casi 20 años, el 9 de noviembre de 1989 exactamente, y por ello este festival de cine alemán en Madrid (en los céntricos cines Palafox de la calle Luchana) vierte su mirada al pasado con el miniciclo "20 años sin muro". El festival cierra hoy sus puertas con la proyección de la película muda "Spione" (Espías) de Fritz Lang en el cine Palafox a las 22:00 horas.

Parece una ocasión única para disfrutar de este cine, del que personalmente conozco muy poco (apenas me acerco a él a través de lo más conocido, como Fritz Lang, F.W. Murnau, Staudte. Lo malo es el precio, 11 euros para la entrada de esta noche para ver "Spione" me parecen algo excesivos teniendo en cuenta que posiblemente esta película se pueda añadir al buzón de sugerencias de la filmoteca y esperar que la proyectaran en los cines Doré.

En este festival se permite además que el público participe dando voto para entregar el llamado "Premio del Público" y con ello sorteará una cámara fotográfica y un libro sobre la filmografía del genio cineasta alemán F.W. Murnau (autor de una de mis películas favoritas, la obra maestra "Nosferatu").

Interesante información sobre lo que se ha visto en el festival: http://pasionporelcine.es/blog/tag/festival-de-cine-aleman/

CINE Y LITERATURA: Los hombres que no amaban a las mujeres (por Oscar Alemany)

2009-06-04T09:37:00.001-07:00

Mi amic Oscar ha ido a ver la última sensación editorial hecha fotogramas: la primera de la trilogía Millenium que Stieg Larsson publicó en 2008. No soy muy asiduo a leer bestsellers, casi siempre me inclino más a leer o releer clásicos, aunque en ocasiones caen en mis manos libros actuales interesantes (recuerdo que hace dos o tres años me dejé encandilar con "La sombra del viento"). Esta entrega pinta muy bien, he oído muchas cosas buenas sobre la película, pero claro, también muchas cosas que ya había escuchado antes de otras adaptaciones y parece ser que en esta ocasión se repite la fórmula "el libro está mejor que la película". A ver qué opina Oscar de ésto:

PRELIMINAR
"Los Hombres que no Amaban a las Mujeres" es la adaptación a la gran pantalla, de la primera parte de la trilogía de novelas Millennium, del escritor Stieg Larsson (fallecido recientemente), un rotundo éxito de ventas en todo el mundo.

ARGUMENTO
Hace 40 años, Harriet Vanger desapareció de una reunión familiar en la isla que pertenece y es habitada por el poderoso clan Vanger. Su cuerpo nunca se encontró, sin embargo su tío está convencido de que fue asesinada y de que el asesino es un miembro de su propia familia, una familia unida y a la vez disfuncional. Contrata entonces a Mikael Blomkvist, periodista caído en desgracia y a la tatuado y salvaje hacker informática Lisbeth Salander para investigar el caso.
Será cuando la pareja relaciona la desaparición con un número de grotescos asesinatos de hace cuarenta años, cuando comiencen a desentrañar una oscura y horrible historia familiar. Pero los Vanger son una familia reservada, y Blomkvist y Salander están a punto de averiguar lo lejos que están dispuestos a llegarpara protegerse.

LO MEJOR DE LA PELÍCULA
-Desde el segundo uno engancha al espectador, con unos personajes inquietantes y que sufren de curiosidad por parte de quien los está viendo y con una historia de notable calidad.
-Buen desarrollo de la historia, salvo la pequeña excepción que citamos después, todo queda narrado de forma bastante clara.
-El personaje de Lisbeth Salander. Un personaje donde se puede observar por todas partes, los traumas que sufre desde pequeña y como estos han evolucionado para quedarse toda la vida. Papel plasmado de una manera magnífica por la actriz Noomi Rapace, quien crea un personaje absolutamente creíble. Mucho tendría que aprender el autor del libro y guionistas de la saga “El código da Vinci”, sobre como darle importancia por igual a la parte femenina y masculina de un libro o film. Se ansía su presencia en pantalla.
-También a destacar el otro protagonista importante, interpretado por Michael Nyqvist, quien dota al papel de una humanidad muy cercana que contribuye a al fácil identificación con el personaje.-Una fotografía que transmite sensaciones.
-Deja con ansia para una segunda parte.
-Por otra parte, el film servirá mucho más para dejar de fumar que muchos libritos o planes antitabaco, lo aseguro, porque se termina aborreciendo.

LO PEOR DE LA PELÍCULA
-Por mucho Best-Seller en que esta basado la película, siempre es difícil llevar a la sala a espectadores, siendo una producción sueca y encima con la ausencia total de actorres conocidos para el gran público, pongámonos como nos pongamos.
-Después de que casi toda la película se desarrolla a un ritmo de los más adecuado, el final transcurre de una manera acelerada. Por una parte resulta normal que tras más de 150 minutos, no se tuviera ganas de alargar mucho más el film, pero resulta obvio que se introducen muchos elementos importantes para la historia en pocos minutos.
-No todas las escenas son aptas para todos los públicos. Hay algunas que muestran la miseria humana de una manera poco sutil , por decirlo de alguna manera.

ESCENAS DESTACABLES
-Las escenas con el tutor. De una crudeza exagerada.
-En la casa de Harald.
-El footing del protagonista, un poco movidito.

CONCLUSIÓN
A uno hay dos factores que le asustan principalmente a la hora de entrar aver la peli, el primer factor son esos 150minutos de duración y el segundo es ver tanto nombre escrito en un vocabulario raro en los créditos, es que para uno aquello de producción sueca no es sinónimo de fluidez. Es justo de reconocer que estos dos factores pronto pasan al olvido y se consigue disfrutar de esta historia bien contada y con las dosis justas de novedades.
A uno le queda la duda de que hubiera pasado a “Los hombres que no amaban a la mujeres” si hubiese caído en manos norteamericanas, en buenas manos norteamericanas, para ser más exacto. Puedo presumir que las escenas de acción y misterio hubieran sido bastante mejores, y que por otra parte la relación entre Mikael y Lisbeth hubiese sido lo de menos.

Nota:8.5/10
WEB OFICIAL:http://www.loshombresquenoamabanalasmujeres.es/
Oscar Alemany

CINE Y TEATRO: Sueños de Bollywood

2009-06-01T14:55:00.000-07:00

Ya había hablado antes, en anteriores posts, sobre Bollywood y su industria, la primera del mundo en producción de películas anuales, seguida de Nollywood (en Nigeria, ya hablaré alguna vez de ésta) y Hollywood (la más conocida sin lugar a dudas). Esta misma noche ha empezado en el barrio de Lavapiés el segundo festival de cultura india en Madrid, después del enorme éxito del año pasado y para estrenarlo el teatro Häagen Dazs ha estrenado el musical “Sueños de Bollywood” organizado por Wonderland Entertainment y dirigido por la famosa Mistri, coreógrafa y bailarina hindú.

Mistri deja todo su saber sobre la india en el escenario y también con inteligencia se acerca al público más occidental, con apuntes chocantes como “You’re the one that I want” del musical Grease, canciones en inglés y un par más chapurreadas en castellana como la latina“María” (no la de Ricky Martin, sino una de elaboración propia). Con errores propios de un estreno algo precipitado (una de las bailarinas olvida ponerse una máscara, los velos se enredan en los cuellos de los hombres) pero con una gracia innegable y una fuerza contaminante, el espectáculo se disfruta y hace que salgas del teatro con una sonrisa en la cara a modo de “he visto una tontería pero al fin y al cabo una bonita, inofensiva y refrescante tontería”.

Eso sí, tiene muchísimo mérito la labor de los bailarines, mantener ese ritmo durante más de hora y media. Una cosa que me gustó también es que en entre ellos no había ningún modelito con algún músculo demás sino bailarines con sus michelines y todo.

El show se lleva a cabo en 2 partes que se pueden diferenciar bastante bien: una lenta y quizá algo aburrida (para el alma) y otra para el cuerpo, más atrevida, explosiva y divertida, que consigue traer esa magia del cine de bollywood a la platea.
La primera parte, más clásica quizá desentona algo más con la segunda, en la que se tira de ritmos funky, flamencos y hasta dance para componer las escenas. Éstas por supuesto cuenta una historia mínima, del todo previsible, pero que entre la brillantina, colores vivos y coreografías aceleradas también seguramente sea lo de menos.

He salido del teatro con ganas de irme a alguno de esos videoclubs de Lavapiés especializados de modo casi exclusivo en el cine de Bollywood, cerrar los ojos y escoger al azar cualquier película que caiga entre mis manos. Qué terrible curiosidad. Lo único que me da miedo es que acabe con ganas de ir a la India, vaya, que ahora no estamos como para irnos de viaje.

Web oficial de Mistri: http://www.snehamistri.com/
Información sobre el segundo festival de cultura india en Madrid: http://www.bollymadrid.com/

CRITICA: Ponyo en el acantilado

2009-05-25T14:53:00.000-07:00

Recuerdo que la primera vez que vi, porque seguramente la haya visto ya dos o tres veces, “El viaje de Chihiro” en los cines Odeón de Elche pude volver a mi infancia, fui capaz de sentirla como si la hubiera vivido hace un par de día, a esas tardes de entre semana e incluso mañanas de los sábados en que los dibujos animados me mantenían enganchado al televisor. No hace mucho descubrí que Hayao Miyazaki, el director de “El viaje de Chihiro”, había dibujado también las series animadas de mi infancia como “Lupin”, “Sherlock Holmes” y “Conan, el niño del futuro”, cuyos trazos pude reconocer también en “Ponyo en el acantilado”, la última aventura de Miyazaki, que se resiste a dejar de lado el dibujo tradicional.

Y así me volví a sentir, como un crío, viendo “Ponyo en el acantilado”, una película premeditadamente infantil y orgullosa de serlo, desde esos títulos de crédito de colores chillones y poco tratados hasta la ligera y mínima trama que nos cuenta la historia, suave y la mayoría de ocasiones totalmente entendible, con esas licencias fantásticas, cambios de ritmo y personajes extravagantes sin justificación alguna.

Aquellos que vieron en “El viaje de Chihiro” un sinsentido del imaginario cultural japonés, seguramente no disfrutarán de la historia de Ponyo, porque además está dirigida a un público infantil o al menos a aquellos predispuestos a olvidar la rutina adulta durante dos horas. Se perderán algunos de los momentos más impresionantes de la animación de los últimos años (spoiler) como el primer viaje de Ponyo a la superficie y la carrera sobre las olas, de una epicidad arrolladora, con una fueraz inusual, alternando de estado de pez a estado humano, en busca de Sosuke, su nuevo amigo de carne y hueso (acaba spoiler).

Se ha dicho, sobre todo después de deslumbrar en Venecia el año pasado, que el director se ha tomado esta película como una revisión muy libre del cuento de la sirenita. Son muchos los puntos en común que tiene con el cuento de Perrault, pero esta historia de amor entre un niño y una especie de anfibio entronca también directamente con la lista de esas nuevas películas de animación en pro de la conservación del medio ambiente y su armonía con el devastador efecto de las urbes tales como por ejemplo “Wall-E” y “Metrópolis” (considerada, por muchos, como la cumbre del cine anima por encima incluso de “Akira”).

LO MEJOR
- Los estallidos de color en los pasajes con más nervio de la historia, de un subidón impresionante. Si la hubiera visto siendo niño aún estaría soñando con correr por encima de las olas, abrazar a mi gran madre por debajo del agua y tener una amiga como Ponyo.
- Los momentos de calma están tan bien cuidados como el resto.
- El primer viaje de Ponyo a la casa del acantilado.
- La relación que Sosuke mantiene con su madre, una relación de libertad dentro del respeto.

LO PEOR
- Su conservadurismo no le va a la zaga y puede darle muchos más detractores que seguidores.
- Algunas reacciones fuera de tono de los personajes (spoiler) como la madre superwoman capaz de volar con un mini coche destrozando el acelerador (acaba spoiler).
- El final, demasiado rápido y sin demasiadas explicaciones, es quizás la única parte que no se entienda. Será que ya no somos niños y estamos acostumbrados a rompernos la cabeza, sí, será por eso.

NOTA: 8 / 10

61 Festival de CANNES

2009-05-24T13:47:00.000-07:00

Hace poco más de una hora que se ha dado a conocer el palmarés de la edición de este año del festival de Cannes, y Almodóvar se ha ido de vacío, y casi casi también Tarantino (se suponía que el boca a boca estaba beneficiando su última hazaña, "Inglorious Basterds"). Bueno, aquí el palmarés, donde brilla Michael Haneke (en la foto) con "La cinta blanca", film sobre los cimientos del nazismo, y aparace una película que me pinta muy bien, "Anticristo" de Lars Von Trier:

PALMA DE ORO: "Das weisse Band" ("La cinta blanca") de Michael Haneke

GRAN PREMIO: "Un profeta" de Jacques Audiard

MEJOR ACTRIZ: Charlotte Gainsbourg por "Anticristo" de Lars von Trier.

MEJOR ACTOR: Christoph Waltz por "Inglourious basterds" de Quentin Tarantino.

MEJOR DIRECCION: "Kinatay" (Matanza) de Brillante Mendoza.

PREMIO DEL JURADO: Ex aequo "Fish tank" de Andrea Arnold y "Thirst" de Park Chan-wook.

MEJOR GUION: Feng Mei por "Noches de embriaguez primaveral" de Lou Ye.

PALMA DE ORO DEL CORTOMETRAJE: "Arena" de Joao Salaviza

CAMARA DE ORO: "Samson and Delilah", de Warwick Thornton.

PREMIO EXCEPCIONAL DEL JURADO: Alain Resnais por el conjunto de su obra.

¿Quien puede matar a un ruiseñor?

2009-05-20T02:32:00.000-07:00

Muchas cosas han pasado en esta última semana. Muere, de una enfermedad pulmonar crónica, Mario Benedetti, mientras que Soraya culpa a TVE de su fracaso en Eurovisión, Almodóvar (horrible y pesado titular en todos los periódicos de tirada gratuita) esperar “abrazar” la palma de oro en Cannes y me parece a mí que se va a tener que conformar con abrazar a Rossy “de Palma” (chiste fácil, lo sé), el gobierno de Zapatero parece descarrilar con miles de soluciones que son pan para hoy y hambre para mañana, queriéndose desinflar como todas aquellas promesas que Obama acaba de olvidar al continuar, esperemos que para bien, con la política judicial que comenzara Bush.

Pero para mí hay una cosa que resta importancia a todo esto. Y es que ayer hizo una semana desde que muriera la genialidad de Antonio Vega, martirizado por el cáncer de pulmón que venía sufriendo desde hacía ya muchísimo tiempo. Se pierde una de las mejores voces del panorama musical español, de una tesitura inconfundible y creadora de melodías más allá de La Movida, fuera de todo genio en la sombra.

Maldito el cáncer del siglo pasado, del que vivimos y del que vendrá que se salda, como cualquier vulgar terrorista, con la vida de Antonio Vega, y la de otros tanto desde su anonimato, aquel que se atreve hasta con los ruiseñores. Harper Lee contaba en su Pulitzer como Atticus, un “amante de los negros” aleccionaba a sus hijos huérfanos con frases como “matar ruiseñores, que sólo nos cantan y no hacen daño, es un acto malvado” y esto es lo que su hija aprende al final del libro. A todo esto vengo pues anoche, después de haber digerido la novela durante más de tres meses, decidí ver la adaptación al cine de “Matar a un ruiseñor”. El director, Robert Mulligan (el mismo de la nostálgica “Verano del 42”, experto en guiones adaptados), maneja una lectura llena de matices sobre las relaciones humanas, casi a modo de estudio antropológico. Gregory Peck, que está magnífico como Atticus Finch, mereció el único Oscar de su carrera (cuando los Oscar no carecían de sentido) y la fotografía y la música cuidades parecen ensamblar una obra maestra de la comunicación audiovisual.

El libro, que parte de una base antirracista, enfatiza la tolerancia y la condena sobre los prejuicios raciales, al contrario ha podido ver campañas en su contra para prohibir su comentario en escuelas públicas. A menudo su concienzuda buena moral ha sido cuestionada por usar epítetos racistas, en los que los lectores del momento de raza blanca reaccionaban con benevolencia ante las cuantiosas moralejas que deja su lectura, mientras que los de raza negra se sentían ofendidos. Para los interesados, existe un artículo magnífico de Paul Harris en The Guardian (http://www.guardian.co.uk/world/2006/feb/05/books.usa) que enlaza la vida de Harper Lee con Truman Capote, su mejor amigo, y desemboca (el artículo es de 2006) en la interesante película “Capote” con Philip Seymour-Hoffman. Truman Capote volvió a retratar en “A sangre fría” la endiablada marca de agua que subyace en el subconsciente humano. Esta historia de asesinato y venganza fue la última que escribió con mejor suerte que otras y que lo delegó para siempre a la izquierda del padre.

Y es que ya lo decía Plauto, que el hombre es un lobo para el hombre, tanto para los demás como para sí mismo, ya que la autodestrucción parece estar condenada a vivir en nuestras cadenas de ácido, dormida hasta que se despierta.

CRÍTICA: La vergüenza

2009-05-13T03:51:00.000-07:00

El pasado viernes no demasiado tentados por la poco sugestiva cartelera del momento, fuimos a la zona de la Plaza de los Cubos (cines Princesa, Golem y demás) y la única película que nos llamó la atención era “La vergüenza”, premiada como mejor película en Málaga. Vaya, una película española en la cartelera con pinta de ser seria (también lo pensé de “Un buen hombre” y me llevé un buen disgusto). No me equivocaba, es una película estupenda, que viene a demostrar que cuando el cine español se lo toma en serio y hace bien su trabajo lo hace muy bien.

David Planell, el director, viene del mundo del corto y eso se nota bastante en su primera cinta. Acostumbrados los cortometrajistas a una única idea que plasmar en pocos minutos, Planell se veía ante la tesitura de contar algo más que un pensamiento, dotar a los protagonistas de una profundidad que al menos durara más de una hora y de dar vida a un guión que se pudiera sostener por sí mismo durante lo que dura un largo. Y lo consigue, sobre todo gracias a unos actores magníficos, un poco teatral Alberto San Juan y desmesurado en su bis cómica (esa que le dio la fama y por la que mucha gente le conoce) y la comedida Natalia Mateo, que ya me sorprendió en la irregular “El patio de mi cárcel”. También deslumbra la actriz peruana Norma Martínez, todo una star en su país (había trabajado con Meg Ryan en "Prueba de vida").

La historia podría haber ido por los caminos habituales del tema de la adopción, pero opta por centrarse en aquellas adopciones minoritarias de niños mayores de 8 años, que son realmente complicadas. Muchas de ellas llegan a buen puerto, y muy pocos sucumben ante el alto grado de responsabilidad que esto requiere. Planell se centra en estos últimos. A partir de esta premisa el director se vale para contar mentiras escondidas dentro del matrimonio, la cruda realidad de los que trabajan como asistentes sociales e incluso (spoiler) regalarnos una media sorpresa con el personaje de Norma Martínez (acaba spoiler).

¿Qué defectos tiene? Que algunas veces, fuera de tono, los puntos cortantes y cómicos de San Juan resulten chocantes y la gente ría, confundiendo humor con drama, y ante todo, esta película asume con claridad el tono dramático de la historia que cuenta. Seguramente no se tendrían que haber subrayado estos momentos, sino dejarlos fluir con naturalidad. Aún así, esos tres o cuatro puntazos graciosos del personaje de San Juan dan agilidad y permiten cierto respiro en el espectador, le permite descargar.

Otro problema es la falta de práctica con el largo. A medio camino parece que la historia no avanza, y descompensa el minutaje dedicado a los padres con el que dedica a la historia del niño y su cuidadora. Al borde de la elipsis argumental consigue salir bien parado, por los pelos. Una salida de tono de este estilo hubiera desentonado con la línea de continuidad en casi tiempo real de la película.

LO MEJOR:
- Que todo ocurra en un día.
- La veracidad de los sentimientos de la pareja protagonista.
- Norma Martínez asumiendo la pesada carga de su pasado culpable, estupenda.
- El guión (no en vano fue también premiado en la pasada edición del festival de Málaga).
- Evita casi todos los tópicos sobre la adopción.
- La complicidad con los espectadores es brutal. La historia engancha.

LO PEOR:
- Los momentos efectistas hacen que los actores pierdan el rumbo.
- Que a muchos molestará el factor sorpresa que esconde la película.
- Alguna trama que adolece de falta de interés (por ejemplo, el bullying a consecuencia de la inestabilidad de un infante adoptado) si la historia quiere centrarse en los padres.
- (Spoiler) ¿Por qué todo se resuelve cuando el agua vuelve a fluir por las cañerías? Metáfora demasiado fácil por lo que todo vuelve a su cauce (Acaba Spoiler).

Nota: 8/10

SITIOS DE CINE: filacritica.com

2009-05-12T04:21:00.001-07:00

Desde ya, para todos los cinéfagos, existe un nuevo sitio web dedicado al séptimo arte llamado “Filacritica”. En ella podrás votar las películas que vayas viendo (seguramente llegará un punto que no veas una película que no pienses instantáneamente qué nota le vas a dar en Filacritica), enterarte de las últimas noticias sobre el mundo del cine, estar al tanto de los estrenos semanales, leer críticas sobre tus películas favoritas, que ya hayas visto o tengas pensado ir a ver.

Además, lo que hace realmente interesante este sitio es la posibilidad que te ofrece para crear una verdadera red social dándote espacio para colaborar con tu propio blog.

¿Qué más te ofrece este sitio? Suscribirte a su newsletter y poder así recibirlo en tu buzón de correo electrónico, permite publicitar en él, búsqueda de películas a partir de una base de datos alfabética, etc.

¿Y donde está todo esto? En http://www.filacritica.com/

DOCUMENTAMADRID 09

2009-05-05T04:35:00.000-07:00

El pasado 1 de mayo (y hasta el día 10 del mismo mes) empezó una nueva edición de “Documentamadrid”, festival internacional en Madrid, dedicado exclusivamente al cine documental y que tiene como finalidad potenciar este tipo de género en ocasiones marginado. El pase de prensa de presentación del festival tuvo lugar en la plaza de la Paja, por parte de Alicia Moreno, Delegada de las Artes, y Antonio Delgado, director del festival (ambos en la foto).

Todos los premios a los que pueden optar los documentales que se han presentado este año, así como la agenda, pases, tertulias, información por día y sede, venta de entradas etc., se puede consultar desde la web: http://www.documentamadrid.es/

Las proyecciones de los distintos documentales se proyectaran en distintos emplazamientos como el Ateneo de Madrid, varios de los cines Renoir, la Filmoteca Española (cine Doré), etc… estos emplazamientos suelen conservar el precio de las entradas, por ejemplo para acudir a la Filmoteca Española los precios siguen siendo los de siempre (2.50 euros general, 2 euros con descuento con carné de estudiante. En el resto de lugares (Casa de América, Casa Árabe, Instituto Goethe, etc… (mejor mirar la agenda de proyecciones)) la entrada es libre hasta completar el aforo.

Para abrir boca, el programa para hoy:
http://www.documentamadrid.com/programa.php?fecha=2009-05-05
de entre los que pinta muy bien el largo “El último guión: Buñuel en la memoria”, de Gaizka Urresti y Javier Espada, en el que se hace un “Recorrido por la vida de uno de los más importantes cineastas y pensadores de la historia del siglo xx. Luis Buñuel, de la mano de Juan Luis Buñuel, su primogénito, en compañía de Jean Claude Carrière, guionista y amigo. Un viaje que comienza en su Calanda natal, continúa en Zaragoza, Madrid y Toledo, París, antes de saltar a Nueva York y Los Ángeles, y termina en México. El espectador es invitado al grato privilegio de sumergirse en estas conversaciones íntimas entre ellos dos y con otros amigos en las que descubrimos historias previamente recogidas en el libro de memorias Mi último suspiro, junto a otras contadas por primera vez”.

CRÍTICA: Al final del camino (por Oscar Alemany)

2009-05-01T07:34:00.000-07:00

Como de vez en cuando, una crítica de mi amigo Oscar. "Al final del camino" tiene muy buena pinta, es la última película del, parece ser, a partir de ahora, la nueva pareja cómica del cine español, pues Malena Alterio y Fernando Tejero tienen confirmada otra película juntos(esta vez de un tono más dramático aunque aún así comedia) para finales de año, "Cinco metros cuadrados", de Max Lemcke (el mismo que nos dejó la buenísima Casual Day).

AL FINAL DEL CAMINO
Por Oscar Alemany

ARGUMENTO

Nacho (Fernando Tejero) es fotógrafo, Pilar periodista (Malena Alterio). Se odian. Sin embargo, tendrán que hacerse pasar por una pareja para realizar un reportaje sobre Olmo (Diego Peretti), un gurú que resuelve las crisis de pareja haciendo el Camino de Santiago. Durante seis días de viaje a través de Galicia, se verán envueltos en todo tipo de situaciones absurdas, delirantes y románticas.

LO MEJOR DE LA PELÍCULA

-Su mejor virtud reside en su sencillez. No se complica para entretener un buen rato al espectador.

-Malena Alterio, por supuesto. Aunque esto no es nada nuevo, porque en cada largometraje que interviene, termina por llevarse toda la atención del espectador.

-Javier Gutierrez.Cada día me gusta más este actor. Le veo como mucha versatilidad.

-El tramo final del film, con “El juego de las vendas” Mucha imaginación de labuena , para acabar con buen sabor.

-La química Alterio-Tejero. Sin lugar a dudas, la pareja cómica del cine español.

LO PEOR DE LA PELÍCULA

-Su tufillo televisivo

-Sin duda los personajes de Antonio y Bea. Chabacanos, con un guión poco trabajado y con interés absolutamente nulo.

-Que aparte de la historia central , la protagonizada por Alterio-Tejero, las demás historias carece de cualquier interés, salvo momentos muy puntuales.

-Le sobra la repetición de argumentos en algunas escenas, terminan por pasar factura y le falta algo contar algo más sobre el camino de Santiago.

ESCENAS DESTACABLES

-La primera escena de Malena Alterioy su novio oficial, Arturo (Luis Callejo). Divertida, describe claramente como los tíos somos capaces de cambiar el sentido de una discursión.

-La cena de “No soy perfecto” , de los mejores momentos de la película.

-La limpieza de dientes. Nunca hubiera imaginado que limpiarse los dientes diese tanto placer.

CONCLUSIÓN

Vuelvo a repetir el camino de Santiago, y no porque lo haya hecho alguna vez, sino por la temática de la película. Hace poco vi “Peregrinos”, cuyo eje central también era la vivencias alrededor del camino.

“Al final del camino” no esconde nada, tras su tráiler. Es decir uno no puede sentirse decepcionado al verla, porque lo que se ve es lo que prometía el director, es decir una comedia sencilla, sin ninguna pretensión de ser transcendental, con un aire televisillo que no se lo quita nadie, con un presupuesto mínimo, y con ganas de hacer pasar un buen rato divertido, que en la mayoría de ocasiones lo consigue.

Nota:6.3/10

WEB OFICIAL:

www.alfinaldelcamino.com/html/index.html

CRÍTICA: Un buen hombre

2009-04-29T00:24:00.000-07:00

Juan Martínez Moreno presentó ayer para los socios del Club Renoir, en los Roxy A de la calle Fuencarral en Madrid, su segunda película “Un buen hombre”. Al principio, como casi todos los preestrenos que son presentados por el equipo de la película, íbamos a ver “Un buen hombre” en los Roxy B, y al llegar resultó ser que dejaron ese cine para aquellos invitados (sobre todo amigos de los actores, entre los que pude ver, María Pujalte y Javier Cámara a la entrada del cine) y simultáneamente en los Roxy A proyectarían la película para los socios de los cines Renoir, supongo que sería por el aforo de estos cines, aunque nuestra sala poco se llenase.

Eso sí, antes de empezar la película, el director y todos los actores principales (Tristán Ulloa, Emilio Gutiérrez Caba, Nathalie Poza, Noelia Noto y Jorge Ricoy) aparecieron para hablarnos un poco de “Un buen hombre” y luego se marcharon a los otros Roxy. Se apagan las luces y empieza la prometedora película carnaza de algún Goya…

Un muy buen comienzo, austero, prometedor, conciso e impresionante. Qué lástima que luego el guión fuera haciendo aguas hasta componer una película infantil, llena de tópicos e insuficiente. Los actores no han compuesto mal sus personajes, tan sólo parece ser que la dirección es bastante floja, ni siquiera la personalidad de Vicente, el personaje de Ulloa, parecía haberse encontrado entre tanta carga psicológica, que la hay y mucha. El único que me convenció, y tan sólo en la primera media hora, fue Gutiérrez Caba, dando miedo y pena a la vez.

No voy a hablar de lo que cuenta la película (aunque debería, viendo que las sinopsis que corren por Internet están casi todas equivocadas y confunden los personajes, en concreto los papeles de Nathalie Poza y Noelia Noto), pero sí que diré que trata, y esto es fácil de adivinar por el título de la película, de lo mismo de siempre: un hombre semi-obligado a cuestionar su propia moral y la dicotomía idiosincrática que de ahí se resuelve. Para un planteamiento tan bueno, la película pierde toda su fuerza en una escena hacia la mitad del metraje, donde parece más bien que el director confunde la seriedad de lo que está contando con un cuento moralista para niños. ¿Y qué pasó? Que gran parte de los que estábamos en el cine reímos ante lo que estábamos viendo. Diálogos imposibles, psicología de andar por casa, reacciones totalmente previsibles y giros argumentales al antojo de la producción.

LO MEJOR
- Emilio Gutiérrez Caba y, en algún momento contado, Tristán Ulloa.
- La escena que desencadena todo, magníficamente filmada, y desde un ángulo del todo acertado.

LO PEOR
- El resto de actores, que sucumben por culpa de un guión fallido.
- El desenlace de la historia.
- ¿Por qué está siempre lloviendo? ¡Que en Galicia también puede hacer sol!
- El interés se pierde por completo a la media hora, una vez que (Aviso Spoiler) Gutiérrez Caba se alía con Ulloa… vamos “dos tipos duros” (Acaba Spoiler).

NOTA:
3.5/10

Festival de Málaga de Cine Español 2009

2009-04-27T01:10:00.000-07:00

El pasado sábado día 25 se dieron a conocer los premiados en esta duodécima edición del festival de cine de Málaga, presidiendo el jurado Álex de la Iglesia, acompañado por Rubén Ochandiano, Emma Suarez, Lucía Etxebarría, Juan Madrid y Sergio Cabrera.

BIZNAGA DE ORO MEJOR PELÍCULA DOTADO (que se llevó 30.000 EUROS)
La Vergüenza, de David Planell
BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
El niño pez, de Lucía Puenzo
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Mar Coll, por Tres días con la familia
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ PREMIO NESPRESSO
Nausicaa Bonnín, por Tres dias con la familia
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR ACTOR
Eduard Fernández, por Tres días con la familia
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Toni Acosta, por 7 Minutos
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR ACTOR DE REPARTO
Sancho Gracia, por 7 pasos y medio

Además Asier Etxeandía recibió el premio al mejor nuevo valor del cine español, la biznaga de plata al mejor guión fue para "La vergüenza" de David Planell, y, como era de esperar, "Fuga de Cerebros", sí, esa españolización de películas tipo "American Pie" y demás, se llevó el premio del público. Vaya, y yo que me espera que se lo llevara "Mentiras y Gordas" para ver contenta a Ángeles-Sinde.

El resto de palmarés en: http://www.festivaldemalaga.com/2009/prensa_noticias.php?id=360

Y para una buenísima cobertura del festival, os podéis pasar por http://www.actualcine.com/, web de Oscar Alemany, donde Fran Molina ha ido dedicando exhaustivos comentarios del día a día en el festival.

CRÍTICA: Déjame entrar

2009-04-23T02:31:00.000-07:00

Me ha vuelto pasar, he vuelto a leer cosas sobre una película antes de ir a verla, y claro, uno corre el riesgo de enterarse de cosas que no quiere saber. Reconozco que si hubiera ido a ver “Déjame entrar” (acertado título) sin saber nada de nada me hubiera gustado aún mucho más. Aún así me ha parecido una experiencia en cine que hacía tiempo que no tenía. Películas que me dejen absorto durante casi dos horas las hay muy pocas, y ésta es una de ellas. Disfruté de lo lindo viendo a algunos de la sala sorprenderse con la historia, pues no sabía nada de nada y, ay, ¡como les envidié!.

Intentaré no desvelar mucho de esta película, sólo lo necesario para que atraiga. El viernes pasado, justo el día de su estreno, nos fuimos al cine y “Déjame entrar” era la única que me podría interesar, últimamente la cartelera no da para mucho (bueno, tengo ganas de ver “Man on wire”, pero nada más). A todo esto, una cosa importante: sólo había una copia de esta cinta y era en los Renoir de Plaza España, además, no es que este cine sea para tirar cohetes: dentro de los Renoir es el peor de todos, con un sonido bastante malo, la pantalla pequeña y tan cerca de nosotros que no sé como hubo gente que osó ponerse en las primeras filas.

“Déjame entrar” es una película sueca, del semidesconocido Tomas Alfredson (me parece que este es su cuarto largometraje), que ha sido multipremiada y que ha gustado a casi todo el mundo que la ha visto. No es una cinta fácil de encajar en algún género cinematográfico. ¿Terror? No, al menos lo que yo entiendo como terror no hay, eso sí, deja un angustioso malestar en el cuerpo en alguna de sus escenas. ¿Amor? Sí, hay amor, pero un amor extraño, como el de “Punch Drunk Love” o incluso, me atrevo, el que se muestra en “Suspense” (con Deborah Kerr, magnífica), sí, justo ese tipo de amor, un amor imposible, hiriente, tabú. ¿Drama? Cuanto menos, y esta parte es la peor llevada (Aviso Spoiler), pues me sobran esas escenas paternofiliales que no llevan a nada, que no hacen avanzar la historia (supuesta homosexualidad del padre, supuesta también incompresión por parte de la madre, en el tópico de siempre). Y el tema estrella, el mejor llevado de todos, la parte más interesa: el acoso escolar y su desenlace (acaba Spoiler).

“Déjame entrar” contiene escenas bellísimas, espléndidamente gélidas y cuenta con un tempo narrativo pausado e inquietante; aún pienso en algunas escenas (como la final) prodigiosamente filmadas, ya para la posteridad del cine fantástico. Mientras veía las escenas más duras, aquellas que sin piedad retratan las pulsiones de la pequeña visitante, me daba cuenta de lo necesario de ser filmadas sin música, apenas con sonido ambiente, para lograr alcanzar ese efecto de desasosiego en el espectador. Más una película vista que “leída” supongo que el guión de “Déjame entrar” sobre el papel no valdría para ser transformado en una novela; esta película bien se podría visionar sin ningún sonido y nos enteraríamos igualmente de todo lo que está pasando (aquí se hace patente su innegable fuerza visual).

LO MEJOR
- El trabajo de los dos pequeños, Kare Hedebrant yLina Leandersson (Oskar y Eli en el film), magnífico.
- (Spoiler) La escena final en la piscina y la escena en que la niña da muerte a su amante (acaba spoiler).
- Las partes realistas no desentonan con las fantásticas, se funden entre sí prodigiosamente. Es muy complicado que nada chirríe demasiado, y lo consigue.
- El toque ochentero de la película.
- Las reacciones adultas de Eli en contraste con la visión infantil del amor del Oskar.

LO PEOR
- Un par de escenas con los padres del niño como personajes secundarios, parecen de relleno y se nota.
- Algún error que otro de montaje, quizá más bien de continuidad (concretamente el maquillaje).
- Que tan pocos cines en Madrid la hayan estrenado.

NOTA:
9/10

CINE Y LITERATURA: La noche de los libros, en Madrid

2009-04-22T04:04:00.000-07:00

Mañana, como todos los años desde hace cuatro, Madrid celebra la llamada “La noche de los libros”, una iniciativa de la Conserjería de Cultura, Deporte y Turismo de la Comunidad de Madrid, en la que, desde primeras horas de la mañana hasta entrada la medianoche, siempre suele ser hasta la una de la madrugada, se celebrarán diversas actividades para celebrar el Día Internacional del Libro. Las librerías realizarán un 10% de descuento en la compra de libros y más de 400 escritores (artistas, músicos, etc.) participarán en las actividades programadas (también más de 400).

¿Y qué tiene que ver esto con el cine? Por parte de la Filmoteca Española, en el cine Doré concretamente, se proyectarán una serie de cortos bajo el nombre “Cortos como cuentos”, de directores tales como Daniel Sánchez Arévalo y Javier Fesser. También, en la Casa Encendida, se proyectará la película “Honor de Caballería” de Albert Serra, de 2006, una versión libre de El Quijote que pinta interesantísima en cuanto que presenta un cine arriesgado en plan marciano.

Cine Doré
Calle Santa Isabel 3, Madrid
Cortos como cuentos
22:30h • En camas separadas, de Javier Rebollo
Traumatología, de Daniel Sánchez Arévalo
Ponys, de David Planell
Llévame a otro sitio, de David Martín de los Santos
Aquel ritmillo, de Javier Fesser

La Casa Encendida
Ronda de Valencia, 2
22:00h • Honor de caballería de Albert Serra

Un consejo para los que se acerquen: “a quien madruga Dios le ayuda”, y lo que digo no es tontería. Suele pasar como en “La noche de los teatros” o “La noche en blanco”. Todo el mundo sale de sus madrigueras ávidos de hacer, ver, degustar, oír y/o escuchar cualquier cosa, y por tanto las colas que se forman son de campeonato.

CINE Y REALIDAD: Réquiem por Columbine

2009-04-21T05:54:00.000-07:00

10 años han pasado ya desde que tuviera lugar la matanza de Columbine. En ella, Eric Harris y Dylan Klebold, estudiantes del instituto Columbine, en Littleton (Colorado) armados de arriba abajo (dos escopetas recortadas, una carabina semiautomática de 9mm., y una subametralladora TEC-9), tardaron 49 minutos en acabar con la vida de 12 de sus compañeros y uno de sus profesores.

Otras tantas hazañas como esta han ocurrido en el mundo desde entonces, pero quizá fue ésta, que dañó enormemente a la sociedad del bienestar norteamericana haciendo que se replanteara el sistema de control de armas y la educación social de sus futuros adultos, la detonante de una serie de cintas interesantes que el cine retrató en su memoria (recuerdo, por ejemplo, el atormentado y lunático personaje de De Niro en “Taxi Driver”).

De todas estas cintas, el documental “Bowling for Columbine” que Michael Moore filmó en 2002 fue el azote de los estadounidenses. En ella se trataban con cierto aire crítico y punzante temas como la venta ilegal de armas en Estados Unidos y el fácil acceso a ellas sin demasiadas restricciones por parte de los más jóvenes, cada cuanto con algunas pinceladas sarcásticas del imposible sueño americano. Además contaba con apariciones “estelares” de numerosas personalidades de esta sociedad; de ellas, la más recordada, la entrevista que Moore hiciera a Charlton Heston, presidente por aquel entonces de la Asociación Nacional del Rifle (NRA), en la que desmontaba toda la base ideológica de pacotilla que los asociados habían construido en pos del uso de armas aparentemente justificado.

Un año más tarde, Gus Van Sant, director irregular, presentaba “Elephant”, algo así como un pseudo-documental, con muy buenas intenciones pero al que (y en esto no coincido con la mayoría, no en vano fue Palma de Oro en Cannes) la pedantería del estilismo formal que Van Sant imprimió acabó matando. “Elephant” hubiera sido una joya como corto, pero le sobran muchos minutos que no dicen nada.

¿Realidad antes y ahora? Hace ocho años, las encuestas revelaban que un 54 por ciento, estaba a favor de una legislación más estricta. Hoy en día, este apoyo no llega al 40, según la cadena estadounidense CNN, a partir de una encuesta realizada la semana pasada. La consciencia social parece ser que se está apagando, y a mí personalmente, no me gustaría volver a ver cintas como “Bowling for Columbine” o “Elephant” en las pantallas. ¿Es que tanto necesitan un buen pellizco, uno que haga sangre, para que el sueño acabe?.

Dejo aquí un artículo, un poco “amarillista” pero interesante, que ayer publicó la CNN sobre algunos mitos acerca de todo lo que pasó en Columbine:
http://www.cnn.com/2009/CRIME/04/20/columbine.myths/index.html
Ojo, que ofrece hasta la posibilidad de hacer un test para probar lo que sabes del tema. Lo más de lo más, vaya.

CINE Y LITERATURA: Presentación en Barcelona de los libros "EL CELULOIDE ROSA" y "MIRADAS INSUMISAS"

2009-04-17T00:41:00.000-07:00

Como ya comenté en un post bastante anterior, mi primo Javier García Rodríguez ha publicado para ediciones La Tempestad, "El celuloide rosa", un libro casi a modo de manual de referencia por su estructura más o menos cronológica, en el que hace un extenso e interesantísimo repaso al cine de temática homosexual, y que se presentará mañana en la librería Antinous (especializada en esta temática) de Barcelona.

Se presentará también "Miradas insumisas" de Alberto Mira, que nos aproxima, como el anterior, a la historia del séptimo arte homosexual con una cierta mirada hacia las fantasías homoeróticas que emanan de éste.

Presentación de los libros:
* "EL CELULOIDE ROSA" DE JAVIER GARCÍA RODRÍGUEZ
* "MIRADAS INSUMISAS" DE ALBERTO MIRA
SÁBADO 18 DE ABRIL A LAS 19.30h
LIBRERÍA ANTINOVS
C/ JOSEP ANSELM CLAVÉ, 6, 08002, BARCELONA

Os animo a los que podáis acercaros que lo hagáis, seguramente sea muy interesante. Además, por lo que recuerdo de Antinous, el trato es fenomenal y el local tiene al fondo un café donde seguramente tenga lugar la presentación-coloquio.

Una guionista en los mares del sur

2009-04-16T00:44:00.000-07:00

La que se ha montado con la elección de Ángeles González-Sinde como nueva ministra de cultura. Y no es para menos pues para muchos “piratas” que circulan por la web es poco menos que el Anticristo, viendo por ejemplo un mensaje que en la red social twitter dejaba un usuario: “Excelentísima Ángeles González Sinde = SGAE leído al revés”, vamos como esos mensajes satánicos que aparecen en algunos discos cuando se les hace un reward.

A mí, personalmente, como cineasta, nada que discutir: “Una palabra tuya”, película que dirigió hace un año, con Malena Alterio y Esperanza Pedreño, me convenció. Como guionista puede que no, ahí está el guión de “Mentiras y gordas” (habrá que verla o leerla quizá).

Su nuevo puesto de trabajo, después del de directora, guionista, directora de la academia del cine español, ha sido tomado como un chiste por muchos medios. Me quedo con el que me ha parecido más directo y brutal, hablo del titular que Caspa.tv le dedicó: “Una radical en el ministerio de Cultura”, artículo que venía a decir más o menos que la lucha contra la “destrucción creativa” empieza en la búsqueda de nuevos anclajes de políticas innovadoras en lugar de perseguir a los que han optado por saltarse las barreras creadas por la industria.

Es el mismo debate de siempre. ¿Está bien saltarse la ley cuando es por una causa objetiva, y más ahora en momentos de crisis? (que si cánon por aquí, que si IVA por allá). ¿Qué es más delito, la imposición de tasas e impuestos que no nos han preguntado o robarle el dinero (bueno, dinero que dejan de ganar más bien dicho) a los artistas que nos entretienen con sus creaciones?.

Ángeles González-Sinde es una firme detractora de las descargas P2P, y a éstas culpa de la desgraciadas cifras del cine español. A mí sí que hay cierto cine español que me gusta pero casi siempre es el que no llega a las pantallas más comerciales, que se quedan en circuitos de festivales o más bien pasan directamente al mercado del video y DVD. Alguna vez que otra se cuela en las pantallas agradables sorpresas como “La Soledad” que, vaya, casualmente después del Goya a la mejor película todos repudiaban y antes de ser premiada alababan. Pero en general, y está a pie de calle la opinión pública sobre el cine español, la calidad dista mucho de otros cines que nos llegan desde fuera.

En definitiva no creo que la culpa de la calidad del cine esté en la creciente piratería… ¿falta de dinero? ¿dinero que se pierde por culpa de las descargas y por no vender los suficiente? Pues entonces subimos el cánon y ya está, así ya tenemos para financiar esas tres o cuatro películas de las tres o cuatro distribuidoras más importantes que se llevan todo el queso del mercado. Si ese dinero fuera a parar a manos de buenos guiones, pienso yo que otro gallo cantaría. ¿No será que si se piratea es más por falta de interés en lo que se puede llegar a comprar?

LA FIEBRE DEL 3D

2009-04-14T03:30:00.000-07:00

Steven Spielberg y Peter Jackson se unen para componer la trilogía de “Tintín” de modo virtual, Jackson así deja paso a Guillermo del Toro para que termine de rematar en 3D “El Hobbit”, James Cameron lleva años preparando su “Avatar” (las obsesiones no son buenas, pero al menos queda el intríngulis de ver éstas en 3D) y Tim Burton, que hace poco anunció que dirigía “Alicia en el País de las Maravillas” también ha proclamado su gusto por esta tecnología. Esto es lo que proclamaba hace un mes el periódico gratuito ADN en su versión digital.

Recuerdo que la última película que vi en el cine siendo un hombre pegado a unas gafas bicolores fue “Bolt” y más bien el cartón sólo era necesario para la escena del comienzo, para el resto sobraban y más bien hasta molestaban pues no aportaban nada a la trama y para los que sufrimos de astigmatismo, hipermetropía, o alguna otra afección ocular, nos mataban los ojos, que nos pedían Vispring a la salida. Antes ya había visto una tontería de esas de “Spy Kids” y acabé igual de dolorido, y ahora mismo no se me quita la gusa de ir a ver “Monstruos Vs Alienígenas”.

Haciendo un poco de historia, “El león Bwana” fue la primera película que entró al mercado en 3D en 1952. En ella, un feroz ejemplar africano saltaba de la pantalla, provocando un aullido de terror entre los espectadores. Un año más tarde, la Warner Bros presentó “Crímenes en el museo de cera” (en la foto), con Vincent Price, que recaudó en taquilla 23.5 millones de dólares (casi 250 millones de dólares actualmente).

Al parecer antes la crisis el cine en 3D resulta más que rentable y por eso se afianza aún más su dirección hacia el cine del futuro. En 2008 las películas en 3D generaron en su conjunto más ingresos en su primer fin de semana que los convencionales, y, se espera que este tipo de cine recaude en taquilla en 2009 más de 1.000 millones.

Nos preguntamos entonces si, como toda apología fuera del hogar, esta nueva tecnología acabará también en nuestras casas, y acabaremos adoptándola como animal de compañía, haciéndose imposible pensar ver una película sin vestir esas gafas que, por supuesto, irán cambiando de modelo, aumentando en prestaciones (me imagino algún que otro botón en las patillas que nos permita rebobinar y avanzar la película a nuestro antojo). Sería modernísimo, lo más de lo más, pero también pienso que quizá sería algo de lo más inútil. De momento, por ejemplo, sin contar toda la invasión de cine en 3D que nos va a llegar, recordemos que Sony tenía previsto este año dotar a su consola de la posibilidad de trabajar con vídeos y juegos en 3D, un paso más hacia la utopía.

CRÍTICA: Señales del futuro (por Oscar Alemany)

2009-04-13T14:00:00.000-07:00

De parte de mi amigo Oscar, el cine nos vuelve a traer una de catástrofes. Hacía tiempo que los guionistas no castigaban un poquito a la Tierra inventándose su posible final y el héroe dispuesto a salvarla, en este caso, Nicolas Cage, una de sus supuestas bazas (a quien le guste claro, y, como yo, huya de todo prejuicio). Ahí va:

ARGUMENTO

Un profesor de astronomía viudo(Nicolas Cage) abre una cápsula del tiempo que ha estado enterrada durante años en el colegio de su hijo.
En ella encuentra predicciones escalofriantes, algunas de las cuales ya han sucedido mientras que otras aún no. Poco a poco, empieza a darse cuenta de que ése descubrimiento no es casual y que él y su familia juegan un papel fundamental en los importantes acontecimientos que están a punto de producirse....

LO MEJOR DE LA PELÍCULA

-Desde un principio engancha.La intriga se apodera poco a poco del espectador, hasta cubrirlo con el manto de la curiosidad.
-Tras la dirección se esconde un nombre, Alex Proyas, que siempre aporta algo nuevo en sus films de ciencia-ficción. Sinónimo de ver algo diferente.
-Unos muy buenos efectos especiales, que dotan un gran realismo en escenas realmente difíciles.
-Un buen Nicolas Cage, remontando el vuelo de sus últimos films.
-Una banda sonora que en todo momento acompaña a las imágenes y que no toma mayor protagonismo del que le toca.

LO PEOR DE LA PELÍCULA

-Estoy de acuerdo en que el final no es lo mejor. Demasiado fácil la resolución.
-Que los muy buenos efectos especiales no se prodiguen más.
-El no existir otro personaje lo suficientemente fuerte, aparte del de Nicolas Cage, hace que este caiga en la saturación.
-Como en casi todos los films de ahora, las historias secundarias que desembocan en la principal, adolecen de originalidad.

ESCENAS DESTACABLES

-La pizarra, y las claves de la numeración.
-La caída del avión. Impactante.
-El bosque de al lado de la casa.

CONCLUSIÓN

La verdad es que no iba demasiado convencido al cine a ver “Señales de futuro”, pero es que no había gran cosa que me apeteciera de la cartelera . Un sábado por la noche no es el día más idóneo para una película de las que te hagan sudar las neuronas,y a pesar que los últimos films de Nicolas Cage no hacía mucho por que pagará mi entrada, al final me decidí, y gracias que al menos no los di por perdidos.

Para disfrutar de “Señales de futuro” hay que ir con la mente abierta y saber que se trata de un film de ciencia ficción catastrofista, donde casi todo vale.

El film que trata uno de los mayores anhelos de la humanidad, predecir el futuro, transcurre de un modo bastante ligero y ameno para el espectador, a quien el director va dando las dosis necesarias de suspensepara adentrarlo en el film.

ALGUNOS TÉRMINOS CINEMATOGRÁFICOS

2009-04-13T00:41:00.000-07:00

¿Qué tipos de plano existen? ¿Qué significa “raccord”?... hay muchas palabras que se usan constantemente en el cine que siempre hemos escuchado y que nunca hemos acabado de comprender del todo. Aquí dejo unas cuantas deficiones:

ACCIÓN ALTERNA: Forma de montaje que presenta dos secuencias que se alternan de manera simultánea a medida que progresa la acción, haciéndola evolucionar.

ACCIÓN CONTINUADA: Manera de hacer progresar la narración fílmica sin interrupciones ni saltos detrás.

ACCIÓN PARALELA: Presenta de manera alterna lo que está sucediendo en dos o más escenas diferentes dentro de la misma acción, y que o bien se complementan o bien la una puntúa a la otra.

ATREZZO: Conjunto de instrumentos, herramientas y todo tipo de objetos que se usan en decoración.

BACKGROUND: Fondo de un escenario o de un decorado.

BARRIDO: Paso de un plano a otro por medio de una imagen intermedia casi difusa, que resulta de un movimiento rapidísimo y seco de la cámara, de tipo panorámico.

ESCORZO: Efecto que se produce cuando un objeto o una figura humana es tomada en un gran primer plano y, por tanto, queda desfigurada a causa del encuadre.

ESPACIO: Es el determinado por el campo que toma el encuadre de la cámara.

PLANO: Conjunto de imágenes que constituyen una misma toma; es, pues, la unidad de toma. Hay de diferentes tipos según el ángulo de la cámara.

PLANO AMERICANO: Es el que muestra la figura humana desde las rodillas hacia arriba.

PLANO GENERAL: Es el que muestra las figuras y los objetos de una manera total, incluyendo la escena donde se hallan.

PLANO INCLINADO: Se obtiene cuando la posición de la cámara no es vertical.

PLANO MASTER: Secuencia que se rueda en un solo plano para presentar la continuidad de una acción y que será enriquecida con insertos.

PLANO MEDIO: Es el que muestra la figura humana, cortada por la cintura o bien a la altura del pecho.

PLANO SECUENCIA: Secuencia que se rueda en un solo plano, en una única toma, sin ningún tipo de montaje, directamente y sin interrupción, y por eso conserva las unidades espacial y temporal.

PLANO SUBJETIVO: Muestra lo mismo que ven los ojos de un personaje. A veces el plano tiene el mismo movimiento que el intérprete.

PROFUNDIDAD DE CAMPO: Espacio entre el primer término y el último que se enfocan en un mismo encuadre.

RACCORD: Enlace o continuidad de un plano a otro sin que se produzca ningún salto. Hay por movimiento, color, luz, contenido, sonido..., e incluso por combinación de algunos de estos aspectos.

TRAVELLING: Movimiento mecánico de translación de la cámara en el espacio cuando ésta se desplaza encima de un móvil o bien sobre el hombro del operador.
las líneas oblicuas abiertas hacia arriba en forma de V producen exaltación.
las oblicuas en forma de V invertida producen depresión.
las líneas circulares entrecruzadas con verticales y horizontales pueden suavizar un conjunto.

Y unas páginas interesantes para saber más sobre términos cinematográficos. En el blog de cine Ciníssimo ya está en marcha la "cinipedia" por ejemplo. Atentos también a la “wikipedia” dedicada al cine, en wikicine del séptimo arte:

http://www.cinissimo.com/cinipedia-terminos-de-cine/

http://home.snafu.de/ohei/ofd/moviedict_s.html

http://wikicine.elseptimoarte.net/Portada

http://motion.kodak.com/motion/uploadedFiles/plugins_acrobat_es_motion_newsletters_filmEss_22_GLOSSARY.pdf

CRÍTICA: La sal de este mar

2009-04-08T00:59:00.000-07:00

El conflicto árabe-israelí ha sido no pocas veces tratado en el cine desde que comenzara allá por la primera guerra mundial, le seguirían el horror del Holocausto en la segunda, la partición de Palestina (creación de Israel), la guerra de 1948 (miles de árabes se desplazaron a los Territorios Palestinos (Gaza y Cisjordania) y resto de países vecinos), y un largo etcétera hasta llegar a nuestros días, en los que está de actualidad el conflicto en la franja de Gaza.

Es en la guerra de 1948 donde se sitúa la memoria histórica de “La sal de este mar”, ópera prima de Annemarie Jacir, que ayer vimos en un pase de preestreno en los Roxy-B de Madrid. Sin contar demasiado, no me gusta desvelar nada, Soraya, nacida en Estados Unidos, regresa al país de sus raíces para reclamar lo que su abuelo le ha dejado como herencia. Allí se verá envuelta por los fantasmas del pasado y el triste episodio que vivieron en 1948 cuando tuvieron que dejar Israel (territorio judío) y exiliarse a los Territorios Palestinos.

Repleta de acusaciones políticas y humanas (dos secuencias clave, lo mejor de la película, lo atestiguan), “La sal de este mar” subraya demasiado las ideas que tiene en mente, dejando un sabor empalagoso sobre un tema demasiado manido pero siempre interesante, al menos, esperaba encontrármelo desde otro punto de vista, algo un poco más visceral y no tan didáctico. Se agradecen los pasajes explícitos (sin pudor) sobre política internacional pero saturan en cierto modo cuando los podemos tener todos los días en la sobremesa. Además, el guión funciona a trompicones, olvidándose de personajes y acusando un tempo narrativo de extrema lentitud, no ayuda mucho tampoco a salvar una película que podría haber dado más de sí.

He de reconocer que sabía bien poco sobre este conflicto y he corrido a documentarme, a saber un poco más de lo que está pasando en estas tierras, de su pasado y su ferviente futuro. Quizá por no saber demasiado del tema no logré llegar al mensaje, que seguro que lo tiene aunque muy escondido, de esta película. Tenía la sensación, como los protagonistas, de andar perdido ante tanta idea y posicionamiento político, pero lo que sí que me quedó claro es la sensación de desarraigo del pueblo palestino, del malestar que provoca el sentir que te han dejado sin pasado, robado las pertenencias y privado de esa libertad que ahora mismo se tiene (y siempre entre comillas) fuera de todo territorio que se encuentre en guerra. Y en eso, las bonitas imágenes del mediterráneo visto desde Jaffa siendo devorado por las miradas de los protagonistas, tienen mucho que decir.

LO MEJOR:
- La música. Quizá lo único virgen en estos territorios marcados por tanto movimiento humano.
- La presencia de Suheir Hammad (Soraya en la película), que en la vida real, además de su faceta artística (poeta y novelista), es una ferviente activista política. Como curiosidad, su página web: http://www.suheirhammad.com/.
- Que una película tan políticamente explícita haya conseguido salir al mercado de este modo tan contundente y más aún, parece un milagro que haya podido ser rodada en esos territorios en conflicto.

LO PEOR:
- Dura demasiado, se hace bastante lenta.
- No aporta demasiado a los que desconocemos el conflicto (no estoy diciendo que por ello se desmerezca).
- El guión, simplista y caprichoso. Personajes interesantes que se quedan en nada y situaciones inverosímiles como (spoiler) esa especie de Lago Azul a lo oriental (acaba spoiler).

NOTA: 5,5 / 10

CINE Y TEATRO: Trilogía Lorquiana en el teatro Karpas

2009-04-05T01:37:00.000-07:00

El teatro Karpas de Madrid, en la misma calle que la filmoteca (calle Santa Isabel), bajando un par de calles más hacia Atocha, llevan ya más de dos años interpretando (y dirigido por Manuel Garcedo Sama) las mejores obras de Federico García Lorca, el genial artista español, homosexual y granaíno. Unos actores espectaculares (en especial Belén Orihuela) y entregados regalan todos los fines de semana y algún jueves que otro todo su cuerpo y labia a los espectadores que acuden a verlos. Anoche disfrutamos muchísimo de “Bodas de Sangre” (en la foto, los actores del cartel), obra de 1931 que supuestamente se basa en acontecimiento real acaecido en Níjar (Almería) en 1928, se estrenó dos años más tarde en el teatro Beatriz de Madrid y que presenta como siempre en Lorca las constantes de la navaja, el cuchillo, las tragedias de la vida y de la muerte, los rencores familiares y los países secos en consonancia con el alma.

Hace un año más o menos fuimos un grupo de amigos a verlos representar “La casa de Bernarda Alba” y la obra nos fascinó. El teatro Karpas es un teatro pequeño, para nada cómodo (los asientos crujen a más no poder y dos horas, si no es por una buena obra, pueden pesar demasiado) pero de modo increíble sus butacas están literalmente a dos centímetros del escenario lo que da una cercanía entusiasta a lo que uno está viendo, sintiendo cada verso entonado resonar en tus oídos. La escenografía austera no llega a importar del todo pues la dirección de actores es tan sólida que uno olvida a veces el lugar físico en que se desarrolla la acción y sólo quedan las palabras.

Vimos anoche que van a continuar esta serie de obras de Lorca, y me pareció leer que de “Mariana Pineda” estaban tan sólo a dos funciones más. Y me apenó saber que ya no iba a poder ver “Yerma”, que tuvo una reposición en el teatro Karpas hasta este pasado mes de marzo. “Yerma” tiene una historia fascinante sobre el sentimiento materno y retrata el enfermizo y seco universo de las familias del sur de España (aunque por ejemplo en “Bodas de Sangre” se presente como una familia cualquiera del país, sabemos, por su modo de vestir, su deje y sus costumbres que se refiere a una familia andaluza) ensimismadas en su antigua retórica costumbrista y el entramado del honor familiar.

Vengo a contar esto pues el único acercamiento a “Yerma” que he tenido no ha sido ni por medio del teatro ni la literatura sino por el cine. Pilar Távora dirigió la versión cinematográfica de ésta en 1999, con Aitana Sánchez-Gijón y Juan Diego (lo mejor de la película con diferencia). La película, algo plástica, lineal, se queda floja en sus largos 100 minutos, sólo brillan los actores y un final poderoso, conciso como el corte de una navaja, como todos los finales shakesperianos de las obras de Lorca. Y es por eso que tengo tantas ganas de verla representada. Con “Yerma”, habiendo visto “La casa de Bernarda Alba” y “Bodas de Sangre” cerraría lo que se conoce como la “trilogía lorquiana” de tragedia rural poética.

Otras referencias cinematográficas:

Bodas de Sangre (1938) de Edmundo Guibourg
Bodas de Sangre (1981) de Carlos Saura
La Casa de Bernarda Alba (1987) de Mario Camus

http://www.karpasteatro.com/
Entradas en el mismo local o por:
http://www.atrapalo.com/
http://www.entradas.com/

CINE Y LITERATURA: "Where the Wild Things are" de Maurice Sendak

2009-04-01T02:58:00.000-07:00

Acabo de enterarme de una noticia que me ha ilusionado. Y es que por lo visto Spike Jonze (el mismo de "Cómo ser John Malkovich" y "Adaptation"), va a trasladar esta historia infantil al cine.

Recuerdo cuando de pequeño, en la sala infantil de la biblioteca leí con 6 o 7 años este libro por primera vez. Fui el rey por una tarde, el rey absoluto de una isla tenebrosa, me puse un disfraz aterrador para que nadie más pudiera gobernar más que yo, en mi paraíso particular, allí donde viven los monstruos...

Me regalaron el libro estos reyes pasados (gracias!) y las ilustraciones me siguen pareciendo alucinantes. Recuerdo que lo encontré en una librería de antigüedades, en su primera edición!!, en Edinburgo, y estuve a punto de comprarlo si no fuera porque pedían nada menos que 200 libras. Estoy deseando ver la películas, según dicen, en diciembre de este año... de momento para aquellos que también tienen esa ilusión (eh, Alfonso) aquí dejo el tráiler:

Más información:

http://en.wikipedia.org/wiki/Where_The_Wild_Things_Are

CRÍTICA: Gran Torino

2009-03-31T15:11:00.000-07:00

Siempre me pasa igual cuando salgo del cine (esta vez de los Renoir Princesa) después de haber visto una película de Clint Eastwood, me cuesta volver a la realidad. Su tempo narrativo es el mismo en todas las películas y éste en verdad me deja medio hipnotizado. Y es que además casi siempre salgo pensando lo mismo (excepto con “El intercambio”, esos terribles primeros planos de Jolie tienen la culpa): he visto una buena película, con más o menos aciertos, con algunos excesos y licencias, un personaje secundario que otro no muy bien resuelto, pero al fin y al cabo una buena película. "Gran Torino" lo es.

La primera crítica a la que me enfrenté la tachaba de ser una película menor dentro de la filmografía de este casi octogenario director (¡qué vitalidad cinematográfica!). Y puede que sea así, claro está si la comparamos con películas que a mí me marcaron de un modo u otro como “Los puentes de Madison” y “Million Dollar Baby”, pero para nada creo que se la pueda considerar como menor. Tiene mucha miga dentro y no es culpa de la película que algunos no quieran ver más allá de sus defectos.

Eastwood sigue entusiasmado con la historia de Corea (y demás vecinos) y vuelve a ella en esta película pero de un modo más minimalista que en su díptico sobre la guerra de hace unos años. En “Gran Torino” también recurre a un tema quizá ya muy manido como lo es los prejuicios raciales extremos de consecuencias fatales, que muchos también ha criticado sin pararse a pensar, a mi entender, cómo se acerca a este tema. La novedad parece estribar en la nueva visión cinematográfica del racismo a modo de “el hombre es un lobo para el hombre” ya que en este caso el racismo convencional deriva en violencia dentro de la misma raza. No es del todo de extrañar que el personaje de Walt comprendiera su tradicional y cerrada mentalidad precisamente viendo como otras razas lo son para con los demás.

Hay momentos de comicidad en la película que, aunque no están del todo mal, se van de tono. No hacía falta llegar a una especie de “Daniel el travieso” con un Eastwood en constante cabreo y gruñendo cada dos por tres, exagerando a la par las facciones de su cara mientras la cámara se acerca en dos segundos en busca de un primer plano cómico, para llevar al espectador al contraste entre la comedia y la tragedia. Si a esto se le suma el también constante y cansino carácter del protagonista que se pasa todo el día maldiciendo y soltando tacos ofensivos (no sé cuántas veces llega a decir en la película “maricón”, “amarillo”, “capullo” etc.), ya tenemos la peor parte de la película, todo lo que hace que no alcance el grado de seriedad que el tema requería.

Por lo que me ha contado Kris, una amiga mía que lleva en Madrid más que yo, y que vino hace unos años desde Pittsburg (estado de Pennsylvania), la recreación del personaje de Walt recrea fielmente el estado psicológico de todos aquellos veteranos de guerra (sea de Corea, Vietnam, etc.) y el carácter que ésta a impreso en ellos como a fuego. No le costó reconocer muy de cerca frases de repudia como las que Walt dedica a su hijo sólo por trabajar fabricando coches japoneses, pues dónde se ponga un buen Ford que se quite todo lo demás.

Quizá esté empezando a ver en Clint Eastwood algo que hasta ahora no había advertido sino en gente como Woody Allen o Pedro Almodóvar, puede que también en Ingmar Bergman y en todos aquellos que son capaces de crear cine con una entidad propia, algo que los caracteriza y separa del resto. Si los temas recurrentes de éstos son las relaciones de pareja, los pasados ocultos y el folklore religioso medio metafísico respectivamente, para Clint Eastwood sus temas de cabecera beben de la pérdida de fé y las relaciones humanas que siguen el patrón “somos desconocidos, algo nos une y luego la naturaleza que es sabia nos separa para siempre” (recuérdese a Francesca, que deja de lado su futuro para no olvidar el pasado forjado en Madison; a Maggie, que decide acabar con su vida después de haber alcanzado tope como boxeadora profesional surgida de la nada; y aquí, (aviso spoiler) Walt, un viejo veterano de guerra, a partir de un no menos viejo coche del 72 que sirve de conexión entre la amistad más allá de la raza, decide devolver al pasado, y a las raíces de donde proceden sus vecinos, la vida que una vez le quitó (acaba spoiler)).

LO MEJOR
- El ritmo de la película. A mi parecer no le sobra ni le falta un minuto.
- La relación afectiva que va uniendo a Walt con sus vecinos, llena de matices.
- El final, del todo esperable, pero por ello menos implacable.
- Clint Eastwood como actor. Recomendado ver la película en versión original.

LO PEOR
- Los pasajes cómicos estropean el conjunto.
- La música, que bien o es casi nula o la poco que hay es del todo olvidable.
- Walt enseñando a “hablar como un hombre” a su vecino inmigrante.
- Que muchos se quejen de lo previsible de la trama. Sí, es cierto, pero, ¿y qué más da?.

NOTA: 7,5 / 10

CINE Y LITERATURA: Películas Imposibles, de Manuel Gutiérrez Aragón

2009-03-25T01:01:00.001-07:00

Hace un par de días llegó a mis manos, de parte de los cines Renoir, un libro estupendo que Manuel Gutiérrez Aragón, director de Habla mudita (1973), Demonios en el jardín (1982) y últimamente Todos estamos invitados (2008), ha publicado para Ocho y Medio y su colección Fahrenheit 451.

El libro Películas Imposibles, publicado en 2008, es un compendio de notas publicadas en el diario El País entre el 17 de julio y el 29 de agosto de 2008, y repasa en no más de quince capítulos (uno por film) una serie de películas extrañísimas, que bien o no se llegaron a estrenar, se estrenaron en círculos reducidos como la Filmoteca, o sólo se pueden encontrar por internet o muy difícilmente en formato DVD. Es en verdad curioso, sorprendente para todo cinéfilo descubrir la existencia de estas películas.

Por ejemplo, "La monja torera" de 1936, que según el autor, es un prodigio de montaje; "El Síndrome Deneb" con Juan Diego Botto, cortometraje que trata de este síndrome que padecen aquellos que fueron número uno de su promoción y dedican su vida a la superación contínua sin conseguir llegar a viejos, o por ejemplo una película de 2007 considerada como la primera película dirigida por un simio, el mono Coco y su compañera de aventuras Kika.

Lo malo de este libro tan interesante es que se consume muy pronto, ¡queremos más! pero para esto supongo que tendremos que indagar en otras obras, que seguro que las hay, que nos descubran otro cine no tan accesible, que rompe con la cinematografía mundial y es el que realmente la hace avanzar.

CRÍTICA: Los abrazos rotos

2009-03-21T02:58:00.000-07:00

Desde que Almodóvar diera el definitivo salto internacional con “Todo sobre mi madre”, cada nueva película se convierte en un estupendo espectáculo mediático, con un amplio despliegue comercial y, como no, suscitando grandes expectativas. Y anoche fui al cine para comprobarlo, con mis padres (a mi madre le encantan Almodóvar y sus historias), en una sala medio llena, esperaba ver como este director subía un peldaño más por las escaleras del olimpo de los mitos, y creo que lo que me encontré no fueron precisamente escaleras mecánicas.

Habiendo visto “Volver”, “Hable con ella” y “Todo sobre mi madre” (no hablo de “La mala educación” porque no me entusiasmó del todo) no hago más que preguntarme desde ayer por la noche que vi “Los abrazos rotos”: ¿pero qué le ha pasado a este director para hacer una película tan tonta?. Sí, los personajes son planos, las situaciones llevadas al límite sin sentido y los diálogos desentonan a cada momento dejando de lado la pasión y naturalidad innata de sus historias de siempre. Eso sí, cada fotogramas está para enmarcar, no me extrañaría que algún día el Reina Sofía realizara una exposición sólo con pósters de fotografías de esta película.

Como delicia fetichista “Los abrazos rotos” es una pequeña joya, que bien se podría ver sin escuchar ningún diálogo, sin intentar contar nada, que surtiría el mismo efecto en el espectador o quizá en algún caso se llegara disfrutar más. El cine hiperestético se está comiendo a Almodóvar, un director que ya no sabe que contar, por mucho que se empeñen algunos en decir que es el mejor guionista cinematográfico que existe en estos momentos. Probablemente lo fue, pero el problema es que se cree demasiado viejo para innovar una vez más con alguna historia diferente y quizá es demasiado joven (con tan sólo un par de películas memorables a sus espaldas) como para pensar que puede tomarse la licencia de autoparodiarse.

Sí, quizás esa parodia de “Mujeres al borde un ataque de nervios” hacia el final de la cinta sea lo mejor de ésta. Carmen Machi, con unos pocos minutos, recupera todo el nervio de esos personajes bombón que en su momento el director brindó a Carmen Maura, María Barranco, Loles León, entre otras. Estoy deseando ver ese corto que hizo expresamente para ella para ver como se las gasta este personaje de “concejala social”.

Existen demasiadas incongruencias en esta historia, sobre un director de cine que queda ciego tras un romance con la mujer de un gran hombre de negocios que conoció a éste tras ayudarla con la muerte de su padre, y éste a su vez tiene un hijo medio loco por el cine (Ochandiano con pelucas imposibles) que es homosexual (vamos, que no viene a cuento) y que se dedica a espiar a los dos amantes. Todo esto, tan sencillo que se cuenta en un cortometraje se alarga hasta más de dos horas, por las que van desfilando personajes que entran y salen de la trama abriendo caminos sin nunca cerrarlos. Me parece a mí que Almodóvar estaba más empeñado en que cada uno de sus viejos amigos (Kiti Manver, Chus Lampreave, Rossy de Palma) tuvieran un minuto en esta su definitiva película almodovariana y en que Penélope Cruz pusiera sus morritos (reconozco que aquí Cruz lo hace realmente bien y se salva con creces de la quema) a lo Marilyn, que en construir un relato eficaz, en consonancia con las imágenes y que diera paso a un recuerdo inolvidable de sus personajes.

Al final sólo queda su nombre, Almodóvar, como distintivo de marca. Ya nos puede vender una película de ciencia ficción donde un robot transexual oculta que su padre fue un humanoide amigo del Dr. Spock, que seguirá siendo, por siempre, el “must see” Almodóvar.

LO MEJOR:
- La fotografía y la música, soberbias como artes cinematográficas complementarias.
- Penélope Cruz, Blanca Portillo (pese a algunos excesos) y Carmen Machi.
- Los primeros veinte minutos de cine de calidad.
- Ver que Almodóvar sigue amando Madrid y rodando en España.

LO PEOR:
- Sintiéndolo mucho, todo lo demás.
- Que no cuenta nada, de verdad, nada.
- Que los críticos más cinéfilos quieran valorarla sólo por un par de guiños a Buñuel (que yo también advertí, como esos minutos “Belle de jour”) y crean estar ante una obra maestra.

NOTA:

2,5 / 10

Ciclo de cine en la CASA ÁRABE de Madrid: "Los ángeles de Satán"

2009-03-16T05:07:00.000-07:00

El pasado viernes 13 de marzo nos acercamos a la casa árabe a ver una proyección enmarcada dentro del ciclo "MARRUECOS: UNA MIRADA CONTEMPORÁNEA" en Madrid en el que se proyectarán películas hasta el próximo 6 de abril. La casa árabe está justo al lado del retiro, en la calle Alcalá, y además, en ella, se llevan a cabo cursos de formación en lengua árabe (que yo dejé por falta de tiempo, aysss), y diversas actividades encaminadas a dar a conocer esta interesante cultura.

La tarde estuvo muy pero que muy interesante. Se pasó la película “Los ángeles de Satán” basada en unos hechos reales que tuvieron lugar en Casablanca en el año 2003, cuando 14 jóvenes integrantes de una banda de música “Hard Rock” fueron condenados por la justicia a un año de prisión acusador de deshonrar la fe musulmana y practicar el "satanismo" así como la homosexualidad y el vandalismo a través de su música. “La justicia dará una visión kafkiana a este divertido proceso, mientras los medios y la sociedad civil se movilizan”, como cita la referencia de la película. Su director, Ahmed Boulane, estuvo allí esa misma tarde, habló antes y después de la proyección.

La sala estaba abarrotada con gente de diferentes culturas, en su mayoría árabe claro. Los asientos cómodos y además, para aquellos para los que el francés no es nuestro fuerte nos dieron a cambio de un documento acreditativo de consigna un traductor simultáneo para poder escuchar al director.

La película genialmente retrata la visión de la justicia que un país como Marruecos, enclavado en las costumbres islámicas, sigue manteniendo, a un camino de la tan esperada democratización del país, pero sin imponerse definitivamente. En el foro final, donde el director pudo responder a las preguntas de los asistentes, se habló del papel del rey Mohamed VI, un papel que, en boca del director, no es un papel por supuesto nada democrático pero que sirve de salvoconducto para aquellos que no comulgan con la ideología islamista; al menos su figura sirve para que películas como ésta, que critican directamente el sistema más o menos dictatorial en el que el poder de muchos no emana del pueblo precisamente, puedan tener algo de financiación pública y cierta repercusión más allá de sus fronteras.

Personalmente pienso que es una suerte que se pueda exhibir este tipo de cine, tan lejano al nuestro, con miles de matices que enriquecen la historia (y nos hace ver en qué país de libertad vivimos, donde podemos circular libremente, expresarnos (y aquí seamos condescendiente pues pienso que en esto aún queda camino) sin prejuicios y total tolerancia) para que podamos conocer un poco más a los países y culturas vecinos. Cómo me pude acordar de mi prima Ana y sus andanzas por esas tierras viéndo la película. Ahora mismo siento una enorme curiosidad por volver a ver alguna película más de este ciclo; dejo aquí la agenda del ciclo:
http://www.casaarabe-ieam.es/index.php?modulo=contenido&idioma=es&id=148&seccion=5

Para más información:
http://www.elojocojo.org/test2/?p=1620 http://es.wikipedia.org/wiki/Mohamed_VI_de_Marruecos

CRÍTICA: The Visitor

2009-03-13T01:23:00.000-07:00

Hoy, viernes 13 (uuuuu) de marzo se estrena “The Visitor”, la última película de Thomas McCarthy después de “The Station Agent”, y ayer fuimos a un pase especial organizado por los cines Renoir en los Roxy B de Fuencarral, en el centro de Madrid. Al llegar nos esperaban un grupo de “tamborileros” más o menos jamaicanos, mira que la gente y yo entre ellos tendemos a clasificar las cosas sin antes documentarnos, de los que más tarde me enteré, recordando que en el cartel de la película el protagonista aparece tocando también un tambor (djembé) como ellos, que eran parte del show contratado para el preestreno.

Antes de empezar la película el director y la actriz principal, Hiam Abbas, nos la presentaron, no sin antes decir que estaban encantados con Madrid y su “juerga” nocturna. Yo no me esperaba que fueran a estar allí esa noche y me sirvió para vivir un poco más de cerca la película.

Richard Jenkins (el inolvidable y fantasmagórico padre que se paseaba por la funeraria de la casa de locos que era la magnífica serie “A dos metros bajo tierra” (sí, esa serie que la segunda cadena maltrató hasta decir basta y que los seguidores tuvimos que acabar de ver en horario en condiciones por otras vía)) interpreta a un profesor universitario de Connecticut, Walter Vale, que viaja a Nueva York, donde se encuentra viviendo en su apartamento a Tarek (Haaz Sleiman), un músico Sirio, y a Zainab (Danai Gurira), su novia senegalesa. A partir de ahí empieza una historia bastante simple y llena quizá de tópicos encarando el tema sufriente de la inmigración con el del descubrimiento personal una vez llegada la edad adulta.

Lo sorprendente de esta simple pero efectiva película es su capacidad de transgredir las normas, haciendo que uno esté pendiente de ver algo que ya ha visto miles de veces y que nunca llega. Te hace creer que vas a ver una historia más sobre inmigrantes que viajan a la tierra de los sueños, quizá con final feliz y acaba echando más sal en las heridas, sobre todo sobre aquellos que defienden la nación patria supuestamente más tolerante de entre los desarrollados, pero a la vez más infranqueable del mundo, los Estados Unidos. Esta película, sin lugar a dudas de autor, personalísima, incide en el tema de la inmigración pero quizá de un modo más descarado que otras, mostrando el cinismo del “no frontiers” yanki y la libertad como abanderado movimiento de una sociedad en la que, a modo de opinión personal, demócratas y republicanos se dan la mano en más de un tema social, como por ejemplo éste, abrazando la psicosis que los atentado del 11 de Septiembre les ha dejado como herencia.

Aún así, con ese ritmo pausado que se aguanta durante hora, después The Visitor comienza a pesar hasta que remonta en su tramo final. Eso y otros saltos de mata del guión no hacen que sea una película redonda, pero sales del cine con capacidad (auto)crítica, sintiendo vergüenza ajena no sólo de ese país tras el charco, sino ya de todas esas ideas preconcebidas sobre los inmigrantes que poco a poco crean una cada vez más grande cortina de humo. Si no apagamos pronto el fuego acabaremos por no diferenciar la necesidad del inmigrante de la puntual maldad terrorista, y eso, efectivamente, da miedo.

LO MEJOR:
- El viaje hacia el autodescubrimiento y realización personal de Walter, que al final de la película acaba “trabajando” de verdad.
- La belleza árabe de Hiam Abbas (madre de Tarek) y Haaz Sleiman.
- Las secuencias llenas de ritmo al son del djembé, mágicas.
- La innegable denuncia que McCarthy derrama sobre su propio país.

LO PEOR:
- El personaje del abogado queda en el aire, no termina de cuajar.
- Ciertos tiempos muertos que lejos de dar tregua al espectador pueden llegar a hacerle desconectar de la historia.

NOTA: 8/10

CRÍTICA: Más allá de los sueños (por Oscar Alemany)

2009-03-11T01:41:00.000-07:00

De parte del meu amic Oscar, la crítica de la última película protagonizada por Adam Sandler (qué lejos queda Punch Drunk Love, verdad?... aysss, el dinero lo puede todo)

ARGUMENTO
"Más allá de los sueños" es una comedia protagonizada por Adam Sandler, un chico para todo que trabaja en un hotel y cuya vida va a cambiar para siempre cuando las historias que les cuenta a sus sobrinos antes de dormir se convierten misteriosamente en realidad al día siguiente. Cuando se da cuenta decide contar historias fabulosas en las que todo sale bien con el fin de ayudar económicamente a su familia, pero las aportaciones a las historias de sus sobrinos acaban chafando completamente el resultado...

LO MEJOR DE LA PELÍCULA
-Divertimento perfecto para menores de 12 años. Excelente propulsión de la imaginación.
-Buen uso de los efectos especiales al servicio de la historia.
-La primera media hora del film, por su propuesta diferente. Sorprende.
-El sentido del humor de Guy Pearce, al aceptar un papel como este.

LO PEOR DE LA PELÍCULA
-Lo excesivamente convencional que resulta todo.
-Su excesiva propuesta infantil. Aburrirá soberanamente durante muchos minutos a los adultos.
-Los dos personajes femeninos. Meras comparsas, sin ninguna importancia en la película. Indignante que siempre siga los mismos derroteros.

ESCENAS DESTACABLES
-La presentación del nuevo hotel.
-El castillo
-La puesta en escena de la historia en el espacio.

CONCLUSIÓN
-Si ves esta película en el cine, y te pregunta de que productora es, seguro que aciertas en un 100%.Porque ese ambiente familiar del film, esos diálogos tan políticamente correctos, esa puesta en escena impoluta es típica de Walt Disney, sin ningún género de dudas.
Sin embargo se podía esperar alguna sorpresa al ver en el papel principal a Adam Sandler,actor que casi siempre se distingue en sus películas, por un humor con elementos, al menos poco infantiles. Pero finalmente no es así, sorpresas las nulas y convencionalismos por todas partes.
Para tardes de domingos con los peques, quienes se lo pasarán en grande. Así que apuesta segura para ellos.

Nota:4.2/10
WEB OFICIAL:http://www.disney.es/FilmesDisney/masalladelossuenos/

ESCENARIOS DE MADRID: Laberinto de Pasiones

2009-03-08T01:22:00.000-08:00

Madrid ha servido de escenario en numerosas ocasiones a muchas películas clave en la historia del séptimo arte español y también de fuera de nuestras fronteras. Citando algunos ejemplos, “Ópera prima”, “Las bicicletas son para el verano”, “Abre los ojos”, “La comunidad” entre otras, se han dejado seducir por las distintas localizaciones de este enclave territorial. Siempre me he preguntado en qué más sitios de Madrid, también en la comunidad no sólo la capital, se han rodado películas, cómo se rodaron, las curiosidades que pudieron haber durante ese rodaje y si próximamente se va a rodar alguna más. Vamos a investigar sobre esto, y la primera película que se me viene a la mente como punto referencial de abanderada de Madrid es “Laberinto de pasiones” (1982)de Pedro Almodóvar, en pleno apogeo de la Movida Madrileña.

LABERINTO DE PASIONES

¿De qué va?
Madrid, años 80. Una ciudad incómoda, salvaje y divertida. En ella transcurre una historia de amor inusual entre una joven 'erotómana' y el hijo de un emperador árabe. Ella, miembro de un violento grupo musical, y él, más preocupado por los cosméticos y los hombres que por otra cosa, son el hilo conductor de una serie de relaciones entre los personajes más dispares que se puedan encontrar.

Localizaciones principales

El Rastro

Situado en la zona sur, justo por debajo del distrito de La Latina, el Rastro (abajo en la foto) es un gran mercado donde se pueden encontrar los más dispares objetos. Los hay que venden (muchos de ellos sin licencia) ropa, cómics, películas en vhs e incluso beta, y también los hay que acosan con detalles de orfebrería, máscaras anti-gas, muebles de antigüedad y pinturas. La cantante Olvido Gara, Alaska, frecuentaba el Rastro a comienzos de su carrera y congregaba en él a sus amigos en lo que al principio se llamó “Rollo” y más tarde la conocidísima “La movida”.

Todos los domingos por la mañana, desde eso de las nueve hasta como mucho las tres de la tarde, el Rastro se abarrota de toda fauna madrileña dispuesta a encontrar alguna curiosidad que comprar y después tomar una merecida caña con pincho en algún bar de las decenas de ellos que se pueden encontrar entre el laberinto de calles que lo conforman. Será por eso que, seguramente, “Laberinto de pasiones” comienza en el Rastro para hacer honor a su nombre.

La película comienza con una jovencísima Cecilia Roth (Sexilia en la película) paseando por el Rastro, sin ningún interés por sus puestos sino por los hombres que va encontrando a su paso, culo por allí y culo por allá, la ninfómana que interpreta sacia su sed en el mayor cúmulo de carne que reúne Madrid todas las semanas, porque si no encuentra lo que quiere en el Rastro, ¿dónde lo va a encontrar?. Allí Sexilia, topará con Imanol Arias, que protagoniza al hijo de un emperador árabe (del reino de Tirán exactamente) que ha llegado a Madrid huyendo de la mafia palestina.

En otra de las escenas, poco después del paseo de Roth, aparecen Imanol Arias y varios personajes underground del movimiento madrileño del momento y amigos de Almodóvar:

Aquí vemos, sentado en una terraza junto a una amiga, a un moderno Fabio McNámara (en la foto), compañero de fiestas ochenteras de Almodóvar, artista mediático de la Movida, todo un icono gráfico de aquella época provocadora y excesiva "Qué overdose!" como proclama éste mientras se recoloca la nariz para poco después abordar al hijo del derrocado emperador.

Segundos antes la cámara enfoca un periódico que informa de una entrevista a Patty Diphusa, personaje que Almodóvar crearía para una posterior novela kitsch editada por Anagrama: "Le debo mi nombre a Almodóvar y aunque no me parezco a la estrella internacional que refleja en su libro, me gustó el nombre para bautizarme en red. Ella, fraguada en pleno apogeo de los 80, está dotada de una capacidad inagotable para el placer y sus relatos están llenos de aventuras sexuales muy diferentes a las que quiero mencionar aquí. Sin embargo, para mí este blog servirá para rememorar momentos, narrar viajes, señalar exposiciones, realizar crónicas de conciertos, comentar mis películas favoritas o contar historias de amigos. Sin más pretensiones, me despido por ahora. Patty Diphusa" (http://patty-diphusa.blogspot.com/).

Como curiosidad, en esta misma escena, exactamente en el minuto 1:48, pasa una pareja de chicos por detrás de las mesas de la terraza. Se llamaban "las enananas", como cuentan los buenos cronistas de la época.

¿Y en qué bar están? Es el mítico "La Bobia", situado cerca de la plaza de Cascorro, "donde la gente acudía en masa de empalmada a desayunar, beber, drogarse, buscar un buen folleteo, y rajar. Los domingos, se amanecía en la Bobia, y allí se realizaron los primeros chill-outs de la historia, (bueno, los primeros serían en casa Costus, supongo)" (http://www.fotolog.com/costureras1980/50182920)

CRÍTICA: El luchador

2009-03-06T01:03:00.000-08:00

Bueno, ya van tres de las películas “must see”, al parecer, de este año. Me refiero a esas que tanto bombo han dado los Oscar y demás comerciales. Si “Slumdog Millionaire” me cansó y “El curioso caso de Benjamin Button” me dejó buen sabor de boca y nada más, ahora, “El luchador”, se ha acercado un poco más al viejo refrán del río que suena y el agua que lleva.

Anoche pude ver, en los Renoir Cuatro Caminos, como el señor Aronofsky ha decidido tomarse en serio a los espectadores, dejando atrás parafernalias tan bonitas como insustanciales (“The Fountain”) y recuperando el brío que imprimió en “Réquiem por un sueño”. “El luchador” es una película dura, sin concesiones de ningún tipo, con algún que otro momento lacrimógeno pero bien resuelto y totalmente justificado por el guión y con actuaciones soberbias, de esas que sólo se sienten cuando el personaje te come la piel y se apodera de tus pensamientos.

Y algo de esto le tuvo que pasar a Mickey Rourke (no, no es Bárbara Rey desmaquillada, aunque el colágeno haga efectos en su contra :-), eh?), que ya estaba acabado y casualmente ha tenido que interpretarse a sí mismo para volver a hacer cine. No digo que en el pasado Rourke haya sido alguna vez un wrestler, pero sí que ha sido un perdedor, profesionalmente hablando. Y esto no tiene que ver mucho con el espíritu norteamericano de luchadores y héroes cotidianos, no; metiendo un poco el dedo en la llaga, allí no eres nadie si te ven como un derrotado. Por eso el personaje de Randy “The Ram” adquiere una dimensión que sólo un espectador yanki puede alcanzar a comprender del todo (además, el wrestling está mucho más arraigado allí que aquí). No creo que “El luchador” tenga demasiada repercusión en nuestro país más allá de lo que se publicite en torno a sus premios y el resurgimiento de Mickey Rourke. Vamos, que la gente no va a ir al cine buscando una historia, sino el hit parade de temporada.

Marisa Tomei hace un estupendo papel secundario que hizo que me quedara con las ganas de saber más de la Cassidy que interpreta, a mi parecer, tópico pero interesantísimo: una madre soltera que trabaja por las noches en un bar de streatease, sumida en un círculo de prostitución. Es increíble ver como la película de un aura de distinción a este trabajo, lo dota de respeto y especial atención, por ejemplo cuando Cassidy rechaza una relación con Randy poniendo como excusa que no debe tener relación con sus clientes. La humanización del personaje de Cassidy y las relaciones esporádicas que mantiene con Randy son lo mejor de la película. Tengo ganas de ver "Mi primo Vinny" a ver si es verdad lo que cuentan esas lenguas viperinas sobre el inmerecido oscar como secundaria para Tomei por esta película.

Los dos, derrotados por la vida, deciden, en su afán de superación, huir de sus fantasmas. Y así toman direcciones opuestas pero con el mismo fin. Randy, a pesar de sus limitaciones físicas, luchador de wrestling y adicto a los esteroides, quiere seguir manteniendo su estatus de vieja gloria y decide tener su último combate contra aquel que le derrotara 20 años atrás y empezara a hundir su carrera. Cassidy, Pam por el día, decide dejar atrás la prostitución y empezar una nueva vida.

LO MEJOR:
- Mickey Rourke, sin él la película parecería, por su factura, una más de sobremesa. Aparece inmenso, ya sea en el ring o sirviendo mortadela en un supermercado.
- Marisa Tomei, pronunciado su verdadero nombre al salir del bar donde trabaja, retomando las riendas de su identidad.
- El combate por la que Randy sufre el ataque al corazón. Brutal, la sal en las heridas, el momento “grapa” y la vomitona final.
- El rostro de Randy, en su combate final, es el rostro de aquel que sabe que va a morir haciendo lo que más le gusta, esa mueca indescriptible de dolor corporal y placer espiritual.

LO PEOR:
- El sobreactuado papel de Evan Rachel Wood como hija a la que Rourke ha privado de cariños.
- La avalancha de tópicos que parecen poblar el guión (resurgir de una vieja gloria que ha despreocupado su vida familiar, una madre prostituta, los efectos de las drogas y el alcohol, las relaciones paterna-filiales de la vieja gloria, etc.)
- Factor sorpresa nulo, he visto lo que me esperaba ver. Al menos no he visto menos de lo que me esperaba.

NOTA: 8.5

CINE Y REALIDAD: OJO POR OJO (CON ÁCIDO A PODER SER)

2009-03-05T00:47:00.000-08:00

Durante las cenas, y siempre que ceno en casa, evito poner el telediario pues tengo comprobado que me amargan la comida y no me sirve para desconectar un poco al acabar el día; pero por lo visto anoche no fui con cuidado y claro, una vez que te pillan se las apañan para que te quedes con ellos. El caso es que una de las noticias de primera plana me impactó sobremanera. El titular televisivo: “Una mujer iraní logra que el hombre que le quemó la cara y la dejó ciega reciba como castigo 20 gotas de ácido en cada ojo”.

En los juzgados, a la hora de la sentencia la cosa quedaba así:
“¿Por qué no pide la muerte?” preguntaron a Ameneh Bahramí, iraní de 29 años.
“Porque de esa manera no sufrirá igual que yo", respondió.
Dios mío, un caso de ojo por ojo con todas las de la ley, y nunca mejor dicho.
Ameneh y Majid estudiaban ingeniería en la universidad de Teherán y el afán de Majid por salir con Ameneh le llevó a un acoso extremo que desembocó en los terribles hechos, hace 4 años. Ameneh quedó ciega, no pudo continuar sus estudios y se vio obligada a cambiar de país para poder recuperar su rostro en busca de un milagro estético.

En seguida recordé, en mi manía persecutoria que me tiene el cine para con la realidad, y viceversa, de la cruel “Dogville” de Lars Von Trier, donde Nicole Kidman, vejada durante toda la película por un vecindario cualquiera, en un sitio cualquiera (no había escenario como tal, el mayor logro de la película), se vengaba hacia el final de la película de un modo brutal, desproporcionada, haciendo gala de la más temible ley del Talión.

También pensé, mientras acababa la cena, en otras películas que hablan de la sed de venganza, por ejemplo, la no tan sútil “Ojo por ojo” con una histérica Sally Field, en un papel de heroína de telefilme, que convierte el trauma psicólogo en odio contra los asesinos de su hija. La falta de fe en la justicia hace que manipule un plan por cuenta propia, demostrando que con un poco de inteligencia es fácil engañarla.

Y cuando la justicia está corrupta… ¿cómo se saca el diente que te han quitado? Deberíamos recurrir a Jodie Foster, para que nos explique esto, si puede, y además como llegó a hacer una película tan nefasta como “La extraña que hay en tí” (horrible título en español para "The Brave One"). En esta película el director se pasó tres pueblos. Donde Trier sólo espetaba la posibilidad de que el rencor y la venganza fueran unidos de la mano, aquí Jordan, nos presenta una aburrida trama, sin trascendencia, y con un mensaje inefable de psicología barata pretendidamente provocativo. El personaje de Foster se mueve por inercia: me hacen daño, pues yo también, y cuanto menos caliente tenga la sangre mejor. El colmo sucede cuando el policía (y esto sí que es corrupción y no la que había en Miami) que la persigue intentando que no se tome la justicia por su cuenta es el mismo que le ofrece su pistola para que pueda dar muerte al asesino de su prometido. Vamos, una película a favor de la violencia que seguramente estará entre las favoritas de los adscritos a la RNA.

La venganza no es un plato que se pueda digerir, ni frío ni caliente, es un plato roto hecho añicos que destroza la garganta del comensal. No es fácil discernir hasta qué punto puede llegar el dolor, y la veracidad de éste, para presentarte un día y decidir que quieres jugar con la vida de tu verdugo. La pérdida de un ser querido es siempre traumática y cada cual mitiga ese dolor como puede. Pero claro, ¿dónde está el límite cuando te llegas a creer que el fin justifica los medios?.

AGENDA: XI Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid

2009-03-04T02:42:00.000-08:00

Ayer se presentó la última edición, y ya van 11, de la Semana del Cortometraje en la Comunidad de Madrid. Aficionados y profesionales, cortometrajistas y espectadores se reúnen en este certamen para mostrar sus últimas obras. Junto a las proyecciones también tendrán lugar talleres, cursos, diversas actividades y mesas redondas creando foros de debate.

En la presentación estuvieron presentes Santiago Fisas (consejero de Cultura, Deporte y Turismo), Isabel Linares (directora de Telemadrid), Pilar García Elegido (asesora de Cine de la Comunidad de Madrid) y José Esteban Alenda (director del cortometraje que ganó el Goya este año “La increíble historia del hombre sin sombra”).

¿Fechas y lugares? En el cine estudio (imagen del post) del Círculo de Bellas Artes de Madrid se proyectarán cinco sesiones diarias, gratuitas hasta completar aforo, del martes 10 hasta el viernes 13 de marzo, además de una única sesión el sábado 14 a las 20:45 horas y sesiones especiales el domingo 15. Seis de estos cortos participantes se podrán ver en la televisión pública gracias a un convenio entre Telemadrid y la Conserjería de Cultura, Deporte y Turismo. También los cines Golem, con el programa Madrid en Corto, proyectará algunos de estos cortometrajes seleccionados.

A continuación, el programa y listado de cortos que proyectará el Círculo de Bellas Artes:

SESIONES
10.03.09
Mellizas + Falso espejo + Último minuto + Metrópolis Ferry + Perder el tiempo 17:30 / Di me que yo + Uyuni + La canción del pirata + Una vida mejor + The end 19:00 / Mellizas + Falso espejo + Último minuto + Metrópolis Ferry + Perder el tiempo 20:45 / Di me que yo + Uyuni + La canción del pirata + Una vida mejor + The end 22:30

11.03.09
Culpa de la luna + Frames + Día de revancha + El método del Dr. Alquitrán y del Profesor Pluma + Mañana 17:30 / A las que duermen + Gato por Goya + La leyenda del rey + Stress + La Tama 19:00 / Culpa de la luna + Frames + Día de revancha + El método del Dr. Alquitrán y del Profesor Pluma + Mañana 20:45 / A las que duermen + Gato por Goya + La leyenda del rey + Stress + La Tama 22:30

12.03.09
Él nunca lo haría + En la ciudad perdida + Vlog + Sombras en el viento + Terapia 17:30 / Negritud + El vellocino + El 3 de mayo + Mantis + El niño de la ñora + El balcón 19:00 / Él nunca lo haría + En la ciudad perdida + Vlog + Sombras en el viento + Terapia 20:45 / Negritud + El vellocino + El 3 de mayo + Mantis + El niño de la ñora + El balcón 22:30

13.03.09
La parada + Basket Bronx + Carta de Francia + Las manos de Abel + El último golpe 17:30 / Estrella fugaz + Doppelgänger + Lala + Vigilancia + Señor X 19:00 / La parada + Basket Bronx + Carta de Francia + Las manos de Abel + El último golpe 20:45 / Estrella fugaz + Doppelgänger + Lala + Vigilancia + Señor X 22:30

14.03.09
Sesión especial cortos mexicanos – CUEC: Cuarteto para el fin del tiempo + Juego de manos + No todo es permanente + Goodbye Garibaldi 17:30 / Sesión especial cortos mexicanos - CUEC: Cuarteto para el fin del tiempo + Juego de manos + No todo es permanente + Goodbye Garibaldi 19:00 / Hace tiempo pasó un forastero + Los necios + Parking + Tu (a)mor + Pulsiones 20:45 / Hace tiempo pasó un forastero + Los necios + Parking + Tu (a)mor + Pulsiones 22:30

15.03.09
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59a edición Fotogramas de Plata

2009-03-03T00:18:00.001-08:00

De manera anual, desde 1994, la revista de cine Fotogramas, que engullo todos los meses desde hace ya más de 15 años, viene entregando los llamados “Fotogramas de Plata”, por los cuales los lectores, en parte, premian a sus actores favoritos en categorías de medios como el teatro, el cine y la televisión, y me parece a mí que, este año más que nunca, se nota la mano del público, pues Miguel Ángel Silvestre (y me niego a llamarlo por su mote televisivo, que cansino) se ha llevado dos premios: al mejor actor de televisión y personaje más buscado en la página web de Fotogramas.

La gala, que anoche fue presentada un año más por la divertidísima Anabel Alonso (¿para cuándo un papel serio en el cine?, es que no se los ofertan?), a la que también premiaron anoche, tuvo lugar en la Joy Eslava de Madrid, y en ella no sólo hubo tiempo para los premiados por los lectores sino también para la crítica, que, por segundo año consecutivo, premió a Jaime Rosales por su osadía con “Tiro en la cabeza”, que tengo muchas ganas de ver, y espero que no me pase como con muchas otras, que me dejo llevar por la crítica y a veces hay que hacer caso a los espectadores, vaya.

Otros premiados: Maribel Verdú a la mejor actriz de cine por “Los girasoles ciegos” (agarra eso Penélope!), Javier Cámara al mejor actor de cine por “Fuera de carta”, se agradecieron mutuamente el apoyo en la película de Cuerda. Patricia Vico, se llevó por fin este año, el fotogramas a la mejor actriz de televisión por su papel homosexual en la serie “Hospital Central”, desbancando a la mismísima Carmen Machi y su papel popular en “Aída”.

Ahí van los actores premiados:
• Mejor actriz española de cine: Maribel Verdú por “Los girasoles ciegos”
• Mejor actor español de cine: Javier Cámara por “Fuera de carta”
• Mejor actriz española de teatro: Anabel Alonso por “Nunca estuviste tan adorable”
• Mejor actor español de teatro: Juan Diego Botto por “Hamlet”
• Mejor actriz española de televisión: Patricia Vico por “Hospital central”
• Mejor actor español de televisión: Miguel Ángel Silvestre por “Sin tetas no hay paraíso”.

Premios de otras categorías en:
http://www.fotogramas.es/

CINE INDIO (2): Desde finales de los 90 hasta el Bollywood comercial actual

2009-02-25T13:26:00.000-08:00

En la actualidad, desde finales de los 90, las producciones comerciales son más que habituales, dominan el mercado en La India y casi todas tienen las mismas tramas; mientras se repiten situaciones, personajes y localizaciones, poco se deja a la imaginación. De ahí se entiende que la industria cinematográfica india sea la más productiva de todas.

Estadísticamente, una media de 800 de películas se llegan a rodar anualmente, y la mayoría de ellas en lengua hindi. ¿Otras cifras? Aquellas que hablan de empleo en hindi, vamos valor añadido fruto de esta industria, son espectaculares: más de 6 millones de personas, aunque la mayoría de éstas trabajen bajo contrato temporal, dedican su vida a este arte. ¿Fuentes económicas? En este campo hay ciertas tapaderas, no se sabe aún ciertamente quién pone el dinero. Los bancos no suelen ser aquellos que las avalan pues, pese a su popularidad y comercialidad, el mercado cinematográfico indio supone un pedazo de tarta demasiado arriesgado. Toda la financiación depende de las recaudaciones y el caché de los actores, que llegan a alcanzar enorme popularidad y, en algunos casos, poder político.

De todas las películas manufacturadas, que son muchísimas, tres podrían figurar, según la crítica especializada, como las más importantes, tanto por recaudación como por calidad: “Dil To Pagal Hai” (1997) dirigida por Yash Chopra y muy bien recibida en taquilla, “Kuch Kuch Hota Hai” (1998) de Karan Johar, y “Kaho Na Pyar Hai” (2000) que lanzó la carrera de la actriz Amisha Patel. Bueno, además a éstas habría que añadir el fenómeno social que está causando la ganadora del Oscar de este año “Slumdog Millionaire” (2008) de Danny Boyle, que se vende como una película de Bollywood y podría ser así de no ser porque, a pesar de su prodigioso montaje y vacuidad formal y de contenido, carece de los espectaculares números musicales propios de Bollywood y está financiada totalmente por capital totalmente extranjero.

Otra muestra más de la enorme ampliación que el cine de Bollywood está llevando a cabo más allá de las fronteras de La India es, y no me refiero al singstar de Bollywood que existe para la Play Station 2, el musical que está a punto de llegar a Madrid, en el Nuevo Alcalá del 28 de mayo al 25 de junio de este año, sobre el cine de Bollywood. La historia que nos muestra este musical comienza en India, en los desiertos de Rajasthan, en el templo de Shiva, donde la dinastía familiar Merchant tiene la responsabilidad de mantener las viejas prácticas de la danza Kathak, la danza de los dioses. En este enlace a continuación hay más información: http://www.bollywoodshow.es/html/story.html

Para acabar, dejo una lista de las veinte películas más taquilleras de la historia de la cinematografía india:

1. GADAR (2001)
2. HUM AAPKE HAIN KOUN...! (1994)
3. DILWALE DULHANIA LE JAYENGE (1995)
4. I FOUND SOMEONE (2003)
5. RAJA HINDUSTANI (1996)
6. KABHI KHUSHI KABHIE GHAM (2001)
7. KUCH KUCH HOTA HAI (1998)
8. VEER ZAARA (2004)
9. KAL HO NAA HO (2003)
10. SAY THIS IS LOVE (2000)
11. MAIN HOON NA (2004)
12. DEVDAS (2002)
13. DHOOM (2004)
14. KARAN ARJUM (1995)
15. SHOLAY (1975)
16. BORDER (1997)
17. LAGAAN (2001)
18. LAKSHYA (2004)
19. DIL TO PAGAI HAI (1997)
20. MUJHSE SHAADI KAROGI (2004)

Para más información:
http://www.bollywood.com/

http://bollywoodvideos.wordpress.com/

http://en.wikipedia.org/wiki/Cinema_of_India

CINE INDIO (1): Orígenes, de "Pather Panchali" a "Kamasutra"

2009-02-25T04:42:00.000-08:00

Ya sabemos que La India es el país que más películas produce, pero como la cantidad
puede distar bastante de la calidad, haremos un breve repaso a la historia de este cine para ver más o menos como se las gastan las películas que de él han emanado.

La historia cinematográfica de este país comenzó reconocerse en 1955 gracias a, y como comenté en el post anterior, “Pather Panchali” (La Canción del Camino) de Satyajit Ray, del que Kurosawa dijo “no haber visto el cine de Satyajit Ray es como existir en este mundo y no haber visto el Sol o la Luna”. La conmovedora y cruda visión que de La India da esta película, que narra a su vez los azarosos pasos que el destino va marcando a Apu, el protagonista, desde su nacimiento, hizo que Occidente se acercara un poco más a la cinematografía india. Todo esto impulsó dos secuelas de esta película conformando así una maravillosa trilogía repleta de ruidosos silencios, orquestaciones paisajísticas de la muerte, lo efímero de la vida e historia viva de La India. Rhitwak Ghatak aproximó también al espectador occidental, como lo hizo Ray, al cine indio con obras como “Ajantrik” (1958), que muestra la vida industrial india, el ir y venir de las masas, a través de la pausada mirada de un taxista.

Si bien, con estas obras, La India empezó su camino hacia la comercialización más allá de sus fronteras, fue bastante antes, en 1899, cuando se inició el movimiento cinematográfico en este país. El cine llegó a La India con diversas proyecciones de los hermanos Lumière (6 cortometrajes mudos exactamente) en el hotel Watson, en Bombay, un 7 de Julio de 1896, pero no fue hasta 1899 que se rodara la primera película india compuesta de dos cortometrajes que fueron proyectadas por Harishchandra Bhatvadekar mediante el llamado sistema del kinetoscopio de Edison.

Pocos años más tarde, en 1917, de un proyecto que se remontaba a 1913, Dada Sabe Phalke veía su obra, considerada como la primera filmación en largo totalmente hindú, “Satyabadi Raja Harischandra”.

Después de los intentos a pasos agigantados de Ray y Ghatak tuvo lugar un movimiento de peregrinación a productos semi-indios, donde un mercado norteamericano producía parte de estas películas. Así Mira Fair, creadora de “Salaam Bombay”, manufacturó su última obra “Kamasutra” (1996), distribuida sin problemas en el resto del mundo pero siendo poco profeta en su tierra, donde tuvo grandes problemas de exhibición.

ARCO mira hacia la India

2009-02-24T00:50:00.000-08:00

ARCO, feria internacional de arte contemporáneo, que por estas fechas siempre celebra Madrid (además de en puntos de toda España), ha centrado su mirada este año en la India. A quienes no fueron a disfrutar de las exposiciones y eventos en IFEMA, pues la feria tuvo lugar del 11 al 16 de febrero, les queda la cultura que este sugerente país ofrece, sean con ARCO o sin él, y además, por ejemplo la espléndida exposición en Alcalá 31 sobre cultura india, hasta el 24 de mayo de este año.

http://www.hoyesarte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=964:cismas-emergentes-en-alcala-31&catid=92:exposiciones&Itemid=378

Así, el pasado sábado 14 de febrero estuve echando una ojeada en Alcalá 31, donde la exposición “India y más allá: Cismas Emergentes” de artistas y retratistas (fotógrafos, pintores y escultores) recorría la cultura india desde principios de siglo pasado hasta ahora mismo. Y lo que más me llamó la atención fue la subcultura cinematográfica fuera del bollywood más comercial. Exactamente se proyectaban dos cortos, uno de ellos, de Jaishri Abichandani (2005), dedicado al dios Krishna, donde unos jóvenes focalizaban la vida de éste en el mundo contemporáneo y donde el juego consistía en descubrir las divinidades que iban apareciendo en pantalla así como las leyendas que de éstas se cuentan mezclado todo esto con una especie de relectura de la supervivencia de las deidades hindúes en Inglaterra. El otro corto, de Shezad Dawood (2002) mostraba a un transexual cantando una preciosa canción (pena que no estuviera subtitulada).

Y me entraron ganas de descubrir un poco más sobre el cine de este país. Ya tenía buenas referencias con la maravillosa “Pather Panchali (La canción del camino)” y las dos películas complementarias (más conocidas las tres como la Trilogía de Apu) de Satyajit Ray, y algunas producciones independientes más. Empecé a investigar empecinado y encontré lo siguiente, de Miguel Ángel Pérez Gómez:

“En el cine popular indio actual nos encontramos con seis influencias básicas8, son las siguientes:
1. Dos historias épicas. El Ramayana y el Mahabharata.
2. El teatro clásico indio.
3. El teatro popular.
4. El teatro Parsi del siglo XIX.
5. Hollywood.
6. MTV.
Ramayana y el Mahabharata. Estas dos piezas épicas son el corazón de la poesía, el teatro, el arte y la escultura india, influenciando a artistas y al pueblo por partes iguales. Por lo tanto ha sido de gran influencia para el desarrollo de esta cinematografía, dándole una identidad única. Encontramos esta influjo a cuatro niveles: temas, narrativa, ideología y comunicación. Desde el principio de la industria cinematográfica hasta ahora estas dos obras han provisto a los cineastas de temas y tramas.”

Ya sabía que Hollywood y la MTV eran grandes referentes, pero lo que no tenía ni idea es de los tres primeros puntos y menos aún de lo que era el teatro Parsi del siglo XIX. Hurgué un poco más y… los parsis son los miembros de una comunidad étnica de religión zoroástrica (religión y filosofía basada en las enseñanzas del profeta y reformador iraní Zoroastro) que viven al oeste de la India, en Bombay. Descienden de los persas que emigraron a la India en el siglo VIII para escapar a la persecución religiosa. ¿Un parsi famoso? Nada más y nada menos que Freddy Mercuri. El teatro Parsi y su posterior cine sirvieron de fundamento para la puesta en escena de las películas primitivas de Dadasaheb Phalke, personaje que inicia no solamente la realización fílmica en India, sino el desenvolvimiento de la industria en cuatro partes estratégicas del territorio: Bombay, Calcuta, Lahore y Bengala; geografía que aún se conserva en el modo de distribución del cine Indio. Ejemplo de este cine: “Madre India” (1958), “Madre Tierra” (1937), “El gran Mongol” (1960), “Ilusión” (1948).

Para saber más:
http://www.cineforever.com/2007/06/28/

Pedroooo, si se parece a mi tío OSCAR!!

2009-02-23T01:07:00.001-08:00

Ayer, que hizo un día buenísimo (si hasta pasé calor hacia el mediodía) fuimos unos cuantos amigos a pasar la tarde a la Casa de Campo (me lo pasé genial) y disfrutar un poco lejos del ruido, el estrés y el bullicioso afán de consumismo,… y de paso para jugar al croquet, que yo siempre había confundido con criquet. Antes de montar en el teleférico que nos llevaba a la Casa de Campo, nos quedamos en una terrazita frente al cerrado Balcón de Rosales y, cómo no, empezamos a hablar de los Oscar. Ay Dios, Kris y Stephanie alabaron Slumdog Millionaire, y cambiaron a última hora a Mickey Rourke por Sean Penn. ¡Y no se equivocaron! Me alegra que Sean Penn se haya llevado ese premio por un papel como el que interpreta, ya se sabe, el mítico Harvey Milk que luchó por el voto homosexual en los USA.

Lo que no me gustó tanto es que, además de tener que volver a hablar de estos premios, que ya considero parafernalia propagandística, y hoy más que nunca, es que al final hayan mimado a la Pene y por consiguiente el tener que soportar la avalancha de noticias y bombos mediáticos que se van a cernir sobre nosotros. Pene por aquí, Pene por allá. Su personaje en la película de Woody está bien interpretado, pero no dista mucho del Chikilicuatre, quiero decir: tanto se va a hablar, y espero equivocarme, de este personaje y de su actriz que al final va acabar empalagando tanto como un sándwich de crema de cacahuete o un estribillo pegadizo por repetitivo.

En fin, sin más sorpresas que la del premio a Penn; Kate (pobre Meryl), Pene (pobre Davis), Joker (nada que objetar) y Bollywood (pobre teta asustadiza) se llevaron el gato al agua. Vamos, un aburrimiento total. Y es que, desde que Helen Hunt se llevó el premio por esa sosez de “Mejor…Imposible” y más aún desde que el desencanto de las decisiones fortuitas que votan a películas no estadounidenses para el resto de categorías, ya no me gustan los Oscar. Es más, se están pasando de la raya, y la culpa es nuestra por alabarlos. Fíjense en nuestros Goya, si es que ya actuamos como allí premiando películas que, aunque no sean de producción española, sólo por el hecho de estar protagonizadas por algún españolito o manufacturada en lengua española, ya se lleva premios o tiene alguna nominación. Cualquier día nos veo premiando a alguna película palomitera, vamos, sintiéndonos protagonistas de “Un yanqui en la corte del rey Arturo”.

LO MEJOR: Wall-E gana el oscar a mejor película de animación.
LO PEOR: todo lo que pienso y he dicho en este post.

FRIKÍSIMO

2009-02-20T03:52:00.000-08:00

¿Qué es ser un frikie? ¿Cuántas variantes de esta palabra podemos encontrar? ¿Qué tipo de películas se pueden considerar frikies? Una cosa sé, que frikie no se escribe así! pues viene de "freak", que se lo pregunten a Tod Browning.

Ahí van una serie de enlaces que a mí me resultan interesantímos y frikísimos, de cine underground, serie-b, hongkonés malo a más no poder:

http://www.badmovies.org/
http://www.bmonster.com/default.php
http://www.crepusculum.com.ar/
http://www.deadites.net/

siendo la joya de la corona:
http://cineundergroundchileno.blogspot.com/

y por último, algunas de tantas listas de frikis para frikis, vamos, para iniciarse:
http://www.microsiervos.com/archivo/peliculas-tv/top-10-peliculas-geek.html
http://darknayru.spaces.live.com/blog/cns!9F007C5A5055D36!3510.entry

Si pudiera separar los dedos como es debido os despediría como este artículo manda...

CINE Y TEATRO: Días de vino y rosas

2009-02-19T00:44:00.000-08:00

Anoche, a modo de sorpresa (Gracias!), me llevaron al teatro, a una obra que tenía muchísimas ganas de ver: “Días de vino y rosas”, salida de la estupenda y desgarradora película sobre el alcoholismo de Blake Edwards del mismo nombre. No he investigado mucho, pero me parece que han tardado bastante en adaptar al teatro esta película, que por estructura y composición de personajes se hacía totalmente factible.

En la película, de 1962, Jack Lemmon y Lee Remick (Joe y Kirsten en la ficción) interpretaban a una pareja venida a menos a manos del alcohol, un tema doliente que casi nunca ha estado de moda, al menos no tanto como el consumo de estupefacientes o el tabaco, pero siempre ha estado ahí, reducido a un estado tan marginal como sus consumidores. Las inmensas interpretaciones de Lemmon y Remick tienen ahora su réplica en el Teatro Lara de Madrid con Carmelo Gómez y Silvia Abascal (Luis y Sandra en la obra). Qué bien trabaja ésta última su personaje, papel que, y sigo pensando lo mismo (aunque siempre haya leído de todo el mundo que Lemmon hacía el papel de su vida), es el más complejo de los dos.

Con algunos cambios en el guión, para modernizar la obra, si bien el tema es universal, ya lo fuera en el 62 como si lo es ahora en la actualidad, se sitúa la acción sobre dos madrileños que, a partir de un encuentro casual, se conocen en un vuelo destino a Nueva York, donde la soledad y el miedo a la introducción en el nuevo mundo hará que se unan para siempre, como reza parte del guión, “juntos hasta en el paraíso”. Y más bien lo que comienzan es un camino de descenso a los infiernos cuando, la tendencia de Luis a no beber nunca solo arrastra a su mujer, inmersa en la soledad en la que se ve sumida cuando su marido se va a trabajar, sin más amigo o compañía de su hijo, en una ciudad desconocida.

Lo mejor: ver cómo los protagonistas solventan una magnífica actuación, con momentos tensos de altura y silencios mortecinos, a destacar esos bailes de luz parpadeante en esas noches de juerga pecaminosa a ritmo de una de las 4 versiones que del “What a wonderful world” de Louis Armstrong hace la obra base de su estilo actual. Lo peor: la reformulación de la película, olvidando algunos pasajes (no aparece el padre de Kirsten y con él las escenas de la pareja recién casada en su casa o el desvarío hipnótico de Joe tocando techo en el invernadero), y un final tibio. Tan tibio que el público no sabía que la obra había acabado ya. Tan sólo cuando Gómez y Abascal salieron de ambos lados de la platea y encendieron las luces, los espectadores fuimos conscientes de su fin y aplaudimos.

Y es que, a modo argumental, donde la película conseguía la coherencia después de varios saltos en el tiempo despojando de toda humanidad a Kirsten, aquí Sandra no parece asumir su condición de alcohólica, no asume del todo que tiene un problema y Luis no se muestra condescendiente aun cuando fuera él que introdujo en ese mundo a su mujer.

Quizá me faltó ese fantasmagórico plano final con una Lee Remick famélica y desvirtuada bajando la calle, oscura y fría, girando en una esquina seguramente buscando algún bar donde pasar la noche.

CRÍTICA: Slumdog Millionaire

2009-02-17T01:11:00.000-08:00

¿La mejor película de la década? Esto es lo que rezan los miles y miles de carteles que se han distribuido por todo el largo y ancho de Madrid publicitando “Slumdog Millionaire”. Saturado de tanto bombo, por las increíbles críticas que había escuchado (a medias pues siempre dejo hueco para la sorpresa) y por el pasado cinematográfico del director Danny Boyle (Trainspotting) decidí ir ayer al cine. Tengo que decir que ya lo intenté el fin de semana, y en dos cines, en los imposible-de-entrar Ideal y en los casi-imposible-de-entrar Princesa de la Plaza de los Cubos. Y no conseguí entrada, aún yendo con dos horas de antelación. Mi desesperación corría en aumento intentando alcanzar la creciente curiosidad que me daba esta película.

Al salir me pregunté: ¿cómo podemos consentir que jueguen así con nosotros, al menos, comercialmente? .Menos mal que nunca me creí ese rótulo en rosa, donde aparece una imagen que no se llega a ver en la película, no tanto como para ir el viernes pasado, día real de su estreno en pantallas, pero sí lo suficiente como para esperar un producto notable e intentar ir al cine lo antes posible. Uff, esta película no es para nada mala pero dista mucho de ser lo mejor de la década.

En el mismo tono, corte de montaje, ritmo hilarante y personajes al límite que la inolvidable “Ciudad de Dios” pero a miles de años luz de la capacidad de sorpresa y sugestión de ésta se encuentra “Slumdog Millionaire”. Muy bien rodada, música espléndidamente introducida y unos actores que alcanzan sus objetivos, pero…

En primer lugar, existen varios puntos inverosímiles en el guión que rozan ridículamente lo irrisorio (todo depende de la magia, que conlleva irrealidad, con que se mire el conjunto, claro está), danzando al gusto del director y que intentan salir del paso. Lo es por ejemplo (spoiler) la supuesta andanza de los dos hermano en el Taj Mahal donde, menos mal que había un par de guiris semi-idiotas para que estos niños pudieran sobrevivir del turismo, que en esa etapa de la India la estaba haciendo crecer en competitividad y en cuenta corriente. También lo son el momento en que al protagonista, solvente Dev Patel, (o más bien al guionista Beaufoy) se le ocurre decir que “él mismo es el lavavajillas” y el que nos hagan creer que, para todo aquel que ya sepa de la mecánica del concurso “Who wants to be a millionaire?”, que la pregunta final (que se supone de mayor dificultad) sea cuál es el nombre del tercer mosquetero (acaba spoiler).

Existen a su vez huecos de guión (y no hablemos también de fallos de continuidad, por mucho que sepa que este trabajo de script es complicado, sé también que una película anunciada de modo tan espectacular como esta, que tenga tantos premios y los que le quedan por obtener seguramente, tenga este tipo de errores). Por ejemplo, en un momento del interrogatorio al que el protagonista es expuesto por un policía antes de acabar con el juego, éste le pregunta cómo consiguió entrar en el concurso y seguidamente pasa al flash back correspondiente para intentar responder a esta pregunta. Y la respuesta nunca llega, se olvida de ella. El problema es que la tramposa estructura de la película prepara al espectador para una mecánica propia de realidad-flash back y entre tanto ir y venir, sin sentido, uno puede llegar a perderse. No se merece más el que más escribe sino aquel que escribe mejor.

A su favor: la historia es muy bonita, tierna y no se hace larga, las dos horas de metraje bien parecen una. Tiene escenas difíciles tratadas con mucho tacto, y otras en las que la magia de la música te hace tambalear de alegría en los pasajes más divertidos, sobre todo al principio, en la infancia del protagonista. Además, el acercarnos la historia de este país, aunque no lo haga del modo tan original en que se nos está vendiendo, hace enriquecer las miradas que occidente pueda tener para esta colonia que aún continúa hablando inglés.

LO MEJOR:
- La primer parte de la película: la infancia en Bombay (antes de ser “Mumbai”, estupendo y ácido guiño a la devastadora política histórica).
- La escena en los baños públicos.
- (Spoiler) La muerte del hermano, de modo técnico, perfectamente rodada.
- El mensaje final de la película, donde la causalidad y el destino parece que se den la mano.
- El prodigioso montaje (que no estructura de la película) y la música.

LO PEOR:
- Todo el despliegue comercial que se está suscitando. Está claro que cuando nos quieren meter una cosa por los ojos lo acaban consiguiendo.
- El listado de inverosimilitudes que antes he comentado.
- (Spoiler) La muerte del hermano, a modo personal, injustificada. Y por tanto, una artimaña del guión buscando un clímax final que, en realidad, no existe.
- Eso mismo, el final, que tan sólo se puede limitar al encuentro para siempre de los enamorados. Así de simple.

NOTA: 5

La BERLINALE se atreve a chupar de la teta

2009-02-16T01:43:00.000-08:00

El sábado día 15, el festival de cine de Berlín premiaba con el oso de oro, y por unanimidad, "La teta asustada" como mejor película, demostrando una vez más que el gusto de los votantes es muy "marginal", pues ha sido extraño, pero justo, que el premio haya ido a parar a las manos de esta cinta outsider que ya comenté hace unos días, en la que ni el tema ni la exposición del folklore peruano, por proximidad al cine europeo, que retrata son de fácil digestión. Después de esto, seguramente, y al relanzar al carrera comercial de la cinta de Claudia Llosa (en la foto), este tipo de cine se nos irá haciendo menos raro, de un visionado más accesible.

Aquí el palmarés de esta 59ª edición:

- Oso de Oro a la mejor película: 'La teta asustada', de la peruana Claudia Llosa, por unanimidad.

- Oso de Plata - Gran premio del Jurado: ex aequo a 'Gigante', del argentino Adrián Biniez, y 'Los demás' ('Alle anderen'), del alemán Maren Ade.

- Oso de Plata al mejor director: el iraní Asghar Farhadi, por 'Darbareye Elly' ('Acerca de Elly').

- Oso de Plata al mejor actor: el malí Sotigui Kouyaté, por 'London River', de Rachid Bouchareb.

- Oso de Plata a la mejor actriz: la austríaca Birgit Minichmayr, por 'Alle anderen'.

- Oso de Plata a la mejor contribución artística: el húngaro Gabor Erdelyi, por el sonido de 'Katalin Varga', del británico Peter Strickland.

- Premio Alfred-Bauer, en honor del primer director de la Berlinale: ex aequo a 'Gigante', del argentino Adrián Biniez, y 'Tatarak' ('Los juncos'), del polaco Andrzej Wajda.

- Premio a la mejor ópera prima: 'Gigante', del argentino Adrián Biniez.

- Oso de Oro al mejor cortometraje: 'Please say something', filme de animación del irlandés David O'Reilly.

- Oso de Plata al mejor cortometraje: 'Jade', del británico Daniel Elliott.

- Premio Teddy a la mejor producción de contenido homosexual o transexual: 'Rabioso sol, rabioso cielo', del mexicano Julián Hernández.

- Premio Cámara de la Berlinale: al director francés Claude Chabrol y al portugués Manoel de Oliveira, así como al productor alemán Günther Rohrbach.

- Oso de Cristal de la sección infantil y juvenil: 'My suicide', del estadounidense David Lee Miller.

CRÍTICA: La teta asustada

2009-02-14T07:38:00.000-08:00

Me gusta que el cine me enseñe mundos totalmente ajenos a mí, que me hable de historias que están lejos de mi alcance y que, geográficamente, difíciles son que me toquen de primera mano. Egoístamente, me hace sentir mejor a la vez que me hacen, cómo no, más insensible hacia el desastre, y esto, como terapia de choque y en pequeñas dosis, es bueno para el alma.

“La teta asustada” nos habla de un tema no muy conocido, al menos, lo sería en su momento, como lo es las consecuencias en el presente de las acciones llevadas a cabo por el, supuestamente llamado, Partido Comunista del Perú (Sendero Luminoso), fundado en 1960 en pos de las doctrinas maoístas de todos aquellos que lo militaron, y que en la década de los 80 desembocaron en una guerra por la conquista del resto de territorios peruanos que no eran de su jurisdicción. Muchas mujeres, sin hablar de los miles de muertos, fueron violadas. Así, de los hijos de éstas se dice que tienen la enfermedad de “la teta asustada”, por la cual por el hecho de ser amamantados por estas mujeres se quedan sin alma y mantienen una vida sumida en el miedo y la desconfianza. Fausta, la protagonista, está aquejada de esta enfermedad.

Pero Fausta no sólo vive encarcelada en el pasado de su madre muerta, y sumida en el miedo psicológico al que ha sido adoctrinada desde que nació, sino que además, esconde un secreto, terrible, que la tiene presa físicamente y que no voy a desvelar, más que nada porque pienso que es una película que hay ver, que no te la cuenten, y éste es un punto fundamental de la historia. Podrías perderte momentos extraordinarios, de suprema delicadeza, donde la música envuelve las escenas clave y los silencios parecen continuar su labor.

Intercalando la vida de Fausta, que intenta abrirse al mundo (por ejemplo yéndose a trabajar a casa de un ama, una pianista con ínfulas de diva), enfrentarse a él, después de la muerte de su madre, la directora de la película, Claudia Llosa, nos habla de múltiples facetas de las costumbres peruanas, del importantísimo papel del matrimonio, la diferencia de clases y los miedos disuasorios que tienen su respuesta en toda la parafernalia de brujería, santos y demás consuelos de la sociedad peruana. Por otro lado, si uno se fija bien, en una lectura no tan superficial, en fugaces secuencias y enormes planos estáticos de varios minutos, se advierten otros temas como la homosexualidad (esas secuencias con los varones homosexuales de las familias haciendo de peluqueros y chismosos antes de alguna que otra boda), la amistad, aquella que viene sin avisar (papel fundamental el del jardinero del ama) y el aprendizaje a base de palos (el destino final que la pianista da a su criada).

Fausta va aprendiendo a base de tropiezos a ser inmoral, a escapar de la cárcel, a buscar su propia libertad. Y después de mucho la parece alcanzar deshaciéndose del peso enorme del pasado, tanto figurado como real, pues no en vano (spoiler) la película acaba con Fausta llevando el cuerpo de su madre al mar y dejándolo a la deriva (acaba spoiler).

En todo esto, que parece perfecto, existe un pero como suma de muchos. Quizá los silencios, por mucha música que encierren, son tanto que pueden acabar por aburrir. En definitiva se exige mucho del espectador y para esto, hoy en día, son pocos los que puedan preferir ir al cine para pensar y soportar un concierto donde las mejores notas son aquellas que no se escuchan.

LO MEJOR:
- Magaly Solier (Fausta). Una actuación enorme, compleja e inolvidable.
- Las secuencias en las que Fausta recoge perlas del suelo, como si en cada una de ellas estuviera limando un barrote más de su celda.
- Las canciones, explicativas en el fondo, de todo lo que esconde la mente de Fausta. La mejor de ellas, la primera de todas, la que abre la película, donde una letra sin pudor alguno, recuerda las atrocidades de Sendero Luminoso.

LO PEOR:
- Su extrema lentitud, los personajes parecen andar a cámara lenta así como la sucesión de escenas, y esto, por muy tonto que parezca, puede llegar a desesperar.
- El título de la película, aunque muy acertado, puede no animar a ir al cine, a menos que hayas leído algo de la película. Tampoco lo es el cartel de la película.
- Que este tipo de películas sean marginadas por las distribuidoras, aún así me parece un logro que una película de una calibre tan arriesgado haya llegado a las pantallas comerciales, fuera de cualquier circuito de festivales.

NOTA: 9

AVANCE ESTADÍSTICAS 2008

2009-02-10T01:01:00.001-08:00

Ahora que ha terminado el 2008 llega la hora de, cómo no, pasar revisión a las estadísticas del año en cuanto a cinematografía se refiere. Como ya se sabe, y más aún en temas de estadísticas, no existe la inmediatez y a partir de la muerte del año se está empezando a tener un avance de las estadísticas del mismo. Desde la información que aporta el ministerio de cultura (http://www.mcu.es/), hagamos un breve repaso de cómo ha ido el año, y si la temida crisis ha hecho mella o no:

Según estos datos, hemos visto menos películas españolas, un 13,89% menos que en 2007, pero es que también hemos visto menos películas extranjeras (un 18,42% menos). Ahora bien, ¿cuántos largometrajes se han exhibido?. Se han exhibido menos largometrajes, tanto españoles como extranjeros, con respecto a 2007. La mayor caída la experimentan los largometrajes extranjeros, un caída casi un 7% mayor que los largometrajes españoles.

Por otro lado, ¿qué hay de la cuota de pantalla por países en 2008?, es decir, ¿cuántas películas ha proyectado cada país en nuestras pantallas y qué porcentaje supone respecto al total de películas proyectadas? Vemos que el cine que nos llega de los USA sigue arrasando, se lleva un 70,88 % del pastel en cuanto al número de espectadores, no siendo así en número de largometrajes, donde la unión de los países europeos alcanza un 51,34 %. Finlandia, Grecia y Portugal se quedaron en 2008 sin poder disfrutar de nuestras pantallas, o, viéndolo mejor, sin que nosotros pudiéramos disfrutar de ellos.

Como avisa el ministerio de cultura, los datos definitivos de 2008 se harán públicos al final del primer trimestre de 2009, pues aún falta mucha información que recoger pendiente, de muchos cines de España, distribuidoras, sondeos opináticos etc. De momento, no parece que estos datos, que son bastante negativos, vayan a cambiar. Y yo que pensaba, viendo las largas colas en los Ideal los fines de semana, que la crisis estaba dejando en paz al cine…

Fuente:

http://www.mcu.es/cine/MC/CDC/Anio2008.html

A CIEGAS, cine para ciegos

2009-02-09T02:45:00.000-08:00

¿Nunca os habéis preguntado cómo sería posible ver una película siendo ciego? Si Beethoven pudo componer siendo sordo, quizá quepa una posibilidad para ver cine siendo invidente.

Como pudiera parecer, que una persona ciega vea cine no es complicado. ¿Cómo funciona? Esta tarea consiste en una audiodescripción detallada de la parte visual de la película en los silencios que se puedan generar entre los diálogos y la banda sonora, tales como paisajes, gestos, reacciones de los personajes etc., todo esto mediante traducción simultánea de la pantalla al auricular de la persona ciega.

Más de 400.000 personas no pueden disfrutar de una película convencional en España hoy en día pues aún no se ha habilitado este sistema. Se espera que, con el compromiso de la Academia Española de Cine y la EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audivisuales) sea posible por ejemplo traducir a este formato la última ganadora de los Goya, “Camino”. Este sistema fue inventado en 1974 por Gregory Frazier. A éste se le ocurrió la idea viendo “Sólo ante el peligro” (de Fred Zinneman) con un amigo ciego.

Según se informa hoy en la revista digital “20 minutos” en España ya es posible, aunque anualmente, hacer uso de este sistema. Existe un ciclo madrileño llamado “La mirada que integra” que, con esta periodicidad, proyecta películas audiodescritas y subtituladas. Este ciclo está organizado por José Luis Fernández Iglesias, que decidió ponerlo en marcha para poder aunar todos los elementos de la inaccesibilidad que existían, ya que estos se podían encontrar por separado pero no en un único festival. A su vez, también el Festival de Cine de Pamplona se une a la causa proyectando cada mes películas adaptadas.

La ONCE, a su vez, dispone de una filmoteca, donde se pueden encontrar todo tipo de adaptaciones audiovisuales al sistema audiodescriptivo, entre otras tienen: Desayuno con diamantes, El señor de los Anillos, 21 gramos, documentales varios, obras de teatro, musicales (El fantasma de la Ópera) etc.

Ojalá en un futuro no muy lejano imágenes como las siguientes sean tan frecuentes en España como lo es por ejemplo, y fíjense bien, en Beijing:
http://www.youtube.com/watch?v=HFhBf_vJdVM

CRÍTICA: La Duda

2009-02-08T02:52:00.000-08:00

Lo primero que se me viene a la mente al salir de la sala 2 de los Ideal madrileños es por qué un director (John Patrick Shanley) que no dirige desde 1990 (Joe contra el volcán, con la inefable pareja formada por Tom Hanks y Meg Ryan), se ha sacado de la manga esta magnífica película y por qué ha tardado en dirigir. Y pienso, las musas no son fáciles de engatusar.

Todos, y algunos más que otros, tenemos ese pasado oscuro, esos secretos ocultos que nos definen unívocamente, pero eso no significa que no se puedan compartir, a menos que sean secretos horribles, feístas manifestaciones de lo peor que hay en nosotros.
Así, el padre Flynn (P. Seymour Hoffman), que acaba de entrar como nuevo párroco en San Nicolás, en el Bronx neoyorkino, atrae las miradas de la hermana Aloysius (Meryl Streep) alertada por la hermana James (Amy Adams) que ha estado viendo comportamientos extraños entre éste y un nuevo estudiante (de raza negra, el único en la escuela). El párroco parece tener algo que esconder.

Un planteamiento tan simple se convierte en un apasionante viaje a los sentimientos humanos de arrepentimiento, vergüenza y claro, duda. Mientras pasa el metraje me voy preguntando qué es aquello a lo que hace referencia el título de la película. Se desvelará al final para mi mayor inri. Mientras, vamos a las dos hermanas en continua pugna, sin dar tregua un solo momento al párroco, buscando la verdad e intentando que se haga justicia.

La película va al grano, no se anda con rodeos a la hora de presentar el problema, lo que puede llevar a un doble discurso moral. El que nos muestre de primeras al párroco como pecador, sin posibilidad de redención adolece los esquemas de la estructura clásica de la intriga, y por tanto, la película carece totalmente de ésta. Se convierte así en mero espectáculo que casi roza lo morboso. Menos mal que las poderosísimas interpretaciones, que ayudan a fortalecer el conjunto, salvan, y con mucho, los defectos que recorren la cinta en su desarrollo. La otra cara del discurso hace prevalecer lo cinematográfico, pues, yendo tan de cara desde el principio, la película nos ahorra el ritmo de telefilm en que pudiera haber incurrido, haciendo que las casi dos horas de espectáculo se nos antojen una.

En cuanto a los defectos, en primer lugar, el excesivo uso de la cámara ligeramente desplazada oblicuamente, lejos de alcanzar su objetivo (preparar al espectador para las partes “grueso” de la cinta), evidencia sin pudor su condición. Y ya se sabe, la sensualidad se convierte en sexualidad cuando nos quitamos la última prenda. En segundo lugar, la limitación de espacios (la película apenas transcurre en cinco localizaciones) intentando crear aire de presión y claustrofobia, hace que se sienta fácil la victoria de las hermanas.

Por otro lado, y créanme, las actuaciones hacen que lo anterior quede en mera anécdota. Meryl Streep va más allá de todo elogio, y pensar que había alcanzado tope con “Los puentes de Madison”. La parte final, (spoiler) en la que asume la cruz, recordando su pasado y ese secreto suyo, que se intuye incluso peor que el del padre Flynn y que no se llega a desvelar, haciendo que se haya aferrado de por vida a la religión católica, lo certifica. Ahora, después de servir al diablo para lograr cazar a uno de sus engendros, es consciente, por primera vez, que el bien no se comprende sin el mal, que la certeza no existe si no es a través de la duda (acaba spoiler).

Pero, a mi entender, la que se lleva el gato al agua es Viola Davis, madre de la criatura mancillada, que también oculta un secreto, el más vergonzoso que pudiera existir para con su hijo. Su actuación no va más allá de los diez minutos, pero fueron los diez minutos más espeluznantes que he vivido en mucho tiempo en algún visionado, de un terror que te viene tan rápido como un puñetazo y que aún hoy sientes su intensidad tremenda en los bucinadores.

LO MEJOR:
- Todo el reparto, sin excepción.
- Que la película no se centre en el niño en cuestión favorece la efectividad de la nueva óptica con que se trata un tema un tanto socorrido.
- Los sermones del padre Flynn, y en concreto, aquel que habla de los chismes. La palabra “gossip” pronunciada por Hoffman me revolvió el estómago.
- Nos quedamos con ganas de saber más sobre el pasado de la hermana Aloysius.- Los silencios que dan paso a la reflexión.

LO PEOR:
- El uso de la cámara, precario.
- La gratuidad que algunas conversaciones se licencian para hablar con sorprendente naturalidad.
- Un ligero sabor de boca pagano que puede escocer en los sectores más conservadores (aunque no sé si esto es del todo malo, tan sólo contraproducente para la carrera comercial del film).

NOTA: 8´75 / 10

¿Quieres saber más sobre esta película?: http://www.actualcine.com/weboscar/pelis/laduda/laduda.html

OPUS DEI y el cine

2009-02-04T04:22:00.000-08:00

Ahora, con todo el revuelo suscitado por el Goya a la mejor película (para mí, aun con sus sensacionalismo enroscado, premio totalmente justificado) para “Camino” de Javier Fesser, recordamos que el Opus Dei como polémica organización religiosa ya fue retratada anteriormente, y en parte, por el séptimo arte. No criticaré las verdaderas intenciones de esta organización más allá de lo que muestra su panfleto de cara al exterior (a mi entender muy cuestionables), más que nada para no entrar en polémicas; pero lo que sí me gustaría es dar a entender la visión que el cine ha dado sobre este cometido.

Quien haya visto y/o leído el famoso “El Código Da Vinci”, sabrá que el Opus Dei eran los malos malísimos de la historia, retratados por Ron Howard o Dan Brown como una especie de secta, secreta y elitista que busca promover políticas ultraconservadoras. Pues bien, se rumorea, si no es ya ciertamente noticia contrastada, lo cual escapa a mis manos, que está en preparación una película anti-“Código Da Vinci”, es decir, una película que el Opus Dei apoya y financia la empresa italiana Lux Vide, como hoy publica el sitio web argentino Clarín.com. Parece ser que ha saltado la alarma pues, en su afán publicitario, el Opus Dei, supuestamente, no va a aportar fondos para la realización de esta película, tan sólo apoyo moral, pero hay quien piensa lo contrario.

La película contará la vida de Jose María Escrivá de Balaguer, fundador de la influyente organización, que en la novela de Dan Brown se muestra como poco menos que un villano dispuesto a matar por ocultar un secreto.

¿Cambiarán el titular de la noticia para incluir “Camino” como fuente de inspiración de esta respuesta junto a “El Código Da Vinci”? Ya dijo Javier Fesser en su día a elpais.com (23 de octubre del año pasado) que “El Opus Dei ha utilizado para sus fines el calvario de una niña”. Respondía así este director a todas las críticas que su película había suscitado desde que comenzara a rodarse.

Para los interesados he aquí el enlace a la carta abierta que Fesser escribió al Opus Dei:
http://www.elpais.com/articulo/cultura/Fesser/Opus/Dei/ha/utilizado/fines/calvario/nina/elpepucul/20081023elpepucul_5/Tes

Todas estas polémicas películas no son más que el resultado de lo bien que el Opus Dei las ha entendido. Muchos pensarán que los acérrimos habrán puesto la voz en el cielo al ver estas películas porque no han llegado a comprender lo que critican. Yo pienso lo contrario. Son tan conscientes del daño que películas como “Camino” les hacen como consciente va siendo el mundo de la columna vertebral que “encamina” su esquema de religión.

PREMIOS GOYA 2009: Un año más de sorpresas y decepciones

2009-02-02T00:06:00.001-08:00

Bueno, hemos visto que este año ha pasado como el anterior. El atrevimiento de la Academia va a más. Si el año pasado ya premió a una película semidesconocida, dura y de una factura rarísima (el uso de la polivisión aún sigue escociendo) como lo es la magnífica "La soledad", anoche no fue para menos, "Camino", una película que arremete contra el Opus Dei, y peca un poco de sensacionalista, salió victoriosa ganando 6 de los 7 Goya a los que optaba, mejor película entre ellos. Por otro lado, y contrastando con la sorpresa, lo que no nos sorprendió es que Penélope se llevara el Goya a secundaria, qué triste es ver premiar la dudosa sabiduría de los norteamericanos y no la calidad.

Grandes ausentes a mi entender: alguna nominación más para el plantel de actores de "Una palabra tuya", que Verónica Echegui no se llevara el Goya a la mejor actriz, también Verdú se lo merecía (o al menos me convenció más con estos ciegos girasoles que jugando al billar), y que jugaran demasiado a lo comercial con tanta nominación para "Los crímenes de Oxford". Ah! y algo imperdonable: que nominaran a Ana Wagener como actriz revelación cuando lleva media vida dedicada al cine (y al teatro), vamos una auténtica aberración.

A favor: que Nerea Camacho se llevara el goya revelación, así como El Langui por "El truco del manco". Esperos ver qué "Camino" escoge Camacho, si el del olvido, el de la carrera profética o el destino de los niños a los que los flashes superan.

Aquí dejo las nominaciones y, resaltados, los premiados:

Mejor película
•Camino
•Los crímenes de Oxford
•Los girasoles ciegos
•Sólo quiero caminar

Mejor director
•Javier Fesser por Camino
•Álex de la Iglesia por Los crímenes de Oxford
•José Luis Cuerda por Los girasoles ciegos
•Agustín Díaz Yanes por Sólo quiero caminar

Mejor actor
•Benicio del Toro por Che, el argentino
•Javier Cámara por Fuera de carta
•Raúl Arévalo por Los girasoles ciegos
•Diego Luna por Sólo quiero caminar

Mejor actriz
•Carme Elías por Camino
•Verónica Echegui por El patio de mi cárcel
•Maribel Verdú por Los girasoles ciegos
•Ariadna Gil por Sólo quiero caminar

Mejor actor de reparto
•Jordi Dauder por Camino
•Fernando Tejero por Fuera de carta
•José Ángel Egido por Los girasoles ciegos
•José María Yazpik por Sólo quiero caminar

Mejor actriz de reparto
•Elvira Mínguez por Cobardes
•Rosana Pastor por La conjura del Escorial
•Tina Sáinz por Sangre de mayo
•Penélope Cruz por Vicky Cristina Barcelona

Mejor director novel
•Belén Macías por El patio de mi cárcel'
•Santiago A. Zannou por El truco del manco
•Nacho Vigalondo por Los cronocrímenes
•Irene Cardona Bacas por Un novio para Yasmina

Mejor actor revelación
•Álvaro Cervantes por El juego del ahorcado
•J. M. Montilla Langui por El truco del manco
•Martín Rivas por Los girasoles ciegos
•Luis Bermejo por Una palabra tuya

Mejor actriz revelación
•Nerea Camacho por Camino
•Farah Hamed por Retorno a Hansala
•Ana Wagener por El patio de mi cárcel
•Esperanza Pedreño por Una palabra tuya

Mejor Guión Original
•Javier Fesser por Camino
•Dionisio Pérez, José Antonio Quirós e Ignacio del Moral por Cenizas del cielo
•Chus Gutiérrez y Juan Carlos Rubio por Retorno a Hansala
•Agustín Díaz Yanes por Sólo quiero caminar

Mejor Guión Adaptado
•Peter Buchman por Che, el argentino
•Jorge Guerricaechevarría por Los crímenes de Oxford
•Rafael Azcona y José Luis Cuerda por Los girasoles ciegos
•Ángeles González Sinde por Una palabra tuya

Mejor Música Original
•Alberto Iglesias por Che, el argentino
•Bingen Mendizábal por El juego del ahorcado
•Roque Baños por Los crímenes de Oxford
•Lucio Godoy por Los girasoles ciegos

Mejor canción original
•Podemos volar juntos de El patio de mi cárcel
•A tientas de El truco del manco
•Manousal de Retorno a Hansala
•Entre tu balcón y mi ventana de Una palabra tuya

Mejor dirección de producción
•Pablo Zumárraga por Che, el argentino
•R. Romero por Los crímenes de Oxford
•Emiliano Otegui por Los girasoles ciegos
•R. Cuervo y M. Pedraza por Sólo quiero caminar

Mejor fotografía
•Carlos Suárez por La conjura de El Escorial
•Hans Burman por Los girasoles ciegos
•Félix Monti por Sangre de mayo
•Paco Femenia por Sólo quiero caminar

Mejor dirección artística
•Antxón Gómez por Che, el argentino
•Luis Valles Koldo por La conjura de El Escorial
•Baltasar Gallart por Los girasoles ciegos
•Gil Parrondo por Sangre de mayo

LITERATURA: El Celuloide Rosa - Javier García Rodríguez

2009-02-01T02:32:00.001-08:00

Puesto que en este blog, dedicado al séptimo arte, caben otros tipos de expresión cinematográfica, voy a hablar de un libro que recientemente ha publicado mi primo Javier de Barcelona.

La crítica queer ha empezado a emerger en los últimos años, si bien ya veíamos venir su ascenso al Olimpo desde hace más de dos décadas (ay,.. yo sigo echando en falta alguna de éstas en la corta filmografía de James Dean, pero no eran tiempos como para romper la cortina de humo). Este libro, disponible desde ya para su venta, y cito textualmente "es una historia crítica que engloba todos los géneros y todas las cinematografías del globo. Consta de más de mil referencias fílmicas, por lo que presenta una visión muy completa del panorama del cine de temática homosexual".

Por mi parte, al menos, pienso tenerlo entre mis manos en cuanto cobre este mes que se ha acabado. Seguremente muchos puedan reconocer las películas que cita en su mayoría y para aquellos que sienten curiosidad que prueben a iniciarse con cintas como "Yossi y Jaguer", "Defense d'Aimer" o "Get Real".

http://elceluloiderosa.blogspot.com/

http://www.libreriaberkana.com/L978-84-7948-087-5_el-celuloide-rosa.html

CAMINOS REVOLUCIONARIOS

2009-01-30T00:58:00.000-08:00

En el ADN de hoy, en sus columnas, haciendo apología de la sinceridad, Risto Mejide (muy leído me consta por mi amiga Mónica), alardea de adorar los tiempos difíciles, que estos nos sientan bien es algo más que obvio. Puede que sea cierto, y más cuando nos engañamos buscando alivio hasta en lo malsano; quizá no me haya levantado muy optimista hoy y sea capaz de entender a Risto. También puede ser que sienta que me han dado una de cal y otra de arena, como que hoy se conmemoran dramáticamente todos aquellos domingos sangrientos y además se celebra en parte la victoria de la educación para la ciudadanía

A mi entender, toda mentira tiene un sentido contraproducente en nuestras constantes. Y cuando nos mentimos en realidad nos estamos condenando a ese malestar que tarde o temprano nos viene a visitar, para recordarnos que el mal sigue ahí, por mucho que lo queramos ocultar. Empieza así en nosotros una revolución interior. Nos saqueamos y autoaniquilamos. Y voy a parar de escribir así, no me quiero parecer a uno de esos libros de psicología barato que se pueden encontrar en las estanterías de cualquier supermercado, o peor, en la boca de aquellos loqueros poco preparados.

Existen muchos tipos de revolución. Y así, entre mentiras, parece empezar la última del inteligente Mendes, con una Kate Winslet intentando revolucionarse a sí misma, para luchar después contra todo convencionalismo y parecer salir vencedora. Es increíble ver a una actriz totalmente entregada a su cometido, desgarrándose por defender un papel difícil (aunque sea sólo esto lo que me merezca elogios de la película). También podemos encontrar en las salas otros personajes liberadores como el de Harvey Milk, caraterizado por un solvente Sean Penn. Fuera de lo ridículamente panfletaria que se antoje la película del inefable Gus Van Sant (autor de la ridícula y pretendidamente manipuladora “Elephant”), hay que destacar la contrapartida positiva para el colectivo que representan las, por otro lado aburridas e irrisorias, menciones a los premios Oscar que se le pudieran otorgar, más que nada para publicitar unos derechos que si bien ya están encaminados aún no son reconocidos.

No hay que confundir ser transgresor con ser revolucionario. Mientras lo segundo implica necesidad, lo primero peca al ser consciente de serlo mientras se es. Ahora, si me explico bien, pondré un ejemplo. Cicciolina fue transgresora pues mientras enseñaba su pechos a todo el mundo y se hacía con un escaño en el partido más anárquico de su país, era consciente de ello. Por otro lado, Che Guevara, revolucionó la política internacional, ya que primero se revolucionó el mismo paseando en motocicleta, luego al país y luego al mundo entero, siendo consciente de los resultados una vez hubo terminado. Así transgresión podría llegar a confundirse con provocación, y si no que se lo digan a Olvido Gara, pero nunca más allá de lo ofensible, que para eso ya tenemos algunas películas de Von Trier, amén de “Dogville”, donde una Kidman que aún no había perdido el rumbo, intentaba crear su propio “Revolutionary Road”.

CRÍTICA: Retorno a Brideshead (por Alfonso Pujol)

2009-01-29T01:15:00.000-08:00

"Robo" a mi hermano su crítica de esta traducción al cine de la obra de Evely Waugh... ya estoy deseando leerme la novela y luego ver la película para rememorar ese tiempo que pasé en Oxford.

RETORNO A BRIDESHEAD
Por Alfonso Pujol

ARGUMENTO
Año 1925. El joven Charles Ryder (Matthew Goode) conoce casualmente a Sebastian Flyte (Ben Whishaw), hijo de lord Marchmain (Michael Gambon). Fruto de esta amistad, Charles se va introduciendo en el exclusivo mundo de la alta sociedad británica y visita, por primera vez, Brideshead, la magnífica mansión de los Marchmain. Allí conoce a Julia (Hayley Atwell), la hermana de Sebastian, y queda cautivado por su belleza desde el primer instante. En un tiempo convulso, Charles será testigo del declive de la familia mientras lleva a cabo su particular cruzada por el amor de Julia.

LO MEJOR DE LA PELÍCULA
Emma Thompson en el papel de Lady Marchmain y Ben Wishaw como Sebastian, los dos impecables y sobrecogedores.
La fotografía bellísma.

LO PEOR DE LA PELÍCULA
Se deja buenísimos diálogos en el tintero.
Se echa en falta más metraje dedicado a la vida en Oxford (la mayor parte de la novela)

ESCENAS DESTACABLES
Los días felices de Sebastian y Charles en Brideshead.
Emma Thompson visitando la casa de Charles y el frío encuentro entre ambos.

CONCLUSIÓN
Grata fue mi sorpresa cuando una hora después de terminar la inquietante novela de Evelyn Waugh en un vagón de tren, estaba en la sala del cine disfrutando de una buena adaptación de la misma. No, aún no he visto la famosa serie de televisión de los 80 (anotado queda en mi agenda). Pero puedo decir que esta película refleja en todos los sentidos el ambiente que el autor transmite en cada capítulo de la novela.
A destacar el trabajo de todos los actores, resaltando a Emma Thompson y Ben Wishaw por encima del resto. Si bien es cierto que el film se vende como una prolongación más atrevida de la serie de culto de los 80, es verdad que la clara ambigüedad de la novela no se refleja en la película, que nos ofrece la trama bastante más clara y sin tapujos. Un servidor echó en falta una voz en “off” que transmitiera los sentimientos de Charles (Matthew Goode) tan descriptivos y evocadores en la novela.
Además, existen diálogos geniales, ambigüos y eficaces en la novela que no aparecen en el film. Pero claro está que condensar todo lo que ofrece la agitada novela en unas horas es tarea ardua y el resultado final es bastante aceptable, rozando el notable.
Todos los temas tocados en el libro: las tradiciones, el alcoholismo, una agonizante sociedad de comienzos de siglo, la decadencia de la clase alta inglesa, la religión… van apareciendo en el film lentamente pero calando hondo en el espectador. Además, la elegancia del director al retratar el mundo universitario de Oxford o la belleza de la mansión Brideshead en panorámicas bellísimas son de elogio y para disfrutar relajadamente una y otra vez como el complemento perfecto para una historia compleja, liberadora y apasionante.

OSCAR 2009: hagan sus apuestas!

2009-01-23T09:56:00.001-08:00

¡Qué sorpresa! Cruz nominada por su actuación en Vicky Cristina Barcelona. Y sin competir con Kate Winslet. Bueno, no era tanta sorpresa, ¿verdad?. Lo que sí que ha sorprendido a todos ha sido que se olvidaran de "Revolutionary Road" en las principales categorías... ¿demasiada competencia este año? no, yo creo que es más bien causalidad comercial, nada más. Sólo espero que Angelina no cante victoria y su sosa interpretación eclipse a Streep o Winslet.

Pues eso, que vuelve la parafernalia mediática de la triste redención cinéfila al público masivo, menos mal que existen entre las nominadas un par de películas que estoy deseando ver: "The wrestler", "Doubt" y "Slumdog millionaire". De momento, esta noche, me espera "La clase" (y la voy a ver sin predisposición alguna). He aquí las nominaciones, y marcada en rojo mi quiniela.

MEJOR PELÍCULA
"The curious case of Benjamin Button"
"Frost/Nixon"
"Milk"
"The reader"
"Slumdog millionaire"

MEJOR DIRECTOR
David Fincher "The curious case of Benjamin Button"
Danny Boyle "Slumdog millionaire"
Gus Van Sant "Milk"
Ron Howard "Frost/Nixon"
Stephen Daldry "The reader"

ME JOR ACTOR PROTAGONISTA
Richard Jenkins "The visitor"
Frank Langella "Frost/Nixon"
Sean Penn "Milk"
Brad Pitt "The curious case of Benjamin Button"
Mickey Rourke "The wrestler"

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Anne Hathaway "Rachel getting married"
Angelina Jolie "Changeling"
Melissa Leo "Frozen river"
Meryl Streep "Doubt"
Kate Winslet "The reader"

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Josh Brolin "Milk"
Robert Downey Jr. "Trophic Thunder"
Heath Ledger "The dark knight"
Philip Seymour Hoffman "Doubt"
Michael Shannon "Revolutionary Road"

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Amy Adams "Doubt"
Penélope Cruz "Vicky Cristina Barcelona"
Viola Davis "Doubt"
Taraji P. Henson "The curious case of Benjamin Button"
Marisa Tomei "The wrestler"

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
"Waltz with Bashir" (Israel)
"The class" (Francia)
"The Baader Meinhof Complex" (Alemania)
"Revanche" (Austria)
"Departures" (Japón)

MEJOR PELÍCULA ANIMADA
"Bolt"
"Kung Fu Panda"
"Wall-E"

Para más información sobre otras categorías: http://lososcar2009.blogspot.com/